lunedì, aprile 30, 2007
LA PENSEE POWERPOINT
Un phénomène technomédiatique tel que le PowerPoint ne pouvait décemment échapper plus longtemps aux médiologues. Le revue Medium (No11, 200 pages, 12 euros) animée par Régis Debray vient donc de lui consacrer un article sous l’angle de “la rhétorique universelle” et sous la plume de Pierre d’Huy, spécialiste en management de l’innovation. On ne soupçonnait pas que le logiciel de mise en écran des textes et des images puisse développer une pensée autonome : on en est presque convaincu à l’issue de la lecture. D’après Microsoft, 30 millions de présentations PowerPoint sont élaborées chaque jour dans le monde. C’est peu dire qu’il s’agit d’un fait de société puisque le procédé est même utilisé de plus en plus souvent à l’occasion des discours de mariage !… Sur quoi repose cette “(r)évolution” ? Un vieux principe : la séparation de ce qui se voit et de ce qui s’entend réactualisée par le dédoublement du visible dans le lisible. Là où PowerPoint innove vraiment, selon l’auteur de l’article, c’est en créant un nouveau comportement : la lecture collective sur écran.
Il y a près d’un siècle déjà, les surréalistes s’amusaient au simultanéisme, mais Blaise Cendrars et Sonia Delaunay n’avaient pas rencontré la technologie de masse, la Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France ayant légèrement anticipé sur la Silicon Valley. Aujourd’hui, c’est la question de la propriété de la parole qui est en jeu avec la pensée PowerPoint :”Une pure technologie de persuasion au service de la conviction d’un auditoire (…) souvent le support d’un rhétorique sophiste, manipulatrice” estime Pierre d’Huy. Rien n’est universel comme une image. Aussi ce discours là transcende-t-il les langues nationales. J’ignore si l’instrument est “américain en diable” (et il y aurait déjà beaucoup à dire sur le choix de l’expression). Ce qui est sûr, c’est que dans un monde où l’on a besoin de voir pour penser, Power Point est, comme le souligne l’auteur de cette étude, “l’apogée de la vidéosphère, le culte de l’apparition, une machine rhétorique adaptée aux saint Thomas qui ne croient que ce qu’ils voient”. Encore faudrait-il y intégrer l’absence de naïveté de nos contemporains, leur capacité de plus en plus grande à critiquer ce qu’ils voient, à mettre en doute l’authenticité des images.
Pierre Assouline
La Republiques des lettres
http://passouline.blog.lemonde.fr/
OLAF NICOLAI
Galerie Erna Hécey
rue des Fabriques 1c
Fabrieksstraat Bruxelles 1000
20/4/07 - 14/6/07
Erna Hecey is pleased to present Berlin-based artist Olaf Nicolai's first solo show in Brussels, Considering a multiplicity of appearances in light of a particular aspect of relevance. Or: Can art be concrete?
In his artistic practice, Olaf Nicolai makes use of everyday objects and cultural products as well as historical references. -Questions of form, moods, attitudes and style are not just vain play with surfaces. They are questions of organizational forms of activities,- writes the artist. Nicolai's impressive and often surprising installations combine current questions in politics and contemporary culture with a wide- ranging interest in the natural sciences, architecture, aesthetics, iconography, and history. His focus is on the construction and exploration of new aesthetic contexts, often playing with the difference between naturalness and artificiality. His works are well known for both their conceptual complexity and striking physical beauty.
For his exhibition at Erna Hecey Olaf Nicolai presents an ensemble of new work. The central installation Considering a multiplicity of appearances in light of a particular aspect of relevance. Or: Can art be concrete? consists of a series of 16 framed multicolored Iris prints. The colors of these high quality inkjet prints blend into each other, an effect that is created using a special printer in which one color is fed at a time. Each print, though produced using a mechanical process, is an original, owing to variations in the ink flow. On worktables are laid out 400 color books printed using the same process, each one slightly different from the rest, a multiplicity of unique appearances.
On the gallery walls are affixed 3 large-scale Italian revolutionary prints, that together spell out the phrase -...ma l'amore mio non muore- (But my love will never die). These brilliant examples of radical leftist aesthetics, drawn from a seventies book, were originally printed using the same color process as the Iris prints: bluish purple fades into green, orange becomes purple. This printing method creates an atmosphere of glamour and psychedelic fun that is associated with political radicalism, specifically Maoism. Nicolai's reproductions play with and question the relation between pure form and technique and content in political art.
In -Ce qui coupe une ligne, c'est le point- (What cuts a line is a point), Olaf turns from Marxism to that other major -revolutionary science' of the twentieth century, psychoanalysis. The title comes from the famous French psychoanalyst Jacques Lacan's twentieth seminar Encore. Lacan was fascinated with topological figures like the Möbius strip and the torus, and in his later work turned to the mathematical theory of knots in order to formalize the twists and turns of the unconscious. Olaf offers a neon -knot' sculpture based on Lacan's topological diagrams from the seventies, following the particular iconography of French psychoanalysis.
In the project space, Nicolai presents -Psyche' I-V,- a series of five sculptural objects made of polished stainless steel which together form a pentagon.
Olaf Nicolai is one of the most important artists of his generation. He has had numerous solo shows, the most recent including THE BLONDES, Stadtraum Eppendingen- (2007) ; La Lotta, Galerie EIGEN+ART, Leipzig (2006) ; -Leonhardi Museum, Dresden -(2006) ; Kunstraum Dornbirn (2006) ; Printed Matter, New York, USA (2005) ; Odds and Ends, Projektraum enter, Kunstmuseum Thun, Schweiz- (2004) ; Odds and Ends, Lindenau Museum Altenburg- (2004) ; Privacy: A programme of symposia, Protoacademy, Edinburgh, Schottland (2004).
His most recent participation in groups shows include HALF SQUARE, HALF CRAZY, Centre National d'Art Contemporain of the Villa Arson (2007) ; Modelle für Morgen, European Kunsthalle Köln- (2007) ; Wiederaufbau Flamme der Revolution, Städtischen Galerie Wolfsburg (2007) ; Urban Intervention, Luxembourg et Grande Region, Capitale Europe'enne de la culture (2007) ; The Freak show, Muse'e d'Art Contemporain de Lyon (2007)- ; Nature Design,-Museum für gestaltung, Zürich- (2007) ; Ordnung + Verführung, Haus Konstruktiv, Zurich, Switzerland- (2006) ; Play station, Sprengel Museum Hannover (2006), This is america,!, Central Museum Utrecht, Netherlands- (2006) ; mozart 06, Salzburg, Austria (2006) ; Das große Rasenstück, Nuremberg- (2006), Football exhibition, Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, Brasil (2006) ; Location Shots, Erna He'cey Gallery, Brussel, Belgium (2006) ; Anstoss! Berlin, Kunst macht Welt, Haus am Waldsee, Berlin (2006). A special dossier was dedicated to Olaf Nicolai's work in Parkett 78 (2006).
FESTIVAL DELLE CULTURE GIOVANI
Salerno 2007
Festival delle Culture Giovani, giunto alla sua seconda edizione, continua, attraverso lo svolgersi e l’intrecciarsi di più sezioni tematiche, la sua perlustrazione sui linguaggi dell’arte, della comunicazione e delle nuove forme delle culture giovani.
I giovani di tutta Europa e non solo possono partecipare ad una serie di eventi culturali “erranti”, localizzati in più punti della città di Salerno nel periodo dal 4 al 12 maggio 2007.
Il Festival delle Culture Giovani è:
LINEA D'OMBRA Sezione di perlustrazione sui nuovi talenti del cinema europeo, con un vasto programma di lungometraggi, cortometraggi e video, ma anche workshop, per offrire un’occasione di formazione sui nuovi linguaggi dell’arte e dell’audiovisivo.
MUSIC-K
La musica come protagonista, attraverso concerti e performance di importanti Vj.
SCRIPTA
La scrittura in tutte le sue forme e percorsi sarà protagonista di questa sezione del Festival che si intreccerà, anche fisicamente, con le altre sezioni della manifestazione.
ARTINVIDEO
Sezione dedicata alla videoarte, intesa come naturale e necessaria prosecuzione del lavoro d’indagine sul visivo compiuto dal cinema.
MASSIMO PULINI
ex Chiesa Anglicana
Via Adelasia 7 - 17021 Alassio SV
29/4/07 - 3/6/07
Presso la ex Chiesa Anglicana di Alassio si inaugura domenica 29 aprile 2007 alle ore 18 la mostra pittorica di Massimo Pulini (Cesena 1958). La mostra e' patrocinata dall'Assessorato alla Cultura del Comune di Alassio ed e' a cura del critico d'arte Nicola Davide Angerame.
La mostra presenta per la prima volta un confronto tra due importanti serie pittoriche dell'artista, ovvero tra i dipinti in bianco e nero eseguito a olio su -radiografie- mediche, appartenenti anni che vanno dal 1989 al 1996 circa, e le piu' recenti -termografie- iniziate nel 2000 e realizzate con smalti industriali su radiografie e su laminato, dai forti effetti coloristici.
La prima attività in campo artistico di Massimo Pulini si svolge nella veste di pittore: ha esposto, a partire dal 1976, in importanti gallerie private e pubbliche, sia italiane che internazionali. Ha partecipato, all'inizio degli anni Ottanta, a fondamentali mostre curate dai critici Maurizio Calvesi, Italo Tomassoni e Italo Mussa, che furono all'origine di raggruppamenti artistici, definiti rispettivamente: Anacronisti, Ipermanieristi o Pittura Colta. Successivamente ha affrontato un lungo tragitto di ricerca individuale, sempre in dialogo con la Storia della Pittura e con la memoria, che lo ha portato ad allestire vaste personali in Musei italiani e francesi, come l'esposizione tenuta a Villa Adriana di Tivoli (1997) e le antologiche della Saline Royale di Besançon (1997) e della Galleria Nazionale di Parma (1999). Da oltre un ventennio svolge ricerche nel campo della Storia dell'Arte, e ha pubblicato vari saggi su importanti riviste scientifiche, come "Studi di Storia dell'Arte", "Nuovi Studi", "ARTE/Documento", "Accademia Clementina", "Ars" ecc.
I suoi saggi hanno avuto come oggetto diversi artisti del XVI e XVII secolo e hanno aggiunto importanti novità al catalogo e ai documenti relativi ad artisti come Lorenzo Lotto, Andrea Lilio, Guercino, Domenico Fetti, Pietro Novelli, Alessandro Turchi e altri. Oltre alla monografia sull'opera completa di Andrea Lilio ha curato le mostre Guercino. Racconti di Paese (Cento, Pinacoteca Civica, 2001); Guercino. Le collezioni ritrovate (Iglesias, Palazzina Bellavista, 2003) e la vasta monografica Guercino. Poesia e sentimento nella pittura del Seicento in corso presso il Palazzo Reale di Milano e itinerante a Roma (Palazzo Venezia, 2004) e a Londra (Royal Accademy, 2004-2005). Ha partecipato anche alla realizzazione della mostra Seicento Eccentrico tenutasi al Forte di San Leo nel 1999 e a quella dedicata ad Alessandro Turchi detto l'Orbetto, tenutasi a Verona nel 1999. Attualmente e' docente di Pittura presso l'Accademia di Belle Arti di Bologna, dopo aver insegnato in varie accademie italiane. Nel 2000 e' stato invitato ad allestire una sua composizione di opere pittoriche alla vasta rassegna retrospettiva sul "Novecento italiano", allestita presso le Scuderie Papali del Quirinale con la cura di Maurizio Calvesi e Paul Ginsborg. Nel 2002, per conto dei Musei Vaticani, ha realizzato la decorazione della volta di una delle stanze degli appartamenti papali. Recentemente ha pubblicato il volume Il secondo sguardo (Medusa editrice, 2002), che tratta il ruolo della copia nella pittura italiana del Seicento.
-Nello scorrere il curriculum vitae di un artista come Massimo Pulini - sostiene Monica Zioni, Assessore alla Cultura di Alassio - ci si rende conto della enorme forza culturale che il nostro Paese ancora detiene quando sa mantenere vivo il dialogo con la propria tradizione senza manierismi. Pulini e' un artista colto, intenso, capace di sentire sulla propria pelle, trasmettendocela, l'attualità della pittura di un glorioso passato. Con questa mostra si vuole sostenere il valore di una pittura che molti maestri italiani hanno inteso riproporre negli ultimi decenni attraverso visioni originali, interpretazioni innovative, approcci concettuali e usi moderni di materiali che parlano del nostro tempo. Un ruolo culturale, quello di Pulini, che va ben oltre quello del solo artista e si allarga a quello del conservatore dei nostri tesori nazionali e del continuatore della grande pittura come dimostra la sua recente realizzazione, per conto dei Musei Vaticani nel 2002, della decorazione della volta di una delle stanze degli appartamenti papali-.
-Dipingere - spiega Nicola Davide Angerame nel testo in catalogo - significa sempre adottare uno sguardo, aprire un proprio orizzonte di senso all'interno di una radura piu' estesa nella quale il tempo e lo spazio si condensano in quella strana materia di cui sono fatti i nostri piu' alti valori estetici, morali e teorici. Per Massimo Pulini dipingere significa toccare con uno sguardo personale il corpo della storia, dei suoi miti, dell'umano e dell'arte con l'intensità dell'intuizione ma anche con la forza di una dedizione che gli suscitano le opere dei grandi maestri del passato. L'opera di Pulini evidenzia la necessità oggi di riflettere su un concetto, quello della -formazione- dell'artista e di tutti noi. Una formazione il cui concetto piu' alto risale alla -paideia- degli antichi greci e alla -bildung- dei romantici tedeschi. Si tratta di una educazione sentimentale ai valori della civiltà che condividiamo e che rischiano di essere troppo presto dimenticati per un eccesso di modernismo e di progressismo il cui volto oscuro e' offerto dall'oblio del nostro passato-
Laurent Gervereau
Dictionnaire Mondial des Images
Nouveau Monde Editions, 2006
Ce livre est un travail inédit de grandes signatures et de brillants jeunes chercheurs. Il innove par beaucoup d’aspects, faisant exploser les catégories et les barrières nationales. Vous découvrirez ainsi des perspectives neuves sur les circulations d’images, les influences réciproques.
Un livre nouveau jamais entrepris, alors que notre monde a basculé et place journellement chacun face à des images de toute nature. Mais pouvons-nous accumuler des montagnes de livres sur toutes les civilisations ou tous les supports (cinéma, photo, affiche, peinture, télévision…) ? Trouvons-nous sur Internet des repères simples qui nous guident ?
Le Dictionnaire mondial des images est une évidence. Il correspond à la nécessité nouvelle de comprendre comment fonctionne l’accumulation planétaire des formes visuelles et leur circulation accélérée. Cela concerne les arts mais aussi tous les types d’images. Vous, vos enfants, vos élèves, avez besoin de renseignements de base ? Vous les trouvez dans ce dictionnaire. Ecrit par les meilleurs spécialistes issus de tous les continents, il rassemble des synthèses introuvables sur le Net. De la préhistoire aux jeux vidéos, vous saurez l’essentiel, avec en plus une lecture visuelle directe : ici pas un sujet sans au moins une image-repère.
Roberto Bassi
Psiche e pelle
Introduzione alla dermatologia psicosomatica
Bollati Boringhieri 2006
Collana «Nuova Cultura»
Secondo una tesi condivisa da molti psicologi, ma assolutamente rivoluzionaria in dermatologia, la pelle è lo specchio del nostro mondo interno; le malattie della pelle più resistenti alle cure mediche sono quelle che spesso si risolvono con il mutare della situazione emotiva del paziente. Dopo aver affermato l’opportunità e la necessità, per il dermatologo, di non dimenticare di essere anzitutto un medico, e di accostarsi al malato tenendo conto di tutti gli aspetti, fisici e psichici, della persona, l’autore riassume alcune nozioni della psicoanalisi – l’apparato psichico, i meccanismi di difesa, l’ansia – utili per mettere in evidenza la natura psicosomatica dei disturbi qui trattati. Sebbene tutta la patologia dermatologica riconosca, in diversa misura, un’etiologia psichica, viene indicato quali malattie vadano trattate assieme allo psicoterapeuta e quali invece richiedano solo un trattamento tradizionale.
I numerosissimi esempi clinici rendono il libro agile e avvincente. Chiunque può trovare in queste storie somiglianze e richiami a vicende, più o meno gravi, note per esperienza personale o familiare: pruriti, urticaria, acne, rosacea, vitiligo...
Roberto Bassi già primario dermatologo all’Ospedale Civile di Venezia, è professore a contratto di Psicosomatica dermatologica all’Università di Ferrara. È autore di numerose pubblicazioni sull’argomento.
Presso Bollati Boringhieri nel 1996 ha pubblicato "La ragazza che odiava gli specchi", di cui questo volume è la nuova edizione, arricchita con i risultati di dieci anni di lavoro. Nel 2004 ha dato alle stampe un libro di ricordi, "Scaramucce sul lago Ladoga" (Sellerio).
sabato, aprile 28, 2007
Vertigo
Il secolo di arte off-media dal Futurismo al web
a cura di Germano Celant
con Gianfranco Maraniello
MAMBO - Via Don Minzoni, 14 - Bologna
dal 5/5/07 al 4/11/07
Il MAMbo - Museo d'Arte Moderna di Bologna aprirà il 5 maggio 2007 con la mostra Vertigo. Il secolo di arte off-media dal Futurismo al web, a cura di Germano Celant con Gianfranco Maraniello. L'evento intende documentare gli sconfinamenti e le contaminazioni che si sono stabiliti a partire dalle avanguardie storiche (dal Futurismo al Suprematismo, dal Costruttivismo al Dadaismo, dal Neoplasticismo al Surrealismo) al fine di affermare la caduta dello "specifico" artistico, quale pittura e scultura, a favore di un intreccio multimediale.
Attraverso uno spettacolare allestimento concepito da Denis Santachiara per i rinnovati spazi dello storico edificio Ex Forno del Pane, il percorso espositivo presenta oltre quattrocento opere tra cui libri d'artista, film, installazioni, quadri e fotografie capaci di guardare alla storia dell'arte del Ventesimo secolo come a un periodo di radicali cambiamenti, di invenzioni e innovazioni. È proprio la sistematica e progressiva introduzione dei nuovi media che ha favorito una decisiva contaminazione dell'esperienza estetica -classica- sconfessando la presunta separazione tra pittura a cinema, scultura e architettura, teatro e musica, design e danza, per affermare un'interdisciplinarietà linguistica e per minare le fondamenta del concetto stesso di autonomia e di autoidentità dell'arte.
Vertigo inquadra tutte le forme di comunicazione mediatica del secolo - dalla radio al telefono, dalla fotografia al cinema, dalla televisione al video fino alle piu' recenti elaborazioni digitali - attraverso un percorso espositivo che prende avvio dalle prime incursioni storiche nel campo delle tecnologie con gli esperimenti sonori e poetici di Marinetti e Schwitters, con quelli visivi e filmici di Duchamp e Dali', per arrivare, attraverso Andy Warhol e la Pop Art, la Conceptual Art e artisti come Fernand Leger, Piero Manzoni, Yves Klein, Louise Bourgeois, Joseph Beuys, Anselm Kiefer e Bill Viola, fino ai maggiori rappresentanti della scena odierna internazionale.
Personalità artistiche e movimenti che hanno segnato con le loro ricerche le tappe fondamentali dell'appropriazione, a fini artistici, dei nuovi media saranno presentati in mostra secondo un andamento incrociato all'interno di un allestimento di grande impatto. Quest'ultimo, concepito dal designer Denis Santachiara, accompagnerà e orienterà il visitatore nel racconto visivo del secolo in cui l'arte ha con evidenza messo in crisi le proprie tradizionali forme di espressione.
Vertigo permetterà di comprendere come l'avanzamento della tecnologia abbia influenzato la percezione della realtà, la sua rappresentazione, il suo stesso statuto e, di conseguenza, come l'universo artistico nelle sue differenti declinazioni sia divenuto effettivamente -off-media-. Si potranno ammirare e capire piu' a fondo i contributi di Ed Rusha e di Lawrence Weiner per l'evoluzione del libro d'arte, quelli di Nam June Paik e di Bruce Nauman per il video o quelli di Laurie Anderson e di Christian Marclay per la musica contemporanea, ma anche tornare a guardare, con maggiore consapevolezza delle vicende estetiche del secolo, alla pittura di Magritte e Klee fino ai quadri o alle foto di artisti come Enzo Cucchi o Andreas Gursky.
Nel percorso della mostra queste rilevanti esperienze artistiche si incroceranno con la presenza di straordinari oggetti testimoni dell'evoluzione mediatica (da grammofoni d'antiquariato a radio originali di Guglielmo Marconi fino all'I-pod) e con specifici contributi cinematografici realizzati assieme alla Cineteca di Bologna, istituzione gemella del MAMbo, per una collaborazione che vedrà una fitta serie di eventi e progetti dedicati a Vertigo per tutta la durata del periodo espositivo.
Maestri di arte africana
Forme e stili.
Ottantaquattro sculture dalla collezione Horstmann
a cura di Ezio Bassani
Museo d'Arte
Piazza San Giovanni - Mendrisio
dal 28/4/07 al 22/7/07
Il titolo di questa mostra potrebbe essere Capolavori dell'arte africana classica, se il termine capolavoro non fosse inflazionato dall'uso ossessivo che se ne e' fatto. Eppure molte delle opere della Collezione Horstmann, selezionate per questa rassegna possono essere considerate capolavori: opere che testimoniano in maniera esemplare la capacità creativa ormai universalmente riconosciuta agli scultori africani del passato. Basti pensare che alla loro straordinaria forza e sintesi espressiva si ispirarono quasi tutte le avanguardie europee del primo -900, maestri come Picasso, Matisse, Braque, Nolde, Kirchner, Le'ger, Giacometti, Moore e tanti altri. La scultura africana fu fattore assolutamente determinante nella svolta dell'arte occidentale d'inizio -900.
Le opere d'arte create dagli artisti africani del passato, e dette per questo tradizionali, sono le testimonianze di un mondo scomparso o in via di sparizione. Fino a una quarantina di anni fa le sculture, che sono le manifestazioni piu' rappresentative della creatività di quel mondo, erano considerate prevalentemente delle testimonianze etnografiche e, malgrado il loro impatto sull'arte europea, scarsa considerazione era riservata alle loro qualità formali.
Solo dagli anni '70 e' cominciata una nuova stagione: le opere d'arte africana sono state accolte con sempre maggior frequenza nei grandi musei d'arte, dal Metropolitan Museum di New York che ha inglobato la collezione di Nelson Rockfeller, al National Museum for African Art di Washington, fino al Louvre di Parigi. Sempre nella capitale francese e' stato aperto lo scorso mese di giugno un nuovo grande museo, il Muse'e du Quai Branly, progettato dall'archittetto Jean Nouvel, che accoglie le opere del Muse'e de l'Homme e del Muse'e des Arts Africains et Oce'aniens.
Mostre come l'odierna al Museo d'arte Mendrisio, dedicate all'arte africana e alle sue qualità formali in quanto tali, si susseguono sempre piu' numerose e riscuotono sempre maggior successo; quella organizzata alla Galleria d'Arte Moderna di Torino nel 2004 ha avuto piu' di 160.000 visitatori.
La mostra allestita negli spazi raccolti del chiostro di Mendrisio sarà una selezione fra le centinaia di sculture raccolte da Wally e Udo Horstmann, la cui collezione e' considerata tra le piu' prestigiose a livello mondiale. Non e' un caso che molte di esse siano state esposte in importanti mostre internazionali a Parigi, Londra, New York e Monaco.
Le opere scelte, create da artisti della maggior parte dei gruppi etnici africani - dai Dogon del Mali agli Zulu del Sud Africa - illustrano le diverse categorie in cui solitamente viene suddivisa la produzione artistica africana: le figure di antenato, le statue ad uso magico-religioso, le maschere, gli oggetti d'uso, e forniscono un'immagine non solo suggestiva ma anche a larghissimo raggio della creazione artistica africana del passato.
Le forme ardite e inusuali delle opere d'arte sono state inventate autonomamente dagli artisti africani nel rispetto delle norme elaborate nel corso dei secoli all'interno della cultura delle loro società. Le 84 sculture della Collezione Horstmann rappresentano un vertice qualitativo della scultura africana e ne danno una visione articolata attraverso la presenza di ben 49 gruppi etnici. Alcune di queste opere, quali la monumentale e rara Figura di antenato Bongo del Sudan meridionale e l'impressionante Statua magica Songye della Repubblica Democratica del Congo, saranno esposte per la prima volta.
Curata da Ezio Bassani, studioso pioniere dell'arte africana, la mostra propone all'attenzione dei visitatori anche i problemi che si sono imposti negli ultimi anni nello studio delle arti africane, cioe' la datazione delle opere e la loro attribuzione all'autore. Nuovi metodi scientifici consentono ora di datare le opere, mentre la comparazione, resa possibile dai moderni mezzi di trasmissione delle immagini, comincia a permettere l'identificazione di alcune personalità di artisti africani del passato.
La Collezione Horstmann contiene un gruppo di straordinarie opere sicuramente antiche e datate tra cui la famosissima Figura-reliquiario Fang, riprodotta nel 1917 in Negerplastik di Carl Einstein, il primo libro dedicato alle arti africane in quanto tali; mentre il problema delle attribuzioni e' illustrato in mostra attraverso due capolavori: lo squisito poggiatesta con cariatide, assegnato al congolese Maestro della capigliatura a cascata, gemello di quello ora esposto al Louvre di Parigi, e la grande Figura magica-religiosa del Congo (o dell'Angola) di cui varianti della stessa mano o atelier sono esposte al Museo Pigorini di Roma e nel Museum für Völkerkunde di Lipsia.
Catalogo: 180 pagine, 100 illustrazioni a colori, 25 in bianco e nero, testi e schede di Ezio Bassani.
Il Salotto di Flexible Audio
Rebecca Container Gallery
Piazza Grillo Cattaneo 2r - 16123 Genova
sabato 28 aprile 2007 h. 18,30
Sabato 28 Aprile a partire dalle ore 18.30 Rebecca Container Gallery è lieta di ospitare “il Salotto di Flexible Audio”, nell’ambito della manifestazione Flex Fest, due giorni di musica elettronica contemporanea da ascolare e da ballare.
Flex Fest, alla sua seconda edizione, replica la fortunatissima formula della Versione 0.0 del dicembre 2006: i dj e i vj di Flexible Audio e i loro ospiti si sposteranno nuovamente in diverse location del centro storico genovese (Mentelocale, Mascherona, Milk, e Rebecca Container Galllery) alla scoperta e al seguito della fertilissima scena di musica elettronica della nostra città.
Flexible Audio (http://www.flexible.it) è una net label di musica elettronica fondata da un gruppo di produttori e videomakers genovesi e non, nata per concretizzare le loro esperienze scaturite da anni di collaborazioni con i maggiori club italiani ed internazionali.
In occasione del “Salotto di Flexible Audio” presso Rebecca Container Gallery gli spettatori potranno scaricare direttamente sui loro lettori Mp3 o su penne USB la prima uscita digitale della label genovese, piu di due ore di musica elettronica inedita. Si creerà in questa maniera un vero e proprio “salotto” tra il pubblico e i musicisti presenti e tra i produttori stessi: un punto di vista sull’elettronica insolito rispetto alla fruizione notturna all’interno dei clubs.
Rebecca Container Gallery ancora una volta punta i riflettori sulla ormai consolidata e fertile scena di musica elettronica d’avanguardia locale ed internazionale. Musica da ballare, ma, in questo caso, soprattutto da ascoltare e godere. La commistione tra discipline e stili (e tra menti) è una delle chiavi di volta della ricerca e dell’espressione contemporanea.
Tra gli artisti di Flexible Audio, saranno presenti: Mass_Prod, S.A.R.S., Modus, Robottino, Tantotempo, Criss, Faktor, Goofo, G. Verrina, Masta, Modus, Phooka, P.Unknown, Winstan.
Paul Virilio
L`arte dell'accecamento
Raffaello Cortina 2007
Collana "Minima"
Un saggio sull’accecamento, estetico e politico, nell’illuminismo della nostra contemporaneità caratterizzata dalla sovraesposizione massmediatica, dove il sensibile è diventato il fotosensibile e l’oggettività una teleobbiettività.
È questa l’ultima provocazione che ci lancia Paul Virilio: l’arte contemporanea, essa stessa mediatica e audiovisiva, non è più, come sosteneva Paul Klee, ciò che rende più visibile bensì l’arte di un accecamento.
Paul Virilio, filosofo e urbanista, insegna al Collège International de Philosophie di Parigi. Nelle nostre edizioni ha pubblicato La bomba informatica (1999), L’incidente del futuro (2002) e Città panico (2004).
Eric Denécé
Histoire secrète des forces spéciales
de 1939 à nos jours
Nouveau Monde Editions, 2007
Depuis une vingtaine d’années, les forces spéciales ont été engagées dans tous les conflits modernes : des Malouines à la guerre du Golfe, de l’Afrique au Kosovo, de l’Afghanistan à l’Irak. Avec l’évolution de la guerre au travers de l’histoire, ces dernières ont vu leur rôle renforcé. Joker des états majors quand tout est compromis, elles sont super entraînées, armées à la pointe de la technologie et formées pour intervenir dans toutes les situations, même celles réputées impossibles. Popularisées depuis les années 1980 grâce au cinéma américain, elles fascinent l’opinion, mais n'en demeurent pas moins méconnues, entourées du plus grand mystère. Renseignement, sabotages, encadrements de mouvements de guérilla à l’étranger, libération d’otages,… l’ouvrage nous livre tous les secrets des forces spéciales à travers le monde. Les chapitres, mêlant action et description, mettent en scène les unités des différents pays, présentées chaque fois dans un contexte opérationnel précis : les Special Forces américaines en Afghanistan, les SAS britanniques en Irak, les forces spéciales françaises en Côte d’Ivoire, les Spetsnaz russes en Tchétchénie, les commandos israéliens à Gaza, etc. Un ouvrage indispensable pour comprendre le rôle de ces unités particulières, de plus en plus sollicitées pour faire face aux menaces terroristes et aux crises soudaines et violentes qui secouent la planète.
venerdì, aprile 27, 2007
Facoltà di Scienze
Matematiche, Fisiche e Naturali
dell’Università di Genova e
Genova Film Festival
presentano
X_SCIENCE:
CINEMA FRA SCIENZA E FANTASCIENZA
2a edizione
Quando: 2 - 3 - 4 Maggio 2007 + la Notte della Fantascienza
Dove: Cinema Instabile
Via Cecchi, Genova
Dopo il grande successo della trascorsa edizione torna X_Science: Cinema tra Scienza e Fantascienza. Genova si propone così nuovamente alla ribalta del mondo della divulgazione scientifica con una manifestazione rivolta ad un pubblico sempre più attento.
La seconda edizione di X_Science: Cinema tra Scienza e Fantascienza, si terrà a Genova presso il Cinema Instabile e si arricchisce di matinée (dalle 10 alle 12) per le scuole presso il Museo di Scienze Naturali di Genova.
L’ ingresso sarà libero fino ad esaurimento posti.
Ma entriamo nel vivo del programma. Interessante novità di quest’anno la presenza di due importanti anteprime che coinvolgono il territorio ligure.
Ad inaugurare la manifestazione, infatti, sarà Dark Resurrection atteso film diretto dagli imperiesi Angelo Licata e Davide Bigazzi, impegnati da alcuni anni nella realizzazione di questa opera ispirata all’universo di George Lucas. Grazie all’ausilio delle nuove tecnologie i due autori sono riusciti a realizzare un lavoro estremamente ambizioso con grande economia di mezzi. Fra gli interpreti del film, doppiati da un cast eccezionale fra cui spicca Claudio Sorrentino, anche Sergio Muniz. Gli autori presenteranno il film. La proiezione sarà ad inviti fino ad esaurimento posti.
Venerdì 4 Maggio, prima della Notte della Fantascienza, anteprima anche per Invaxön, alieni dallo spazio, i nuovissimi telefilm realizzati da Massimo Morini, Enzo Pirrone e gli infaticabili componenti dei Buio Pesto per Jimmy, canale satellitare di Sky dedicato alla fantascienza, dopo il successo ottenuto dal lungometraggio realizzato nel 2004. Il pubblico di X_Science potrà vedere in anteprima 4 puntate da 25 minuti del divertente telefilm che, oltre a portare i liguri nello spazio profondo, conta la partecipazione di importanti guest star come Dario Vergassola ed Elio e le storie tese. Gli autori presenteranno i telefilm.
X_Shorts in competition, concorso tematico dedicato ai cortometraggi, vede in competizione opere provenienti da tutta Italia.
100 x Cent della toscana Teresa Paoli crea una visione da incubo di un futuro perfetto dove le famiglie sono fabbricate su misura da un’agenzia universale che controlla le abitudini di ogni individuo attraverso i singoli profili di consumo mentre The Silver rope dei milanesi Fabio Guaglione e Fabio Resinaro ipotizzano un futuro in cui un’incredibile scoperta scientifica, la localizzazione fisica dell’anima nel corpo dell’uomo, cambia completamente il mondo e il modo degli uomini di vedere la vita. Riflessioni e dubbi sul concetto di tempo al centro di Do you see me? del napoletano Alessandro De Cristofaro, finalista ai Nastri d’Argento 2006 grazie alla segnalazione del Genova Film Festival. L’energia inespressa e ancora sconosciuta dell’uomo al centro di La piccola parte del bolognese Stefano Piciché, dove la forza della passione di due innamorati che si stanno salutando al binario fulmina tutte le lampadine della stazione. Un videogame veramente interattivo porta il protagonista di The GlowGame, diretto da Henry Secchiaroli, ai confini della realtà, mentre in Little White Wires del romano Massimo Amici si riflette su come la tecnologia stia inevitabilmente allontanando l’uomo da se stesso. Parodie sul cinema di fantascienza gli ultimi due cortometraggi in concorso: Nello spazio di un secondo di Alessandro Villamira, viaggio nello spazio di una coppia strampalata a bordo di una 500 bianca in compagnia dell’inquietante computer Mauro9000, e 01-KML di Guglielmo Favilla e Alessandro Izzo, episodio dedicato alla fantascienza estratto dal lungometraggio Kiss me Lorena dedicato al cinema di genere dal gruppo livornese de I Licaoni.
Dedicato alla (Fanta)Statistica un fuori programma composto da due divertenti cortometraggi che in questi anni hanno riscosso grande successo in diversi Festival: Uno su seicento milioni di Maurizio Fei (2000) e La scoperta di Walter di Paolo Genovese e Luca Miniero (1999).
X_Feature proporrà due lungometraggi usciti quest’anno nelle sale italiane passati ingiustamente quasi inosservati: in collaborazione con Warner Bros verrà presentato A Scanner Darkly - Un oscuro scrutare di Richard Linklater e il documentario capolavoro di Werner Herzog Grizzly man, presentato in collaborazione con Fandango. I film di X_Feature saranno preceduti da una breve presentazione a cura di rappresentanti della Facoltà di Scienze.
“La Notte della Fantascienza”, che avrà luogo a partire dalle ore 24:00 di Venerdì 3, sarà una vera e propria notte bianca dedicata, quest’anno, ai capolavori del cinema di Fantascienza Americana degli Anni Cinquanta.
Al principio della notte sarà proiettato Ultimatum alla Terra di Robert Wise, un classico della SF al cinema, tratto dal racconto Farewell to the Master (Addio al padrone, 1940) di Harry Bates. L’esperimento del Dottor K, conosciuto anche con il suo titolo originale The Fly, di Kurt Neumann, è interpretato da un ottimo Vincent Price nei panni di uno scienziato che, durante un esperimento di disintegrazione e successiva ricostruzione della materia in cui ha preso se stesso come cavia, mescola casualmente i propri atomi con quelli di una mosca. La Notte della Fantascienza terminerà con Radiazioni BX distruzione uomo di Jack Arnold, in cui una nube radioattiva rimpicciolisce velocemente il protagonista e la sua casa diventa un campo di battaglia pieno di trappole pericolose dove ogni utensile domestico è un'arma potenziale che può distruggerlo.
La Notte della FantaScienza concluderà la seconda edizione di X_Science - Cinema tra Scienza e Fantascienza.
Le presentazioni dei film saranno curate dai componenti del Comitato Organizzatore di X_Science che sono:
per la Facoltà di Scienze M.F.N. - Maurizio Martelli (Preside), Marilena Carnasciali, Teo Mora e Paolo Piccardo
per il Genova Film Festival – Cristiano Palozzi e Antonella Sica
ERWIN WURM
Solo show
Deichtorhallen
Deichtorstrasse 1-2 - Hamburg
27/4/07 - 2/9/07
Born in 1954 in Bruck an der Mur, Austria, Erwin Wurm has always been involved in a question and answer game about sculpture and the way it is constituted. A multifaceted oeuvre has emerged over twenty-five years, which can be regarded as a continual investigation about the definition of sculpture. For Wurm, who is one of the most successful contemporary Austrian artists, actions, written or drawn instructions or even thoughts can become sculpture. This retrospective show presents for the first time, and on such a large scale, Wurm's comprehensive oeuvre, which includes all forms of media and systems of reference.
In a permanent exchange of questions and answers about what sculpture is and how it is constituted, Erwin Wurm has worked for more than twenty five years on a many layered body of work that can be understood as a long term study of sculpture as a concept. For Wurm, one of the most successful contemporary artists, anything can become sculpture: actions, written or drawn instructions, or even a thought. His art often treats elementary as well as banal life needs and actions, as well as their perversion, as can be expressed in physical deformations. The artist explores issues such as the thinness craze and obesity, fashion, advertising, the cult of consumerism, whose central fetishes include the private home as well the car. The exhibition shows with more than 400 drawings, videos, photographs, and sculptures, the most expansive show of the artist's work to date.
Particularly for the Deichtorhallen Erwin Wurm created a spectacular new work, which resumes to the Viennese work of 2006 "House Attack": The world 9 x 5 x 5 m of a large single family house is elevated from the fishing rods and stands upside down in the Deichtorhallen.
Erwin Wurm is a presentation made in collaboration with MUMOK, Vienna and the Kunstmuseum St. Gallen. The artist's book Erwin Wurm. The artist who swallowed the world, published in cooperation with the Kunstmuseum Aachen by Hatje Cantz Verlag, will appear in English with comments by the artist and an essay by the philosopher Robert Pfaller.
ELECTRONES LIBRES
Lemaître's video collection
Curated by Carolina Grau
Tabacalera
Calle Duque de Mandas 52 - San Sebastian
From April 27 to June 17
The first exhibition produced at the International Centre of Contemporary Art: Free Electrons shows videos and films produced by twelve international contemporary artists. Selected by the curator Carolina Grau, they belong to one of the finest collections in Europe: the Lemaître collection.
Johanna Billing - Where she is at
Yang Fudong - Backyard: Hey, Sun is Rising!
Fabien Giraud - The Straight Edge
Steve McQueen - Exodus
Aernout Mik - Park
Laurent Montaron - Park
Pablo Pijnappel - Andrew Reid
Christoph Rütimann - Handlauf, Um und nach Stans
Bojan Sarcevic - Animal is in the World as Water in the Water
Catherine Sullivan - Tis Pity She's a Fluxus Whore
Ulla von Brandenburg - Around
Clemens von Wedemeyer - Untitled (Reconstruction)
Miloutine Borissavliévitch
LE TEORIE DELL'ARCHITETTURA.
SAGGIO CRITICO SULLE PRINCIPALI DOTTRINE
DI ESTETICA DELL'ARCHITETTURA
Editrice Compositori, febbraio 2007
Collana "Trattati per l'architettura moderna"
Un interessante saggio curato da Giorgio Pigafetta e Ilaria Abbondandolo ci introduce a una delle opere teoriche fondamentali dell'architetto serbo Miloutine Borissavliévitch, esponente di una cultura architettonica che ha costruito la città europea fra le due guerre. Il tema dominante per Borissavliévitch è la messa a fuoco di leggi scientifiche per comprendere e rendere esplicito il rapporto tradizionale tra le forme dell'architettura e la percezione estetica dell'uomo, utilizzando l'idea di composizione come strumento interpretativo dell'architettura. Il volume costituisce il primo della collana "trattati di" ed è diretto da Renato De Fusco.
TRATTATI PER L'ARCHITETTURA MODERNA
Renato De Fusco
II programma della collana è di pubblicare una serie di testi che contribuiscano a dare dignità culturale alla letteratura architettonica corrente e in pari tempo di offrire uno strumento di vivo interesse per gli operatori del campo. Questo duplice obiettivo è espresso dal termine "trattato" - solitamente inteso come il genere più alto e antico di scritti sull'arte e l'architettura - e dalla preposizione "per", nel nostro caso/ volta a costituire un ponte appunto fra teoria e pratica.
Più complesso è definire l'aggettivo "moderno" e in particolare l'espressione "Movimento Moderno" che ricorreranno in vari titoli della collana.
La prima parola rientra nella periodizzazione della storiografia, nella sequenza temporale: storia antica, medievale, moderna e contemporanea, ma questi ultimi due termini danno luogo a equivoci; per storia moderna, nel campo dell'arte, s'intende il periodo rinascimentale, manierista e barocco, mentre la storia contemporanea è intesa quella a partire dal 1492, ossia dalla scoperta dell'America. Oltre all'evidente sovrapposizione, risulta peraltro troppo lungo il periodo definito dal termine "contemporaneo", donde la necessità di frazionarlo, caso per caso, da un altro lasso di tempo a quo e ad quem. Il termine "moderno" presenta anche un altro significato: lo si usa per designare il presente rispetto al passato, in qualunque caso: ad esempio moderno era il Rinascimento rispetto al Gotico, il Manierismo rispetto al Rinascimento, il Barocco rispetto a quest'ultimo, ecc. fino al Novecento .
Michel Paoli
LEON BATTISTA ALBERTI
Traduzione di Duccio Alberti
e Francesco Alberti La Marmora
Bollati Boringhieri, 2007
Collana «Nuova Cultura»
In un’agile introduzione rivolta al largo pubblico non meno che agli specialisti, il punto sull’opera “universale” di uno dei massimi artefici della cultura umaniostica e rinascimentale.
Sommo architetto, letterato prodigioso, teorico dell’arte acutissimo, ma anche urbanista, matematico, pittore, archeologo, musicista, Alberti s’addentrò nei campi più diversi del sapere, formulando sintesi inedite di razionalità e bellezza, dettando le regole di una nuova estetica, forgiando la sensibilità di un’epoca. Fu insomma l’uomo che, prima di Leonardo, incarnò gli ideali universali dell’Umanesimo e contribuì da protagonista a quella rivoluzione culturale quattrocentesca che è alle fondamenta della modernità europea.
In questa concentrata e aggiornatissima introduzione alla sua opera, Paoli fotografa lo stato delle nostre conoscenze su Alberti, senza rinunciare a proporre una personale interpretazione della sua vicenda umana e artistica (il “moralismo senza illusioni” come chiave di volta della personalità e del pensiero di Alberti). Naturalmente al centro dell’indagine sta la straordinaria attività dell’architetto e la fitta rete di relazioni da lui intrecciate con committenti e mecenati: gli Este (campanile del Duomo di Ferrara), i Malatesta (Tempio malatestiano di Rimini), i Gonzaga (chiese di San Sebastiano e Sant’Andrea a Mantova), i Rucellai (Palazzo, Loggia e Cappella Rucellai, facciata di Santa Maria Novella a Firenze). Ma dalla ricognizione di Paoli esce illuminata di nuova luce anche la figura del letterato autore di fondamentali trattati d’arte (De pictura, De statua, De re aedificatoria) e di alcuni vertici della nostra letteratura umanistica (De familia, Intercoenales, Momus), nonché quella del “pensatore ingegnere”, per il quale non v’è spazio per le rassicuranti certezze del provvidenzialismo religioso e si deve “credere più a ragion che a persona”.
Michel Paoli, normalista, insegna all’Università di Amiens, dove fa parte del Centre d'etudes du Moyen-Age et de la Renaissance. Si occupa di storia della cultura rinascimentale italiana, in particolare di Ariosto e Alberti. Ha pubblicato tra l’altro L’idée de nature chez Leon Battista Alberti (Champion, 1999) e dal 1995 gestisce un sito web interamente dedicato alla bibliografia albertiana; con Francoise Choay, ha organizzato il convegno albertiano del Louvre (2004), curandone gli atti (Alberti, humaniste, architecte, Paris 2006).
giovedì, aprile 26, 2007
Divisionism / Neo-Impressionism
Arcadia and Anarchy
Solomon R. Guggenheim Museum
1071 Fifth Avenue (at 89th Street), New York
26/4/07 - 6/8/07
First U.S. Exhibition to Focus on Italian Divisionism and Its Relationship to French Neo-Impressionism
From April 27 to August 6, 2007, the Solomon R. Guggenheim Museum presents Divisionism/Neo-Impressionism: Arcadia and Anarchy, the first exhibition in the United States to focus on Italian Divisionism -a style so named for its painting technique, which employed the -division- of vibrant color through brushstrokes- and to examine its relationship to French Neo-Impressionism. The exhibition comprises approximately forty paintings drawn from major museums and private collections by the masters of Italian Divisionism, including Giovanni Segantini, Angelo Morbelli, and Giuseppe Pellizza da Volpedo, together with significant Neo-Impressionist paintings by Georges Seurat, Paul Signac, and Camille Pissarro, among others. Divisionism/Neo-Impressionism situates the Italian Divisionists within an international context alongside the major proponents of Neo-Impressionism.
Divisionism emerged in Northern Italy around the end of the 1880s. The first generation included Vittore Grubicy De Dragon, Emilio Longoni, Morbelli, Pellizza, Gaetano Previati, and Segantini. Their painting method was characterized by the juxtaposition of strokes of pigment to create the visual effect of intense single colors. While these artists were anchored in the traditions of Italy's artistic heritage, they took cues from the modernist practices occurring elsewhere in Europe, primarily those of the French Neo-Impressionists, or Pointillists. They were also influenced by the optical and chromatic ideas developed by French and American scientists, namely, Michel-Euge'ne Chevreul and Ogden Rood.
The shared concerns of the Neo-Impressionists and Divisionists, paired with the latter's emergence at a slightly later date, have often caused the Italian style to be regarded as a derivation of the French one. Yet distinct differences marked the Divisionists' art, and the exhibition reveals that they developed an idiom that was all their own. This included a preference for large-scale compositions, an ongoing interest in modeled form and the representation of three-dimensional space, and a desire to connote movement. Unlike the French, Belgians, or Dutch, the Italians eschewed representations of bourgeois life or urban spectacle. Instead, they painted Symbolist imagery, largely absent from the work of their European contemporaries. Underlining the paradoxical nature of Italian art in this period, these pursuits both reflected the Divisionists' grounding in Italy's rich visual heritage and pointed the way for the next generation, the Futurists.
The exhibition is organized in five thematic groupings--Light,- -Landscape,- -Rural Life,- -Social Problems,- and -Symbolism--to address the concerns these artists shared as well as to reveal how their work diverged. The first section, -Light,- demonstrates the preoccupation with the depiction of refracted lamplight upon color in interiors. -Landscape- features works that capitalize on the effects of sunlight, particularly in the reflective surfaces of rivers, lakes, glaciers, and the sea. -Rural Life- denotes the pervasive representations of agrarian labor in aesthetically beautiful images that seemingly contradict the hardships implicit within these scenes. In contrast, the paintings in -Social Problems- more directly call attention to the political issues of the day by portraying strikes, industrial labor, and the urban malaise of the working class. Finally, -Symbolism- reveals the direction taken in the late 1890s, primarily by the Italian Divisionists, when artists turned away from political matters to realize transcendent allegorical or spiritual visions.
The exhibition's subtitle, Arcadia and Anarchy, literally and metaphorically alludes to philosophies shared by many Divisionist and Neo-Impressionist artists. Their choice of a radical new style was as anarchic as their allegiance to leftist politics, but their search for the ideal led to arcadian evocations in idyllic landscapes and mystical imagery.
Catalogue
A fully illustrated catalogue with scholarly essays by Italian, French, and American authors, which expand the current discourse on the subject, accompanies the exhibition. The authors are Giovanna Ginex, Vivien Greene, Dominique Lobstein, and Aurora Scotti Tosini.
IL FONDO DEMATTEIS DI LIBRI D'ARTISTA IN DEPOSITO AL MART
Il Mart, museo d’arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto s’impreziosisce di un nuovo deposito: la prestigiosa collezione di libri d’artista della gallerista torinese Liliana Dematteis.
Il Fondo Liliana Dematteis è la prima raccolta di libri d’artista nata in Italia grazie all’impegno e alla passione di Liliana Dematteis, titolare della Galleria Martano di Torino, ed è considerato oggi una delle più importanti collezioni per gli oltre 900 esemplari da cui è composta.
A partire da marzo 2007 il prezioso patrimonio è conservato al Mart e sarà consultabile presso la biblioteca del museo.
Sarà la grande mostra La parola nell’arte Ricerche d’avanguardia nel ’900. Dal Futurismo ad oggi attraverso le collezioni del Mart, in programma dal 10 Novembre 2007 al 3 Febbraio 2008, la prima occasione per il grande pubblico per ammirare i volumi del Fondo Dematteis al Mart.
La biblioteca del Mart, specializzata sull'arte del XIX e XX secolo, con una particolare attenzione alle avanguardie, conserva oltre 1.400 periodici e oltre 70.000 volumi, fra i quali una ricca raccolta di editoria futurista originale, di libri d'artista e oltre 10.000 cataloghi di mostre. Sono inoltre conservate al Mart le biblioteche personali di artisti, architetti e critici come Fortunato Depero, Gino Severini, Luciano Baldessari, Angiolo Mazzoni, Vittore Grubicy, Carlo Belli ed altri.
La storia
La nascita della collezione si può collocare intorno alla fine degli anni Sessanta, quando la Galleria Martano iniziò una attività editoriale, con la pubblicazione di una collana di saggi sull'arte diretta da Maurizio Fagiolo, ed una serie di cataloghi delle proprie mostre, che in quegli anni cominciavano a svincolarsi dalle esposizioni. Su ispirazione diretta degli stessi artisti, i cataloghi diventavano quindi progetti paralleli ma autonomi: veri libri d'artista.
In quegli anni Liliana Dematteis iniziò anche a raccogliere sistematicamente, e con uno spirito nuovo, pubblicazioni di artisti non inquadrabili nelle tipologie tradizionali, facendo anche scoperte emozionanti. Come quando entrò in possesso di un libricino dalle pagine sciolte in parte dipinte, in parte colorate monocrome, con una prefazione senza parole firmata dal poeta Claude Pascal. Si trattava di un precoce libro, allora ancora sconosciuto, di Yves Klein, che lo stesso Archivio Klein oggi considera come l’unico esemplare completo. Attualmente è esposto a rappresentare l’artista nella mostra dei Nouveaux Réalistes al Grand Palais di Parigi.
Da allora la collezione si è arricchita notevolmente. Liana Dematteis ha intuito il crescente interesse per il libro come strumento di creatività artistica in movimenti come Fluxus, l’arte concettuale, il comportamento, la poesia concreta e visiva, sviluppatisi proprio intorno agli anni Sessanta e Settanta. La sua collezione, testimonianza di questa intuizione, annovera esemplari di artisti internazionali e italiani di grande valore, come Classifying the thousand longest rivers in the world di Alighiero Boetti e Anne Marie Sauzeau, LAAIR di Bruce Nauman, An anthology di La Monte Young e Jackson Mc Low, La via del sangue di Jannis Kounellis e molti altri fino ai nostri giorni.
Liliana Dematteis ha continuato ad inseguire la sua passione e da sempre ha cercato di condividerla con il pubblico curando diverse mostre e contribuendo, con Giorgio Maffei, alla stesura del primo censimento di libri d’artista italiani dal 1960 al 1998.
"Parole degli occhi.
Giorgio Bergami 50 anni di fotografia"
Palazzo Ducale - Sottoporticato
Piazza Matteotti 9 - Genova
25 april - 29 july 2007
In occasione del settantesimo compleanno di Giorgio Bergami, Palazzo Ducale presenta una mostra che sottolinea l’importanza e la qualità della sua attività cinquantennale di fotografo e di regista cinematografico.
Il percorso espositivo ripropone nella sua sequenzialità storica il complesso del lavoro di Bergami, presentandone una selezione rappresentativa della ricchezza di esperienze e di visioni: un vero e proprio diario del tempo di cui l’occhio fotografico di Bergami è critico testimone.
La sua foto, infatti, è uno scatto fortemente testimoniale che, pur nell’estrema padronanza del mezzo, sa restituire l’impatto immediato dell’immagine, del fatto.
In ciò gioca, del resto, una visività fatta di tempi rapidi, in cui certo confluisce la sua esperienza cinematografica, oltre che la frequentazione con la foto di agenzia: è ben nota infatti la sua formazione all’interno di Publifoto, di cui divenne titolare nella sede genovese.
Fra i reportages più significativi ricordiamo quelli sul disagio sociale nei manicomi e nelle carceri minorili, sulla speculazione edilizia, sulla grande industria dell’acciaio e della costruzione di transatlantici, sulle lotte degli anni Sessanta, sulle città di Sarajevo e Pechino, su Cuba.
Robert Neuwirth
Città ombra.
Viaggio nelle periferie del mondo
Traduzione di Savina Tessitore
Internazionale - Fusi orari 2007
Più di un miliardo di persone nel mondo vive nelle periferie delle metropoli, in quartieri costruiti spontaneamente e illegalmente da chi ci abita. Per due anni Robert Neuwirth ha abitato in una favela di Rio de Janeiro, una bidonville di Nairobi, una baraccopoli di Mumbai e una periferia abusiva di Istanbul. Si aspettava di trovare crimine e violenza. Invece ha scoperto comunità compatte, solide, industriose e autosufficienti. Città ombra è uno sguardo rivoluzionario e illuminante sulle grandi città, sulla loro storia spesso sconosciuta e sul loro futuro.
"Neuwirth è il primo giornalista ad aver vissuto davvero nelle baraccopoli di quattro continenti. Il suo libro è un vivacissimo ritratto delle città dei poveri, con la loro energia e il loro umorismo nero. Gli uomini e le donne che emergono da Città ombra sono i veri costruttori del nostro futuro urbano globale".-Mike Davis, autore di Città morte
Robert Neuwirth è un reporter statunitense. Collabora con The New York Times, The Nation e The Village Voice. Vive a New York. Il suo blog è squattercity.blogspot.com
Collage-Collages
1912-1962
a cura di Mimita Lamberti
Mondadori illustrati - Electa 2007
Collana "Cataloghi di mostre"
Tecnica solo in apparenza banale e fragile, il Collage si è fatto veicolo espressivo di molteplici significati. Le opere presentate sono articolate in quattro sezioni tematiche: due diacroniche (dagli anni Dieci agli anni Sessanta, le prime sperimentazioni di Picasso, Braque e Gris, le riprese futuriste e le proposte di Rauschenberg, i giochi verbali, le associazioni di Soffici e Severini, i contenuti politici di Dix e Grosz, i décollages di Rotella); una dedicata al surrealismo (da Ernst a Miró) e alla creazione dell'effetto disorientante; una alle componenti materiche emerse nelle opere di Prampolini, Burri, Novelli, Tancredi, Afro, Scialoja, e Motherwell; una alle analogie e differenze con la pittura.
mercoledì, aprile 25, 2007
AIRS DE PARIS
Centre Pompidou - Paris
25 avril - 15 août 2007
Le Centre Pompidou fête ses 30 ans avec Airs de Paris, une vaste exposition pluridisciplinaire réunissant soixante-treize artistes et créateurs contemporains (paysagistes, designers et architectes). Le titre de l'exposition fait référence à l'œuvre Air de Paris de Marcel Duchamp, dont la rétrospective a marqué l'ouverture du Centre en 1977.
L'exposition présente, en deux volets, des œuvres de 1970 à nos jours autour des thèmes conjoints de la ville et la vie urbaine. Cette réflexion prend Paris pour point de convergence, que les artistes et créateurs de l'exposition y aient résidé, travaillé, ou qu'ils aient des projets lui étant associés. Un nombre important de commandes et productions inédites ont été spécialement conçues pour l'occasion.
Le volet consacré à l'art est organisé en dix thèmes qui explorent, à travers les yeux des artistes, aussi bien les mutations technologiques, économiques et sociales de la ville, que les nouvelles communautés et cultures urbaines ou les nouvelles perceptions de l'espace et du temps qui en découlent. L'exposition aborde les problématiques de la société du risque et de l'écologie urbaine et avance des réponses aux questions sur la place de l'individu et de sa redéfinition dans l'espace urbain.
Parmi les artistes présentés figurent notamment ceux ayant une relation importante avec l'histoire du Centre comme Marcel Duchamp, Gordon Matta-Clark, Chris Marker, Gérard Gasiorowski ou Raymond Hains. Sont également exposées les nouvelles productions de Tatiana Trouvé, Carsten Höller, Stéphane Calais, Jean-Luc Moulène, Daniel Buren, Saâdane Afif, Dominique Gonzalez-Foerster ou Nan Goldin, entre autres.
Le volet architecture, design, paysage et urbanisme, propose au visiteur un espace scénographique hélicoïdal allant du sol d'un parking jusqu'à celui de Mars.
Quatre chapitres structurent ce volet et esquissent une représentation des imaginaires contemporains de la métropole, aujourd'hui et à venir, avec des oeuvres de Patrick Blanc, Ronan et Erwan Bouroullec, Campement Urbain, Gilles Clément, Didier Fautino, Zaha Hadid, HeHe, Bruno Latour, Jasper Morrison, Philippe Rahm.
C'est dans ce mouvement dynamique, du centre urbain vers la périphérie, du sol vers l'atmosphère, que se jouent les rapports entre l'ici et l'ailleurs, entre le paysage intérieur de l'âme humaine et l'univers. L'exposition dessine ainsi un itinéraire prospectif à la rencontre des enjeux actuels de recherche et de création dans l'architecture, le paysage et le design et tisse des associations thématiques et des correspondances ludiques.
AZULEJOS LAGGIONI
Museo di Sant'Agostino
Piazza Sarzano 21 - 16128 Genova
dal 21 aprile al 2 settembre 2007
Ceramica per l’architettura in Liguria dal XIV al XVI secoloCeramica per l’architettura in Liguria dal XIV al XVI secolo
La mostra ha come oggetto un patrimonio artistico di grande suggestione, ampiamente diffuso in Liguria e ben rappresentato all’interno delle Civiche Collezioni genovesi e della Pinacoteca di Savona: le piastrelle in ceramica smaltata utilizzate per il rivestimento di pareti e pavimenti di chiese ed edifici privati tra XV e XVI secolo.
In un primo momento importate dalla Spagna, ma ben presto prodotte in gran numero dalle manifatture locali, queste mattonelle policrome costituiscono una testimonianza importante del legame che univa l’antica Repubblica genovese alle altre civiltà che si sono sviluppate sulle sponde del Mediterraneo.
Il contatto con la cultura figurativa di matrice islamica è attestato, oltre che dalla tipologia di una parte dei decori, anche dal nome con cui venivano indicate le piastrelle: laggioni, anche se ai motivi che si possono ricollegare all’arte musulmana e allo stile mudejar della penisola iberica si affiancarono ben presto temi d’ispirazione rinascimentale.
Le due sedi della mostra, Genova e Savona, ospiteranno ciascuna una sezione con un tema ben preciso.
A Genova il filo conduttore del percorso sarà costituito proprio dai rapporti con l’Oriente, testimoniati dal precoce afflusso di piastrelle provenienti dall’Andalusia dell’epoca nasride, dalla zona di Granada (XIV secolo), seguite poi dai numerosissimi azulejos dell’area Sivigliana, cui si affianca ben presto una produzione locale ispirata all’arte mudejar.
A Savona, invece, protagonista sarà la cultura figurativa di stampo occidentale, rappresentata dai quadri in ceramica, un ricco patrimonio di pannelli figurati d’alto livello qualitativo, che comprende una serie d’opere provenienti da collezioni pubbliche e private: dai famosi pannelli savonesi con i Guerrieri, un tempo nel Palazzo Pavesi, alla Madonna con Bambino del 1529, proveniente dal palazzo dei Del Carretto a Finalmarina e da tempo nelle Civiche Raccolte genovesi.
Conversation Pieces:
Community and Communication in Modern Art
by Grant Kester
University of California Press (2004)
Some of the most innovative art of the past decade has been created far outside conventional galleries and museums. In a parking garage in Oakland, California; on a pleasure boat on the Lake of Zurich in Switzerland; at a public market in Chiang Mai, Thailand--artists operating at the intersection of art and cultural activism have been developing new forms of collaboration with diverse audiences and communities. Their projects have addressed such issues as political conflict in Northern Ireland, gang violence on Chicago's West Side, and the problems of sex workers in Switzerland. Provocative, accessible, and engaging, this book, one of the first full-length studies on the topic, situates these socially conscious projects historically, relates them to key issues in contemporary art and art theory, and offers a unique critical framework for understanding them.
Grant Kester discusses a disparate network of artists and collectives--including The Art of Change, Helen and Newton Harrison, Littoral, Suzanne Lacy, Stephen Willats, and WochenKlausur--united by a desire to create new forms of understanding through creative dialogue that crosses boundaries of race, religion, and culture. Kester traces the origins of these works in the conceptual art and feminist performance art of the 1960s and 1970s and draws from the writings of Mikhail Bakhtin, Jürgen Habermas, and others as he explores the ways in which these artists corroborate and challenge many of the key principles of avant-garde art and art theory.
Rudolf Blum
Bibliografia.
Indagine diacronica sul termine e sul concetto
Sylvestre Bonnard 2006
Dire che la traduzione italiana di questo ormai classico studio tedesco colma un vuoto per troppo tempo tollerato, è dire al contempo una frase banale e una verità. Pubblicati nel 1969, i nove capitoli nei quali si articola questo saggio costituiscono infatti una tappa fondamentale della scienza bibliografica. Prendendo le mosse da un'analisi della parola bibliographia, Blum analizza opere quali la Bibliographia parisina di Jacobs e la Bibliographia politica di Naudé, per poi seguire le evoluzioni del concetto stesso e delle sue applicazioni pratiche nel corso del XVIII secolo. E infatti allora che gli studi antiquari - antesignana la Bibliotheca Bigotiana di Marchand - conducono a un differente concetto di storia e descrizione dei libri e delle raccolte librarie. Ottavo e nono capitolo analizzano principalmente la terminologia così come si è venuta formando nelle principali lingue europee dal 1789 agli anni successivi alla Seconda guerra mondiale, delineando una storia della Bibliografia e delle bibliografie ottocentesche e novecentesche.
Alfredo Serrai
Breve storia delle biblioteche in Italia
Sylvestre Bonnard 2006
La storia della biblioteca è storia della costituzione, della organizzazione, e della gestione dell'intero spettro di tutte quelle raccolte di documenti scritti di cui si intende fare un uso culturale, ed è quindi la storia del ventaglio dei rapporti secondo i quali un sistema bibliotecario permette di realizzare l'attingimento delle nozioni, dei concetti, e delle letture che si trovano contenute nelle memorie esogene di una certa civiltà, quali che siano i loro supporti o le tecniche di registrazione e di conservazione. La storia delle biblioteche, invece, è il coacervo di tutte le storie relative ad ogni singolo istituto bibliotecario, descritto e considerato nell'arco che va dalla loro genesi al loro decadimento, e ciò sostanzialmente al di fuori di quei nessi che da una parte lo saldano al quadro bibliografico generale e dall'altra lo legano, in un dato ambiente, con gli altri canali di informazione e di educazione. Mentre la storia della biblioteca abbraccia tutta la fenomenistica bibliotecaria in rapporto con i contesti culturali, le vicende intellettuali, gli scenari editoriali, le problematiche della copertura bibliografica e della mediazione catalografica, e non ultimi i bisogni utenziali, la storia delle biblioteche è il tracciato storico, o se si preferisce la cronaca, di una singola realtà bibliotecaria, e cioè di una o di alcune delle raccolte che, in quanto individui, compongono un dato mondo bibliotecario.
martedì, aprile 24, 2007
PIANOFORTI LETTRISTI
Accademia di Belle Arti Cignaroli - Verona
23 aprile 2007
Pianoforte collettivo
(Gerard-Philippe Broutin - Anne-Catherine Caron - Jean-Pierre Gillard - François Poyet - Roland Sabatier - Alain Satié - Jacques Spacagna)
The Happiness of Objects
Curator Sarina Basta
Sculpture Center
44-19 Purves Street
Long Island City, NY
April 29 – July 29, 2007
Artists: Felipe Arturo, Fia Backström, Andrea Blum, Tom Burr, Valentin Carron, Center for Urban Pedagogy (CUP), Philippe Decrauzat, Sylvie Fleury, Harald Hund & Paul Horn, Craig Kalpakjian, Allan Kaprow, Jutta Koether, Sol LeWitt, John Miller, Olivier Mosset, Nils Norman, Amy O'Neill, Mamiko Otsubo, Ward Shelley (with Pelle Brage, Eva Lacour, Douglas Paulson, Maria Petschnig, Alex Schweder), J. St. Bernard, Haim Steinbach, Lan Tuazon Documents: Wim Delvoye, Robert Indiana & Larry Aldrich, Mel Ramos, Annette Tison & Talus Taylor
The Happiness of Objects embraces W.J.T. Mitchell’s invitation to consider the possibility that objects have their own desires (What do Pictures Want? The Lives and Loves of Images, 2005). While Mitchell focuses on the relationship between the image or object and the viewer, The Happiness of Objects will attempt to capture what objects want from other objects, from the context of their display to potential response to their presence. This necessarily involves a mixture of formal and subjective concerns such as space, light, proximity, hybridization, and life expectancy. Vitrines will display documents that examine pose and objectification, dimensions of scale, and mimesis.
In attempt to crystallize some of the main points of Mitchell’s hypothesis, the exhibition proposes The Object’s Bill of Rights, a non-exhaustive and disputable list. It is also a prelude to considering the object as an autonomous subject within a larger society of objects. At a moment when human rights seem negotiable, The Object’s Bill of Rights is a satirical proposition albeit with a genuine interest in the formal properties and some of the set of relations that art objects engage with.
Cut & Paste
Tessa Payne & Guy Shoham
Wings Projects Art Space
Ch. de la Moraine, 36 - CH-1162 St-Prex
Directed by Victoria Preston
Guest Curator: Lisa Bosse
April 27 - June 24, 2007
For its forthcoming show, Cut & Paste, Wings Projects Art Space has invited Lisa Bosse, an independent curator, working in Berlin and London. Cut & Paste is a dialogue between two contemporary artists, Tessa Payne and Guy Shoham. In a playful manner both approach collage in a completely different way, creating colourful and convincing out of context worlds from their imagination. The exhibition explores the potential given by both traditional and new media in the creation of collage and investigates how, in the age of computer-technology, the original cutting and pasting can still be invigorating. Collage has developed throughout every major art movement since Braque and Picasso. Today, the variety within the media has expanded and digital manipulation has given new dimensions to these processes. Although both artists explore their playful ideas in different media, Payne and Shoham share a humorous approach to their work, which is rich in aesthetic feel a nd imagination.
Tessa Payne’s work combines manual cutting and pasting with photography. She creates layered multi-media images, which are built up from magazines and photo clippings, altered with spray paint and computer techniques and finally mounted on board and sealed with resin. Her artworks have a three-dimensional feel to them, enticing the viewer into an “Alice in Wonderland” world that fascinates with the subtle borders between the collage and the original images.
Guy Shoham imitates collage in painting. He devises decorative objects or porcelain figurines, which are staged in imaginative environments against patterned and colourful wallpaper. The created narrative captures an evident sentimentality, while the naturally broken limbs and cracked surfaces fuel the atmosphere with eeriness. The torn and layered imagery is reminiscent of collage, emphasised by the sharp quality of the paint, which creates a tactile surface.
Franco Fontana - Inediti confronti
Galleria JOYCE & CO.
Vico Del Fieno 13r - 16123 Genova
dal 26 aprile al 12 giugno 2007
La Galleria Joyce & Co. Artecontemporanea in Genova, Vico del Fieno 13 rosso, è lieta di presentare la mostra personale di fotografia di FRANCO FONTANA - INEDITI CONFRONTI. Si tratta di un corpo di opere completamente inedite sul paesaggio naturale italiano (Landscape) e su quello urbano sia americano che italiano (Urban Landscape).
"Franco Fontana può, senza dubbio, essere considerato uno dei più importanti fotografi al mondo soprattutto per una sua semplice ma rara capacità: mostrare l'esistente.
Fiumi di parole, spesso sagge, sono state scritte sul suo lavoro, sottolineando raramente, invece, la straordinaria capacità di muoversi tra realtà e rappresentazione con il semplice gesto di uno scatto. Un attimo, per lui conclusivo, il quale diventa per noi l'inizio di un viaggio quasi metafisico così intimamente sconvolgente da apparire irreale. La sua materializzazione di immagini è frutto di una cortocircuitazione tra cervello e cuore, mente e anima, che si rende immediatamente visibile conducendo il fruitore, nello stesso istante, all'interno di un viaggio onirico di straordinaria intensità. Un viaggio nel presente il quale, prendendo avvio dal silenzio, costringe ad abbandonare ogni azione debole e inutile permettendo di recuperare, dalla profonda sorgente interiore, la purezza primordiale necessaria per sentire il mondo. La perfetta, impareggiabile cromia delle immagini di Franco Fontana colpisce intensamente e permette di recuperare l'essenza interiore più autentica trasformando il vedere nel sentire inconscio. I pensieri travalicano il convulso quotidiano riappropriandosi di quella pace recondita che allontana la quotidiana crisi dell'apparenza. A poco a poco riconosciamo una realtà smarrita imparando a districarci da visioni fallaci e precostruite plasmate con l'intenzione di ingannarci. Finalmente silenziosi, eleviamo la magia della percezione lasciandoci infine catturare dall'intensità di paesaggi che si distendono luminosi sull'opacità del quotidiano.
A noi resta, soltanto, da trovare la capacità per raggiungere il nucleo del più profondo ammutolire e aprire finalmente gli occhi penetrando questi straordinari paesaggi inediti." (Fabrizio Boggiano)
Franco Fontana, nato a Modena nel 1933, fotografa ed espone, a partire dall'inizio degli anni '60, in numerosissimi musei pubblici e gallerie private di tutto il mondo. Le sue opere figurano nelle più importanti collezioni pubbliche e private internazionali di fotografia e di arte contemporanea. Gli sono stati dedicati più di quaranta libri da diversi editori stranieri.
Ha ottenuto prestigiosi riconoscimenti e premi, in Italia e all'estero. Da molti anni collabora con importanti riviste e quotidiani internazionali e firma famose campagne pubblicitarie. Ha collaborato con Ministeri, tenuto numerosi workshop e conferenze, a livello internazionale, invitato da musei ed università.
Massimo Recalcati
IL MIRACOLO DELLA FORMA
Per un’estetica psicoanalitica
Bruno Monadadori 2007
I sacchi e le plastiche di Burri, i muri di Tàpies, gli “ideogrammi” di Kline, le bottiglie di Morandi, le sgocciolature di Pollock realizzano l’opera d’arte come una presenza irriducibile a domande del tipo: “che cosa significa?”, “che cosa vuol dire?”.
Nell’arte il miracolo della forma consiste nel dare vita a una bellezza che non si limiti a coprire quegli aspetti dell’esistenza che Freud definiva ripugnanti, ma che sappia essere un indice enigmatico del reale. Questo libro intende sovvertire una tendenza dominante dell’estetica contemporanea che consiste nell’esaltare l’orrido, il putrido, il disgustoso riducendo la forma a un feticcio ideale che ricoprirebbe il carattere informe e brutto dell’esistenza.
Ripensando in modo originale la lezione di Freud e di Lacan, Massimo Recalcati propone una nuova versione dei rapporti tra la psicoanalisi e il testo dell’arte criticando ogni riduzione patografica dell’opera ai fantasmi personali dell’artista. È questo l’insegnamento maggiore che la psicoanalisi può trarre dalla pratica dell’arte: l’inconscio non è qualcosa che sta sotto al testo e che attende di essere rivelato, ma ciò che ne costituisce il mistero irrisolvibile.
Alessandro Petti
Arcipelaghi e enclave.
Architettura dell'ordinamento spaziale contemporaneo
Bruno Monadadori 2007
Collana "testi e pretesti"
Un avventuroso “viaggio per mare” che, di isola in isola, ci porta alla scoperta di un nuovo ordine spaziale. Dalle meraviglie di Dubai e dei suoi avveniristici ed esclusivi artifici architettonici al doppio regime istituito da Israele nei Territori occupati di Palestina; dall’ipervigilato paradiso turistico di Sharm El-Sheikh ai campi di permanenza temporanea europei; dalle forme di minigoverno separatista delle gated communities nordamericane ai bantustan sudafricani; dalle riserve indiane statunitensi ai sempre più appartati e fortificati vertici dei G8.
In questo appassionante libro, Alessandro Petti traccia un originale e ardito quadro dell’assetto spaziale contemporaneo e delle asimmetrie che governano, spesso silenziosamente, le nostre vite. Smentendo le visioni euforiche che promettono da decenni altri mondi possibili, liberati e interattivi, ma anche i catastrofismi di chi si crede a un passo dalla fine del mondo, della storia, della speranza, Arcipelaghi e enclave tenta di guardare dove di solito ci invitano a non guardare, e stabilisce nessi scomodi e politicamente scorretti.
Un durissimo atto d’accusa nei confronti di quegli architetti e urbanisti complici di un sistema che tende sempre più a isolare, a disgregare e a rimuovere gruppi e individui considerati «pericolosi, diversi, ridondanti».
Arcipelaghi e enclave è un sorprendente tentativo di leggere la dimensione territoriale e politica dell’occupazione israeliana come laboratorio, acceleratore e condizione limite della globalizzazione neoliberale e delle sue ricadute spaziali. Impegnato e penetrante, il lavoro di Petti è un monito deciso, ma anche la dimostrazione del forte potenziale di osservazione della ricerca architettonica.
Eyal Weizman, direttore del Centre for Research Architecture, Goldsmiths University of London
lunedì, aprile 23, 2007
Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art
V edition
Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art
Stanley Place, South Bank - Brisbane
2/12/06 - 27/5/07
The Asia-Pacific Triennial of Contemporary Art (APT) is the Queensland Art Gallery's flagship international contemporary art event. Established in 1993, it is the only major series of exhibitions in the world to focus exclusively on the contemporary art of Asia and the Pacific, including Australia.
The fifth APT (APT5) will be the opening exhibition at the new Gallery of Modern Art (GoMA) - the Queensland Art Gallery's much-anticipated second building, which will be the largest gallery of modern art in Australia. APT5 will also be shown in the original Gallery building, with displays across both sites making the exhibition twice the scale of previous Triennials.
APT5 will include around 270 works by 37 individual artists, filmmakers and performers, as well as two multi-artist projects. Highlights will include numerous commissioned works by artists such as Ai Weiwei (China), Dinh Q Le (Vietnam) and eX de Medici (Australia), as well as the Triennial's strongest representation of Pacific artists to date.
Curated cinema and performance programs will bring a dynamic new dimension to APT5, exploring these media on a scale never before presented by the Triennial.
Krzysztof Pomian
Collezionisti, amatori e curiosi
Parigi-Venezia XVI-XVIII secolo
Casa editrice il Saggiatore
aprile 2007
Collana "La Cultura"
Frutto di una ricerca ventennale, il libro di Krzysztof Pomian ha innovato la storia del collezionismo ed è unanimemente considerato un grande classico.
Per la prima volta la collezione è studiata come fenomeno antropologico nella sua funzione principale di tramite tra il visibile e l'invisibile.
Su questa vocazione si innestano tutte le altre peculiarità e, a partire di qui, la storia delle collezioni diviene autonoma, concentrata sugli oggetti portatori di significati, sulla loro produzione, circolazione e consumo.
Nei diversi saggi, centrati soprattutto su Parigi e il territorio dell'antica Repubblica veneta dal XVI alla fine del XVIII secolo, l'autore integra lo sguardo d'insieme, dagli eventi antichi a oggi, con analisi che entrano nei particolari anche minimi delle collezioni di una regione, di una città, di un individuo.
Tale metodo coinvolge nella ricerca dimensioni parallele geografica, sociale, economica per esplorare a fondo storie diverse eppure convergenti: il comportamento insito nella raccolta degli oggetti e i cambiamenti che intervengono nei contenuti, gli spazi sociali nei quali le collezioni vengono accumulate, il contesto costituito dai manufatti di categorie diverse e dai linguaggi usati per descriverli, la maniera di metterli in mostra, l'atteggiamento via via assunto da chi espone e da chi guarda. Fino al passaggio, fondamentale, dalla raccolta privata al museo pubblico.
All'incrocio di più direttrici, la storia del collezionismo diviene così inscindibile da quella dell'arte, delle scienze, dell'economia e della società, configurandosi quale percorso privilegiato della storia culturale nella sua interezza.
Krzysztof Pomian, nato a Varsavia nel 1934, vive a Parigi dal 1973. Filosofo e storico, è autore di numerose opere pubblicate anche in Italia, tra cui L'ordine del tempo (Torino 1992) e Che cos'è la storia (Milano 2001). Per il Saggiatore ha pubblicato L'Europa e le sue nazioni (1990), Dalle sacre reliquie all'arte moderna. Venezia-Chicago, dal XIII al XX secolo (2004) e, come curatore, Sul determinismo: la filosofia della scienza oggi (1991).
Collettivo A/traverso
ALICE È IL DIAVOLO.
Storia di una radio sovversiva
a cura di Bifo e Gomma
SHAKE Edizioni 2007
La vera storia della "radio libera" che cambiò il volto della comunicazione via etere, non solo in Italia. L'avventura di un collettivo di veri e propri hacker, pirati della tecnologia e del linguaggio, innovatori della cultura underground, dadaisti, demenziali e libertari, anima del Movimento del Settantasette a Bologna, che pagarono con il carcere le loro imprese. Alice il nome di questa radio. Ma chi era Alice? "Alice era il diavolo, l'assalto totale allo stato dell'oppressione, il nostro sorriso, il nostro corpo sempre più libero, capace di amare."
Documenti, volantini, sbobinature di trasmissioni e un cd con le registrazioni - sotto sequestro per più di vent'anni - con le parole e la musica di Radio Alice.
Dalle prove di trasmissione fino ai giorni della gigantesca e violentissima rivolta del marzo 1977, una rivolta molto simile a quella recente di Genova, quando tutta Bologna scese in strada e i carri armati di Cossiga invasero la città.
Alessandro Amaducci
Anno Zero
Il cinema nell'era digitale
Lindau 2007
Collana "Saggi"
Amaducci non parla di un cinema di effetti speciali, ma di come le tecnologie elettroniche e digitali siano entrate nell’intero processo produttivo di un film. Da Fino alla fine del mondo di Wim Wenders a Dancer in the Dark di Lars Von Trier ma soprattutto a L’ultima tempesta di Peter Greenaway, il saggio analizza l’utilizzo dell’elettronica (HDTV) al cinema. Per poi passare, da L’arca russa di Sokurov a Collateral di Michael Mann, ai film realizzati – dunque girati, montati e postprodotti – in digitale (HD)
G.A. Ponassi - E. Sanguineti
QUESTA CITTA' A QUEST'ORA
ERGA 2006
La “fotografia di strada” è quella fotografia presa dal vivo, nello svolgimento quotidiano della vita...la Genova di Aldo Ponassi è una città non completamente svelata: nella loro sequenza le immagini raccontano molto, ma non tutto; lasciano spazio e tempo alla riflessione individuale... le poesie inedite “decafoto” di Edoardo Sanguineti ne rappresentano una soggettiva interpretazione.
G. Aldo PONASSI nasce nel 1933 a Genova, dove tuttora vive. Medico docente universitario presso la Facoltà di Medicina e Chirurgia dell’ Università di Genova. E’ stato per due legislature (1975-1985) consigliere regionale per la Regione Liguria. Fotografa dal 1988, dedicandosi esclusivamente alla fotografia umanistica.
Edoardo SANGUINETI ha insegnato Letteratura Italiana nelle Università di Torino, Salerno e Genova fino al 2000. È stato consigliere comunale a Genova (1976) e deputato al Parlamento (1979-1983). Autore di saggi e poesie, tradotti in vari Paesi del mondo, ha vinto numerosi premi letterari, fra cui nel 2003 il Campiello alla carriera. Le sue poesie sono ora raccolte nei Volumi segnalibro (1982) e Il gatto lupesco (2002) editi da Feltrinelli.
domenica, aprile 22, 2007
ASGER JORN IN ITALY
Works in ceramics, bronze and marble 1954-1972.
Silkeborg Kunstmuseum
Gudenåvej 7-9, DK 8600 Silkeborg, Denmark
February 17 - April 19, 2007
Asger Jorn enjoys an international reputation as one of the 20th century's great painters, but it is lesser known that he also created sculptures from the very beginning of his career, though only sporadically and exclusively in ceramics until his last active year: In 1972 he made 23 bronzes an eight marble sculptures.
Silkeborg Museum of Art now presents the first large-scale exhibition of Jorn's three-dimensional works. The nearly 60 works borrowed from collections in Italy, Germany, France, Belgium, the UK and Denmark give the audience a unique opportunity to experience Asger Jorn's versatile and experimental approach to sculpture.
The exhibition has been arranged in cooperation with an expert on Asger Jorn's sculpture, the German art historian, resident in Rome, Dr Ursula Lehmann-Brockhaus, who has made the selection of works for the exhibition. Her book: Asger Jorn i Italien. Værker i keramik, bronze og marmor 1954 - 1972 (Asger Jorn in Italy. Works in ceramics, bronze and marble 1954 - 1972) with texts in Danish and German is published in connection with the exhibition. The book is the result of many years' research on the subject and has been prepared in cooperation with Silkeborg Museum of Art.
After Silkeborg Museum of Art, the exhibition travels to Museum Villa Stuck in Munich and to Kunsthalle in Emden.
Octavio Zaya
CANDICE BREITZ
Charta 2007
Collana "Arte contemporanea"
Candice Breitz ha indagato, tradotto, rimescolato e redatto i codici e le icone della cultura contemporanea dei media e del linguaggio dello spettacolo. Ha esplorato l'instabilità dell'identità e della violenza della rappresentazione. Le affascinanti installazioni video, scaturite dalle prime opere fotografiche e che hanno assunto un ruolo centrale nella sua pratica, tendono a spogliare e interrogare i filmati presi in prestito da cinema, televisione e video clip tradizionali. Breitz isola e dirige con impeto rinnovato questi filmati togliendo loro le funzioni narrative ed estetiche che li caratterizzano. Le opere che ne derivano percorrono un terreno familiare e tuttavia misterioso e frammentario, togliendo grammatica e sintassi dal materiale preso a prestito. Da una parte, i mediorama di Breitz espongono il macchinario e prendono in giro i valori della tradizionale industria dei media. Dall'altra parte, riflettono sul reale affetto che la cultura pop è in grado di generare e sostenere, proiezioni e identificazioni più complesse di quanto possono sembrare a prima vista. Candice Breitz è una delle figure artistiche centrali per affrontare gli accidentati abissi tra la cultura e il consumismo, l'esperienza e il linguaggio.
Bruno Cartosio
WOBBLY!
L’Industrial Workers of the World e il suo tempo
SHAKE Edizioni 2007
Gli wobblies – come erano chiamati i militanti dell’Industrial Workers of the World – furono i veri ribelli dei primi vent’anni del Novecento negli Stati Uniti. Erano portatori di un’idea di democrazia libertaria, internazionalista, rivoluzionaria. Nell’America della grande immigrazione il loro internazionalismo si traduceva in una inclusività senza steccati: uomini e donne di ogni colore, lingua, cultura e provenienza nazionale erano accolti nelle loro file. L’IWW era un’organizzazione sindacale, che si rivolgeva soprattutto a quei lavoratori dequalificati, i cui posti di lavoro erano più instabili, la cui precarietà occupazionale assomiglia per molti versi a quella dei precari di oggi.
Ma era più di un sindacato. Nel loro sfidare i pregiudizi e le convenzioni, le leggi oppressive nei posti di lavoro e il conformismo nella società, gli wobblies erano anche portatori di un modello di vita. Che si manifestava nelle canzoni satiriche e di lotta, qualche volta umoristiche e leggere ma più spesso graffianti del più famoso dei loro cantori itineranti, Joe Hill.
Dopo anni di silenzio intorno all’IWW, questo libro riprende gli aspetti fondamentali della loro vicenda, contestualizzandola negli Stati Uniti del primo Novecento non solo attraverso i saggi degli specialisti – Bruno Cartosio, Alan Dawley, Ferdinando Fasce, Linda Nochlin, Dean Nolan e Fred Thompson, Alessandro Portelli – ma anche con le immagini della loro propaganda, con i testi e le musiche delle loro canzoni e con i documenti di fondazione.
“Il padrone non ti guarda mai in faccia, non ti guarda mai negli occhi. Non gliene importa niente dei tuoi sentimenti, né della tua situazione, delle tue angosce, dei tuoi dispiaceri…”
William “Big Bill” Haywood, discorso alla fondazione dell’IWW.
Con saggi di Bruno Cartosio, Alan Dawley, Ferdinando Fasce, Linda Nochlin, Dean Nolan e Fred Thompson, Alessandro Portelli.
In appendice il Manifesto dell'IWW e le canzoni di Joe Hill, il più famoso dei loro cantanti itineranti. Con decine di immagini.
Bruno Cartosio insegna storia dell’America del Nord all’Università di Bergamo. Si occupa da anni di storia sociale e culturale degli Stati Uniti, ed è autore di numerose pubblicazioni. Dirige, con Alessandro Portelli e Giorgio Mariani, “Ácoma. Rivista Internazionale di Studi Nordamericani”. Tra i suoi volumi: Lavoratori negli Stati Uniti. Storia e culture politiche dalla schiavitù all’IWW (Arcipelago 1989); Anni inquieti. Società media ideologie negli Stati Uniti da Truman a Kennedy (Ed. Riuniti 1992); L’autunno degli Stati Uniti (ShaKe 1998); Da New York a Santa Fe. Terra, culture native, artisti e scrittori nel Sudovest, 1846-1930 (Giunti 1999); Gli Stati Uniti contemporanei, 1865-2002 (Giunti 2002); Più temuti che amati. Gli Stati Uniti nel nuovo secolo (ShaKe 2005) e New York e il moderno. Società, arte e architettura nella metropoli americana, 1876-1917 (Feltrinelli 2007).
Aldo Grasso
Buona maestra
Mondadori 2007
Collana "Strade blu"
Da "Doctor House" a "Lost", da "Sex and the City" a "Desperate Housewives", le grandi serie televisive americane hanno invaso le nostre reti e il nostro immaginario. Con un saggio controverso e provocatorio, Aldo Grasso, il più famoso e ascoltato critico televisivo del nostro paese, traccia una breve storia di un genere di intrattenimento che spesso diventa una forma d'arte. E ci dimostra, contro ogni luogo comune e ogni pregiudizio sugli spettacoli televisivi, come queste serie abbiano assunto il ruolo di nuovi "feuilletons" della contemporaneità, di grandi narrazioni pubbliche, diventando spesso importanti come e forse più della letteratura.
FESTIVAL DELLA MAIOLICA 2007
Albissola Marina - Albisola Superiore
dal 21 al 26 Aprile 2007
Calendario delle Mostre
Mostra “Manifatture Angeliche. L’Art Nouveau europeo nella ceramica per l’architettura”
Museo “Manlio Trucco” - Albisola Superiore
22 aprile - 24 giugno 2007
esposizione di piastrelle Art Nouveau industriali provenienti da collezioni private.
Mostra "Modernisme et Art Déco"
Villa Faraggiana - Albissola Marina
21 - 26 aprile 2007
Mostra dell’Associazione francese Città della Ceramica (AfCC) di trenta esemplari Art Déco provenienti da musei francesi. La mostra è ospitata nelle sale di Villa Faraggiana, con visita al parco dal maestoso giardino in stile italiano del Novecento.
Esposizione pannelli partecipanti al concorso
“Laggioni per il XXI secolo. Rivestimenti parietali in ceramica/maiolica”
Sala Fabbri “Fondazione Mosaico Liguria” - Albisola Superiore
21 - 26 aprile 2007
Esposizione dei pannelli in ceramica ralizzati da artisti e artigiani ceramisti sul tema dei laggioni partecipanti all’omonimo concorso. Inaugurazione ore 11.00.
Mostra “ La Galleria Del Sole”
Museo Civico di Arte contemporanea – Albissola Marina
21 aprile - 5 maggio 2007
Esposizione collettiva di piatti in ceramica di grandi dimensioni eseguiti nelle botteghe di Albissola da 68 Artisti
Mostra “ I LAM”
Casa Jorn – Albissola Marina
22 Aprile – 3 giugno 2007
Esposizione di olii e disegni di Wilfredo LAM insieme a una collezione di maschere africane ed opere ceramiche del popolo Bambara.
Mostra “ART & slow FOOD”
Museo Civico di Arte contemporanea – sala B - Albissola Marina
21 Aprile – 1 Maggio 2007
Mostra fotografica sulla tematica del “Cibo Sostenibile” integrando il materiale fotografico della mostra “Terra Madre” con l’intervento e la presentazione di opere da parte di numerosi artisti. Un percorso di fotografi nel mondo alla ricerca del fascino dei “presidi” slow food.
sabato, aprile 21, 2007
The Art World is Flat: Globalism--
Crisis and Opportunity
April 26-28, 2007
Pritzker Pavilion, Millennium Park, Chicago
http://www.symposiumc6.org
Symposium C6 will explore how the forces of globalism are challenging traditional cultural hierarchies, redistributing capital, creating powerful collaborations, and generating new hybrid cultural practices. It will feature keynotes, presentations, panel discussions, and performances by an international group of innovative and socially engaged artists, entrepreneurs, technologists, writers, designers, curators, patrons, and collectors.
Conference highlights include a keynote by Peter Sellars, world-renowned theatre director and professor of World Arts and Culture at U.C.L.A., a private screening of Lynn Hershman Leeson’s new film Strange Culture, and a very special closing performance by award-winning playwright, actress and MacArthur Foundation fellow Anna Deavere Smith.
“Unlike any other gathering in the art world, Symposium C6 is bringing together people not just from the arts, but from a variety of disciplines and practices who can generate new ideas, collaborations and solutions to the challenges we face”, according to Lynne Sowder, conference organizer with Victoria Burns of Burns Sowder Arts Advisory. “We hope this gathering helps create new connections between participants and attendees and points the way toward new, vital, engaged cultural practices.”
The three-day conference will feature over 30 speakers working across various disciplines. Topics and speakers will include:
New Capital(s), looks at new models of cultural activism, production and distribution with presenters including:
Stanley Hainsworth, Vice-President Global Creative for Starbucks Coffee Company; Rick Lowe, artist and founder of Project Row Houses; Anne Pasternak, president and artistic director of the cultural production agency Creative Time; and Ruby Lerner, director of Creative Capital, an arts foundation modeled on venture capital concepts.
No Borders Here? explores the relationships between cultural practice and international nomadism, ubiquitous technology and new political alliances, with presenters including:
Artist, pilot, and award winning film maker Simone Aaberg Kærn; artist, engineer, former Director of the Experimental Product Design Initiative at Yale University Natalie Jeremijenko; designer Stephen Burks, whose is presently collaborating with crafts people in the developing world for Artecnica’s Aids to Artisans initiative; and Lu Jie, whose Long March Project is designed to “interrogate Chinese visual culture and revolutionary memory.”
Green World, examines how cultural practices are shaping and responding to a global ecological crisis, with artists, architects and designers including:
David Buckland, artist and creator of the Cape Farewell climate change project; Ed Gillespie, Creative Director and Co-Founder of Futerra, a consultancy developing creative communications for sustainability; Bruce Mau, visionary designer whose recent Massive Change project positions design as “one of the world’s most powerful forces…in a period were all economies and ecologies are becoming global, relational and interconnected”; and artist and designer Lucy Orta whose Fluid Architecture and Refugee Wear blur the boundaries separating art, fashion and architecture.
Symposium C6 was conceived and developed by Lynne Sowder and Victoria Burns of Burns Sowder Arts Advisory in collaboration with independent curator and critic Bruce Ferguson, and is produced by Merchandise Mart Properties, Inc.
FARE CULTURA A GENOVA
Nei giorni scorsi si è svolta a Palazzo Ducale una interessante “duegiorni” di dibattito sul tema “Fare cultura a Genova”. L’iniziativa era organizzata da Luca Borzani e doveva anche funzionare come una sorta di bilancio dell’esperienza dello stesso nell’ufficio di Assessore alla Cultura.
Parlare di Cultura “in generale” è sempre abbastanza arduo, parlarne con riferimento a Genova è impresa che ha del temerario. In realtà se fossimo obbligati a dare una definizione del termine non potremmo che chiedere aiuto all’antropologia che ne dà sempre la definizione più soddisfacente. Secondo Ulf Hannerz, ad esempio, “la cultura è ’insieme dei significati elaborati dagli esseri umani che in quanto condivisi trasformano a loro volta gli individui in membri di una società”.
Cosi concepita la cultura viene socialmente organizzata tanto da grandi istituzioni centralizzate, come la scuola e i media, quanto in modo diffuso in subculture e pratiche della vita quotidiana, Insomma la Cultura è lì, a Genova come a HongKong, e non è detto che a “farla” sia più il grande scienziato che lo sciamano, più il parroco che Raffaella Carrà.
Naturalmente l’incontro aveva obiettivi più limitati trattando di cultura nell’accezione più praticata ovvero, biblioteche, musei, mostre, concerti, libri e via discorrendo. Un ambito in cui la città di Genova,almeno negli ultimi due secoli, ha storicamente svolto un ruolo periferico, essendo impegnata in altre culture, la cultura industriale, portuale, commerciale. Del capitale e del lavoro, insomma. Salvo costruirsi nicchie dove arte, musica, letteratura e teatro partorivano promettenti neonati che poi sarebbero cresciuti altrove.
Nell’occasione Borzani si è fatto portatore della sua “filosofia” (che qualcuno ha definito, con una punta di malizia, il “borzanismo”), che poteva assomigliare tanto a un bilancio quanto ad un programma (in vista di nuovi incarichi?) e che ruota intorno ad alcune parole chiave: città multicentrica, identità e inclusione, creatività giovanile, contemporaneità, rete.
Quest’ultima idea è forse quella che ha le maggiori ricadute politiche. L’idea di lavorare “in rete”, ovvero mettendo a frutto per gli stessi obiettivi risorse diverse (istituzioni, associazionismo, sponsor), va infatti contro il più tradizionale dei vizi/vezzi genovesi: il veto incrociato. Il dibattito a moltissime voci, ha messo in luce una fervida volontà di “fare sistema” (ma probabilmente chi non era abbastanza “fervido” non è stato invitato), ma ha evidenziato i molti problemi. In primo luogo le difficoltà di comunicazione, non soltanto verso l’esterno (la Regione, l’Italia, il Mondo, la Galassia), ma anche all’interno (che l’ufficio A settore B non sappia cosa fa l’ufficio B settore A) e poi il nodo dei finanziamenti che tutti hanno dato per scontato in calo. Dimostrando grande senso della realtà ma scarsa fiducia nel governo Prodi e nelle sue promesse.
Giuliano Galletta
Il Secolo XIX - 13/4/2007
Georges Didi-Hubermann, Michel Menu,
Pascal Neveux et Pantixka de Pape
SARKIS, AU COMMENCEMENT LE TOUCHER
Archibooks + sautereau editeur 2006
A l’invitation du Frac Alsace, sarkis a investi la salle d’exposition du Frac, la Chapelle saint Quirin à Sélestat ainsi que le Musée Unterlinden de Colmar.
Cet ambitieux projet vise à mettre en place, pour la première fois, un véritable parcours autour du point névralgique que constitue le retable d’Issenheim (Mathias Grünewald, 1512-1516), dans son œuvre.
Depuis plus de 35 ans, Sarkis élabore une œuvre importante dont la dimension poétique et la pertinence lui permettent de jouir d'une reconnaissance internationale.
Ses productions, d’un profond humanisme, sont des mises en scène composées d'objets, sculptures, aquarelles, photographies, films créés par l'artiste qui se nourrissent de références à l’histoire, la philosophie, les religions, les arts ou la géopolitique. Elles tentent en permanence de bâtir un pont entre les œuvres du passé et le monde contemporain.
Son travail est un cheminement où le monde est ressenti comme un tout, riche et chaotique, où chaque intervention est pensée pour l’architecture et pour la mémoire du lieu qui l’accueille et confère aux lieux investis un nouveau souffle de vie.
Le livre se décline en 4 cahiers, un cahier de textes imprimés en noir et blanc sur papier gris et 3 cahiers couleurs pour les trois interventions.
Luigi Zangheri, Brunella Lorenzi,
Nausikaa Mandana Rahmati
IL GIARDINO ISLAMICO
Olschki 2006
Collana "Giardini e paesaggio"
Un tema affascinante quanto difficile, risolto sia attraverso la documentazione ottenuta con visite mirate nei più lontani paesi, sia con la rilettura dei resoconti nei quali i viaggiatori del passato hanno illustrato le suggestioni e l'originalità di giardini che non avevano pari in Occidente. A questi giardini si deve la diffusione in Europa di numerose specie vegetali che vanno dal limone all'arancio, dal tulipano al gelsomino.
Il volume costituisce la prima monografia sul giardino islamico di un autore italiano. Un tema affascinante quanto difficile risolto sia attraverso la documentazione ottenuta con visite mirate nei più lontani paesi, che con la rilettura dei resoconti dovuti ai viaggiatori del passato, e illustranti le suggestioni e l'originalità di giardini che non avevano pari in Occidente. Giardini appartenenti a un universo vastissimo che andava dalla Spagna all'India, passando per l'Africa del Nord, la Siria, l'Uzbekistan, e il Pakistan, e che trovavano una matrice comune nelle forme del persiano cahârbâgh, il giardino quadripartito attraversato da canali e recinto da mura che evocava il paradiso mussulmano. Solo nella Turchia ottomana si lasciò spazio a soluzioni più paesaggistiche che anticiparono quelle del giardino all'inglese. A questi giardini dobbiamo la diffusione in Europa di numerose specie vegetali che vanno dal limone all'arancio, dal tulipano al gelsomino. Accompagnano il testo iniziale un'antologia di antichi documenti con le pagine sui giardini della Sicilia islamica dovute a Brunella Lorenzi, e quelle sulla diffusione e fortuna del giardino persiano redatte da Nausikaa Mandana Rahmati con un abaco alfabetico dei giardini islamici e un glossario delle dinastie che regnarono nei paesi musulmani.
venerdì, aprile 20, 2007
VENERDI' 20 APRILE H. 18
Libreria Feltrinelli
Via XX Settembre 231/233 rr. - Genova
Presentazione del libro
"Il Cielo Interiore.
L'esperienza del Teatro delle Nuvole"
a cura di Marco Romei e Franca Fioravanti
Titivillus 2007
Collana "Altre visioni"
Saggi per una nuova idea degli studi sullo spettacolo.
Partecipano:
Eugenio Buonaccorsi, Franca Fioravanti, Marco Romei, Roberto Trovato, Silvana Zanovello
Il libro contierne intrerventi critici di:
- Daniele Seragnoli, docente di Storia del Teatro all'Università di Ferrara
- Francesca Mariani, storica dell'arte
- Roberto Trovato, docente di Drammaturgia all'Università di Genova
e le testimonianze di artisti, collaboratori, poeti e musicisti.
"Il Cielo interiore è il resoconto di tredici anni di lavoro, ma è anche il racconto a più voci di un percorso teatrale edificato con la sostanza di cui sono fatti i sogni, che vive nella memoria di quanti ci hanno accompagnato in questo viaggio, ed è costellato da incontri, creazioni, suoni, immagini, utopie ..."
ELECTA KOENIG
International Art and Architecture Books
Piazza Duomo 1 - Milano
Milano 19 aprile 2007. E’ stata inaugurata alle 12.30 la libreria d’arte che mancava a Milano. A celebrare l’evento è intervenuto il modo dell’arte e dell’editoria meneghina insieme all’Assessore alla Cultura Vittorio Sgarbi, uno tra i primi clienti del negozio.
300 metri quadri affacciati sulla piazza, un chilometro di ripiani, alte librerie di legno stipate di libri come una grande biblioteca.
All’ultimo piano di un antico palazzo a piazza Duomo, per la prima volta in Italia il sogno di un luogo dove trovare tutta l’arte del mondo: tutti gli editori nazionali e i più importanti editori internazionali, le 50 riviste più importanti e all’avanguardia come anche i cataloghi della grandi mostre internazionali arrivati solo dopo pochi giorni dall’inaugurazione.
Nel Palazzo progettato dal Mengoni nel 1863, chiamato dei Portici meridionali, completamente rinnovato nei cinque piani per il nuovo Multicenter che la Mondadori ha destinato alla cultura, Electa, apre la sua prima libreria pubblica in società con Walther Koenig, il più importante libraio/editore tedesco inventore delle rinomate librerie museali della Germania.
Si tratta della prima libreria veramente specializzata in libri d’arte, di architettura, di design, di fotografia, moda, pubblicità, arti decorative,un ampio assortimento aggiornato e internazionale, libri rari, libri d’artista e remainders "di qualità" .
Merchandising d’autore e una ristretta scelta di video d’artista. Con ampie vetrate affacciate sul Duomo, una splendida sala lettura arricchita da vetrine contenenti libri d’artista, e una sala conferenze con una capienza fino a 150 persone, nella quale si terranno quotidiani incontri con autori e presentazioni di eventi culturali.
GILLO DORFLES
Lacerti della memoria.
Taccuini intermittenti
Editrice Compositori 2007
Collana "Quadrifogli"
Gillo Dorfles ha attraversato tutta la cultura del Novecento come protagonista, ma anche come osservatore acuto e originale: dagli anni Trenta ad oggi ha dialogato a tu per tu con i protagonisti dell’arte e della cultura, da Saba a Toscanini, da Rothko a Gombrich, da Lloyd Wright a Henry Kissinger. Il mondo è il suo palcoscenico; i diari di viaggio, vere e proprie istantanee di persone e di luoghi, rappresentano un documento straordinario, unico per la sua autenticità e per la sua contemporaneità. Questi taccuini raccolgono impressioni che sono anche idee e anticipazioni di fenomeni culturali e politico-sociali che solo ora siamo in grado di comprendere. Un affresco assolutamente inedito che spazia dall’Europa alle Americhe in un arco di tempo che va dagli anni Trenta agli anni Settanta.
Nasce con questo volume la collana Quadrifogli, una collana per conoscere e documentarsi su vari argomenti. Piccoli, agili volumi di facile lettura, rigorosi nei contenuti, scritti da autori di grande successo e notorietà per un pubblico colto, ma non specialistico.
Expressionism from the Mountains
Kirchner, Bauknecht, Wiegers and the Group “Rot-Blau”
Curator: Samuel Vitali
Kunstmuseum Bern
Hodlerstrasse 8-12 - 3000 Bern 7
April 27, 2007 – August 19, 2007
With over 160 works – paintings, wood sculptures and works on paper - the exhibition Expressionism from the Mountains demonstrates the intense artistic and human exchange that took place between Ernst Ludwig Kirchner and a succession of younger artists during the 1920s. Approximately 55 works by Kirchner are juxtaposed with works by Philipp Bauknecht, Jan Wiegers, Albert Müller, Hermann Scherer and Paul Camenisch.
Kirchner, Bauknecht and Wiegers
Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) came to Davos in 1917 for reasons of health and began to apply the expressionism he had developed in Dresden and Berlin to the depiction of the life and landscape of the Bündner mountains. In 1920, he made friends with the German Philipp Bauknecht (1884-1933), a tuberculosis patient who had been living in Davos since 1910 and who had found his way to an individual expressionistic style of painting using strong colours. In addition to their related styles, the artists were bound by a common desire to immortalise in monumental form the Alpine landscape and the life of the mountain farmers.
The Dutchman Jan Wiegers (1893-1959) also came to Davos from Groningen with a lung complaint in 1920 and became friends with Kirchner. He adapted the latter’s techniques and stylistic elements and after his return home in 1921, conveyed the basics of the Kirchner style of expressionism to his friends in the artist group “De Ploeg”. In several journeys to Davos in 1925 and 1926, Wiegers renewed the artistic dialogue with Kirchner and maintained friendly relations with him until Kirchner’s death.
Kirchner and the Group “Rot-Blau”
In June 1923, on the occasion of his exhibition in the Kunsthalle Basel, Kirchner met the young artists from Basel Hermann Scherer (1893-1927) and Albert Müller (1897-1926). They subsequently often came to see him in Davos for extended working visits. In the interchange with Kirchner’s art, Scherer and Müller found their way to their own congenial visual language. On New Year’s Eve in 1924-25, together with Paul Camenisch (1893-1970), they founded the artist group “Rot-Blau”, which, in its short but turbulent history, was to make the most important contribution to Swiss Expressionism. The collaboration of Kirchner with the young artists from Basel was fruitful for both parties. With Kirchner’s encouragement, for instance, Scherer, a stonemason by profession, created an impressive series of wood sculptures. Conversely, Kirchner felt stimulated by Scherer’s competition to increase his own sculptural activity. However, the early deaths of Müller and Scherer put an untimely end t o the friendship with Kirchner.
Mountain landscapes, Nudes and Portraits of Artists
By grouping the exhibits according to subject, the analogies and also the differences in the works of the six artists, who often worked side by side on the same motifs, are demonstrated. In addition to the landscape around Davos and the life of the mountain farmers, the nude was a central theme, particularly the depiction of nudes moving freely in the landscape of woods and streams around Kirchner’s house. The artists also portrayed themselves and each other in numerous self-portraits, single and group portraits that are still witness to their personal attachment. A further subject field is the landscape of the Mendrisiotto, where the “Rot-Blau” artists met regularly.
Catalogue:
Expressionismus aus den Bergen / Expressionism from the Mountains
Edited by Beat Stutzer, Han Steenbruggen, Samuel Vitali und Matthias Frehner. Texts by Kathleen bühler, Matthias frehner, Wolfgang Henze, Roland Scotti, Peter Suter, Beat Stutzer, Samuel Vitali and Georg Schmidt.
Anna Martin
Il Silenzio
Violabox Art Gallery
Via Trebisonda 56 canc - 16129 Genova
dal 26 aprile al 26 maggio 2007
Anna Martin espone donne dai caratteri profondi, piene e sagge, personaggi consapevoli, silenziosi, pronti ad offrirci il loro ascolto, pronti ad accogliere i nostri più profondi segreti.
Ma il viaggio nella creatività dell'artista non si ferma e propone un percorso attraverso le diverse connotazioni del silenzio, in cui la ricerca della quiete può involgere in chiusura, e allora, i suoi pezzi ci raccontano un disagio, ci mostrano l'altra faccia della medaglia, la difficoltà di raccontarsi all'altro.
Il silenzio diventa un'abitudine, un limite che imprigiona dentro la monade di un Io turgido, inespressivo, muto e desideroso di consensi che non riesce a riscuotere. La triade composta dalle sculture "In ombra", "Dietro un vetro" e "Muta come un pesce" ci osservano chiuse nelle loro scatole esprimendo a perfezione il disagio descritto.
L'ultimo silenzio parlante, proposto dall'artista è il sogno: una dimensione in cui l'inespresso irrompe attraverso i simboli e ci comunica quello che non siamo capaci di verbalizzare, ma che la dimensione onirica esprime in tutta la sua potenza.
Martin la descrive come una transizione, un passaggio grazie al quale l'Io si libera delle costrizioni, dalle sovrastrutture e si culla nelle sue fantasie, come mostrano le sculture "Sospese" e "Fuga dall'urbano".
-- Annalisa Valiakas
Anna Martin nasce a Genova nel 1978.
Si diploma al liceo artistico Paul Klee nel 1997. Dal 1998 si dedica alla scultura in ceramica, ricercando principalmente nel figurativo femminile una forma espressiva in grado di comunicare un senso di armonia e serenità.
Walter Morgenthaler
Arte e follia in Adolf Wolffi
Alet 2007
Collana "Diorami"
Adolf Wölfli, internato nel manicomio di Waldau nel 1895 come schizofrenico e criminale, nel 1907 incontrò Walter Morgenthaler, lo psichiatra che lo ebbe in cura e che, per primo, si accorse delle stupefacenti qualità artistiche di questo contadino svizzero che sembrava incapace di comunicare con il mondo. Oggi, l’opera di Wölfli viene considerata una delle principali esperienze artistiche del Novecento e alla base del movimento dell’Art brut. Pittore, illustratore, compositore e scrittore, Adolf Wölfli sfugge a semplici classificazioni e si colloca tra quei personaggi incredibili e misteriosi di cui è costellata la storia dell’arte. Nel 1921 Morgenthaler scrive un libro sul percorso clinico e artistico di Wölfli che diventerà uno dei capisaldi della letteratura medica dedicata al rapporto tra arte e follia. Un testo fondamentale per scoprire Adolf Wölfli e un prezioso documento per capire quale sotterraneo legame avvicina la malattia mentale alla creazione artistica.
Walter Morgenthaler (1882-1965), psichiatra svizzero la cui fama è indissolubilmente legata a questo libro e al suo pionieristico lavoro sull'opera di Adolf Wölfli.
giovedì, aprile 19, 2007
LA OBRA VIDEO DE FRED FOREST
Institut Cervantes
7, rue Quentin Bauchart
75008 PARIS (metro George V)
25-26-27 avril 2007
Les Videos historiques de Fred Forest, presentées pour la premiere fois en France
à l'Institut Cervantes de Paris, à l'initiative de son Directeur, le philosophe de l'art Jose Jimenez, avec la collaboration de L'INA (Institut National de l'Audiovisuel)
> Mercredi 25 avril, vernissage et presentation, avec coupe de vin espagnol de 18h00- 20h30
> Jeudi 26 avril 14h00-18-00 diffusion des oeuvres
> Vendredi 27 avril, journee d'etude sur Fred Forest pionnier de l'art video
14hOO à 20h30 avec les participations de :
- Laura Baigorri, Universite de Barcelone, specialiste de l'art technologique, critique d'art
- Annick Bureaud critique d'art, Directrice de Leonardo/Olats
- Christiane Germain, journaliste
- Louis-José Lestocart, universitaire, specialiste du cinema et de l'art video, critique ArtPress
Pionnier de l'art vidéo et de l'art sur Internet, anticonformiste, createur a l'ecart du marche, Fred Forest est une des personnalites les plus eminentes du panorama artistique actuel. Ces succes recents au Bresil, en Argentine, au Canada, aux Etats Unis, en sont autant de temoignages edifiants. Createur depuis 1968 des dispositifs interactifs, tirant partie de l'informatique et de la video il a progressivement integre à son travail tout type de support de communication : la presse, le telephone, le fax, la radio,le câble, la TV, les journaux lumineux à diodes électroniques, les reseaux télématiques ou l'Internet, toujours dans une perspective de la confrontation du travail artistique avec les structures de la communication. Comme l'a releve le grand theoricien, Fred Forest n'a jamais fait de la video comme on fait du cinema; ce qu'il a fait est t'introduire ce nouveau support dans le champ de l'art comme un instrument epistemologique de reflexion et d'action.
Gabriel Pomerand
Saint Ghetto of the Loans
Ugly Duckling Press 2006
Lost Literature Series
Saint Ghetto of the Loans reissues a legendary but little seen masterpiece of French book art from 1950, by the Lettrist Gabriel Pomerand. The prose poem text appears in segments on left-hand pages (bilingually, in this edition), and its French words and syllables are represented visually by dazzling pictographs—rebuses—on pages facing.
Michael Kasper is the author of several books including The Shapes and Spacing of Letters, All Cotton Briefs, and Plans for the Night and has translated work by Felix Feneon and Louis Scutenaire. He is a Reference Librarian & the Collection Development Group Coordinator at Amherst College's Frost Library
0 TO 9:
The Complete Magazine 1967-1969
Vito Acconci & Bernadette Mayer, editors
Ugly Ducking Press 2006
Lost Literature Series
From 1967 to 1969, Vito Acconci & Bernadette Mayer collected the works of the some of the most exciting artists and writers for their mimeographed magazine, 0 TO 9. Robert Barry, Ted Berrigan, Clark Coolidge, John Giorno, Dan Graham, Michael Heizer, Kenneth Koch, Sol LeWitt, Jackson Mac Low, Harry Mathews, Adrian Piper, Bern Porter, Yvonne Rainer, Jerome Rothenberg, Aram Saroyan, Robert Smithson, Alan Sondheim, Hannah Weiner, and Emmett Williams, among others, were contributors.
The re-printing of Vito Acconci and Bernadette Mayer's iconic magazine 0 TO 9 is perfectly timed. At a moment when the impact of the 1960s has reached new heights, an important strand of that radical re-definition of art is visible again. Acconci and Mayer wanted the magazine to be experienced as object. The page becomes a 'field' which the viewer can experience both visually and conceptually. The conceptual intentions of drawings and diagrams by Sol LeWitt, Steve Paxton, Michael Heizer and Robert Smithson, and texts by Yvonne Rainer, Dan Graham, Jackson Maclow, Adrian Piper, amongst others, are thrown into sharp relief by their juxtaposition with contemporary poets, musicians and European historical writers. Morton Feldman, John Giorno, Eduardo Sanguineti and Clark Coolidge rub shoulders with Sir Walter Raleigh, Novalis, Robert Walser, Lord Herbert of Cherbury, Apollinaire and Flaubert. This lateral cut across history, disciplines and cultures takes the reader into rich, new territory, in which Lord Herbert's C16th word-plays resonate perfectly alongside the texts of Lawrence Weiner.
— Chrissie Iles
Curator, Whitney Museum of American Art
Sergio Rossi
Maledette, vi amerò
Neri Pozza 2007
Collana "Spleen"
Nel 1966 inizia la grande stagione del fumetto erotico italiano. Nelle edicole esce un piccolo albo con due vignette per pagina e copertina a colori: è Isabella, serial erotico-avventuroso che ottiene subito un grande successo di pubblico e apre la strada a un filone che avrà lunga durata e immensa e conflittuale popolarità. Seguono negli anni innumerevoli personaggi dai nomi fantasiosi e improbabili come Jungla e Walalla, Belzebú e Maghella, spesso semplici variazioni di una formula di successo, ma tra di loro spicca un cast di vere e proprie star che hanno fatto la storia del genere e segnato l'immaginazione dei lettori. Da Zora la vampira a Frieda Boher, da Jolanda a Biancaneve, scaturite da matite e pennelli di maestri del fumetto quali Magnus e Sandro Angiolini, Milo Manara e Leone Frollo, queste eroine da edicola sono la risposta fumettistica e di massa ai successi letterari, cinematografici e televisivi che si succedono negli anni, tra i romanzi di Angelica e i film di Pasolini, fra la commedia all'italiana e i fatti di cronaca. Sono lo specchio distorto e rivelatore di un mutamento generazionale che unisce avanguardia e conservazione, gusto dello sberleffo e provocazione, furbizia imprenditoriale e smaccata e divertita volgarità.
Isabella (1966) è il primo fumetto italiano per adulti. Definita «niente cappa e tutta spada», erotica e avventurosa al tempo stesso, fu un successo epocale. La saga della duchessa dei Diavoli è ambientata in Francia durante il regno di Luigi XIII e in piena guerra dei Trent'anni.
In Jolanda de Almaviva avventura ed erotismo si legano in un feuilleton che alterna i duelli di spade all'abbraccio tra i corpi. Creata nel 1970 e ispirata al romanzo Jolanda, la figlia del Corsaro Nero di Emilio Salgari, è disegnata per un periodo da un giovane Milo Manara sulle forme dell'attrice Senta Berger.
Biancaneve (1972) è la regina della favola per adulti all'italiana e l'apostola disinibita e compiacente dell'amore libero sessantottino e del sesso ludico. Ha aperto la strada alle trasposizione erotiche di fiabe celebri che metteranno alla berlina usi e costumi sessuali degli italiani per piú di un decennio.
Nel 1972 nasce Zora, la vampira piú famosa e amata del fumetto italiano, nelle cui avventure si uniscono il racconto dell'orrore e la componente erotica del morso (e non solo) del vampiro. Bella e dannata, destinata a diventare la sposa di Dracula, Zora è invece la sua piú acerrima nemica.
Le storie di Necron, create nel 1981 da Ilaria Volpe e Magnus, sono forse il piú bel fumetto erotico italiano. Protagonista è la dottoressa Frieda Boher, patologa e necrofila, che dà vita a un Frankenstein personale, virile creatura dotata di un'insaziabile fame sessuale e cannibalesca, per farne il suo amante.
Casino (1985) rappresenta l'ultimo grande tascabile erotico italiano. Ambientato in Francia all'inizio del ventesimo secolo, vede protagoniste le ragazze del piú famoso bordello di Parigi, La Maison Blanche, diretto da Madame Con, in cui si mescolano intrighi politici, desideri erotici, storie sentimentali, frenetici scambi di coppia.
Cicciolina è il mito erotico degli anni Ottanta, e nel 1988 diviene protagonista di Amore libero, il racconto tra biografia e finzione della vita (vera) e delle imprese (immaginarie) di Ilona Staller, messaggera dell'amore e del sesso come strumenti ideali contro la guerra e la violenza.
Simone Zaffiri
Colazione da Tiffany
Garibaldi Café
Via Quattro Canti Di San Francesco 40r - 16124 Genova
dal 16 al 30 aprile 2007
Ritratti di New York City, carpiti con gli occhi di viaggiatore appassionato e di artista della fotografia. Le immagini della “Big Apple”, scattate tra il 2002 al 2007 da Simone Zaffiri (www.simonezaffiri.it), sono protagoniste del vernissage di “Colazione da Tiffany”, lunedì 16 aprile 07 alle ore 18 presso il Garibaldi Cafè di Genova (Via ai Quattro Canti di San Francesco, 40r). Città molto amata dall'artista e meta costante dei suoi viaggi, fonte della sua ispirazione e della sua produzione fotografica, New York emerge in alcuni degli infiniti aspetti che la caratterizzano come affascinante e poliedrica metropoli, con le sue stravaganze ed i suoi eccessi. L'artista genovese, nato a Domodossola, ha sviluppato la passione per la fotografia intorno alla metà degli anni '90, durante i suoi numerosi itinerari in Italia e nel mondo. Le sue opere ritraggono paesaggi, linee, geometrie, architetture ed evidenziano la sensibilità e l'attenzione nel ritrarre i popoli di differenti paesi ed etnie, le loro culture e tradizioni. Zaffiri denota attraverso le sue foto il grande interesse nei confronti dell'infanzia, che concretizza nel suo impegno sociale attraverso la collaborazione con l'Unicef dal 2004. Da menzionare sono infatti le precedenti mostre a sostegno dell'Unicef organizzate nel 2005 nella provincia di Genova, presso il Castello di Santa Margherita Ligure e “In viaggio tra i bambini del mondo”, prima mostra ospitata dal “C Dream” di Genova. Le sue fotografie vengono esposte e vendute in alcuni "concept store", tra cui il prestigioso Dom Edizioni a Milano, e sono pubblicate su riviste di settore. Le foto della mostra “Colazione da Tiffany”, organizzata da Claudia Mattioli, sono in vendita presso il Garibaldi Cafè. Le stampe su forex sono realizzate da Totalfoto, da sempre all'avanguardia a Genova nella tecnica di stampa, che ha utilizzato un dispositivo di output laser "Lambda", attualmente il migliore al mondo per file digitali e pellicola.
mercoledì, aprile 18, 2007
Art Cologne 2007
International modern and contemporary art.
190 galleries from 20 countries
Cologne Trade Fair Centre
18/4/07 - 22/4/07
In 2007, Art Cologne - the International Fair for Modern and Contemporary Art - will run from 18 to 22 April at the Cologne Trade Fair Centre. With the change from autumn to spring scheduling, fine-tuning in the interests of quality continues. The list of exhibitors has been optimized in terms of gallery calibre and numbers of foreign participants. Focused planning to improve design and layout has gone hand in hand with increased emphasis on the Fair's traditional strengths.
This year's 41st Art Cologne welcomes 190 galleries from 20 countries. In addition, 25 young galleries will be exhibiting in the frame of the -New Contemporaries' programme sponsored by Sparkasse KölnBonn. The -Open Space' project - which has attracted a great deal of international attention - has exhibition space for 40 exhibits. The -New Talents' programme - Art Cologne's longest-established sponsorship programme for young artists - will provide space for 25 young artists from all over the world. These young artists will be showcased by the Art Cologne exhibitors representing them. -Hidden Treasures', the new programme launched at last year's event, was a great success. Art Cologne exhibitors will again be staging solo shows of the work of five to six artists who have their niche in art history but are currently neglected and undervalued by the market.
Art Cologne's supporting programme features special exhibitions of art from Mallorca and works from Viennese private collections, an environment by Anthony McCall, a video installation by Gary Hill (235 Media), a show focusing on Galerie Erhard Klein (ZADIK), the traditional photography exhibition staged by the Photographische Sammlung/SK Stiftung Kultur der Sparkasse KölnBonn and the Fourth Arts Sponsorship Conference. Prize-giving ceremonies, symposia, discussions and numerous other events in and around Cologne provide further highlights. Two of these highlights are -KölnSkulptur 4' at the Cologne Sculpture Park and -KölnShow2' in 18 Cologne galleries.
Open Space for the third time: Contemporary art in an urban context
Featuring six galleries from London and Glasgow, two each from New York and Switzerland, and a large contingent from Berlin, Open Space is set to continue its success story as an alternative trade fair format at the 41st ART COLOGNE (18th to 22nd April 2007). More than 40 galleries from around the world will be presenting individual works and projects of contemporary art in 2,500 m² of exhibition space on the ground floor of Hall 4.
The list of galleries and artists can be subdivided in different ways. To begin with a few statistics, 46 galleries will stage 43 presentations of works by 54 artists. A total of 32 galleries are exhibiting solely at Open Space, while 14 are also exhibiting at New Contemporaries or another section of the Art Cologne trade fair. The German galleries number 28 in all, and seven of those are from Berlin (including NEU, Johann König and newcomers such as Bürgel and Schubert). Eight of the galleries are from Cologne (BQ, Buchholz, Capitain, Frehrking Wiesehöfer, Linn Lühn, Mirko Mayer, Rehbein and Sprüth/Magers). A total of 18 are from outside Germany, including three from London (Cabinet, Hotel and Bartlett), three from Glasgow (Sorcha Dallas, Mary Mary and The Modern Institute), two from New York (Kapernekas and Schlechtriem) and two from Switzerland (Art & Public and Mark Müller).
As in 2006, Open Space 2007 will once again provide a platform for showcasing projects that go beyond the gallery environment to reflect points of reference for contemporary art within an urban context. In order to create as comprehensive an overview as possible, most of the participants come from the same city. After projects from Cologne were highlighted last year, the focus in 2007 is on the scene in Berlin, which will be presented at Open Space by the Berlin-based Poster Verlag, the concept store of the fashion label Bless, the theme-related bookshop pro qm, the Zentrale Intelligenz Agentur and the Texte zur Kunst publishing house. Open Space will, however, also feature exhibitors from Cologne: the European Kunsthalle and - nearby - the Gesellschaft für moderne Kunst am Museum Ludwig Köln.
On this year's jury are Sorcha Dallas (Glasgow), Gregor Jansen (ZKM Karlsruhe), Joanna Kamm (Berlin), Andre' Schlechtriem (New York), Adam Szymczyk (Kunsthalle Basel) and Christina Ve'gh (Kunstverein Bonn). The high quality of the Open Space exhibitors is thanks not only to the jury members' hard work, but also to the international network of galleries that have experienced success with Open Space in the last two years. Their positive reports about the event are attracting a large number of top-class participants to Cologne this year.
The growing popularity and ongoing enhancement of Open Space are due not only to these positive reports of previous participants, but also to the new springtime date of the Art Cologne and to an attractive programme of supporting events throughout the city. In particular, the "KölnShow2" project, taking place in partnership with the Art Cologne and 18 Cologne-based galleries, has attracted tremendous interest among galleries from Berlin and abroad, and was a key factor in their decisions to attend the trade fair. Initiated and curated by Nicolaus Schafhausen, commissioner of the German contribution to the Venice Biennale and founding director of the European Kunsthalle, KölnShow2 looks set to generate valuable synergy effects between Cologne's galleries, the trade fair and the European Kunsthalle.
GEMINE MUSE 2007 AL MUSEO DEL MARE
a cura di Cesare Viel
Galata Museo del Mare
Rampe e la Terrazza Mirador
20/4 - 31/5/2007
Il Circuito dei Giovani Artisti Italiani organizza annualmente una serie di mostre sotto il titolo generale di “Gemine Muse”. Si tratta si una serie di esposizioni con giovani artisti selezionati dal GAI e da critici esperti d’arte contemporanea operativi in ognuna delle 24 città appartenenti al circuito. Per Genova è stato scelto come sede della mostra il Galata Museo del Mare, edificio unico nel suo genere anche dal punto di vista architettonico.
Gli artisti Collettivo Actiegroep (Barbara Grigoli, Paola Lazzeri, Marta Merlo), Armanda Cirio, Emanuele Piccardo e Luca Tornatola si sono ispirati al tema del viaggio realizzando opere che, attraverso linguaggi diversi come video, fotografia e installazioni, intervengono nei luoghi di passaggio del museo – vani scale, rampe - fino ad arrivare al punto panoramico che domina la città e il porto.
Steen Eiler Rasmussen
Architettura come esperienza
Pendragon 2006
Collana "Tecnica e tradizione"
Corredato da illustrazioni che forniscono esempi di sperimentazione architettonica nei secoli, il testo intende trasmettere l'esaltazione intellettuale suscitata dalla bellezza di un progetto. Dalle tazze da tè agli stivali da equitazione, dalle palle da golf alle sculture subacquee, fino alle ville del Palladio e il padiglione dei pesci del Palazzo d'Inverno di Pechino, l'autore propone un viaggio nei percorsi meno frequentati della progettazione. Questo saggio, lungi dall'essere destinato esclusivamente agli addetti ai lavori, avvicina chiunque all'architettura, non teoria astratta ma agire concreto dell'uomo nel mondo.
PESCI ROSSI >
MANTEGNA / CARRACCI / MATISSE / CEZANNE / DÜRER / PICASSO
In libreria la nuova collana di Electa
Dal 28 marzo al 30 aprile 2007
Pesci rossi si intitola una fortunata raccolta di scritti di Emilio Cecchi, che vide la luce nel 1920. Pochi anni prima Cecchi, in occasione della mostra della Secessione Romana, aveva avuto modo di ammirare I pesci rossi di Matisse: al quadro, così moderno nell’estetica delle forme e nella profondità delle allusioni, e alla mostra, lo scrittore dedicò un breve articolo e qualche annotazione sparsa dei suoi taccuini, suscitando l’interesse e la curiosità dei suoi lettori, di altri critici del suo tempo, e perfino della famiglia reale. Sì che da allora, e per qualche tempo, pesci rossi allusero proprio a quei brevi saggi, a quelle colte divagazioni del tipo ricordato. Ci è piaciuto riproporre quella stessa tecnica dello scrivere, un saggio breve illustrato, che abbia per argomento un artista, un’opera, una città, un monumento. O altro ancora, sempre connesso alla materia di cui trattiamo, la storia dell’arte.
I testi “letterari” di autorevoli studiosi e giovani intellettuali sono racchiusi in volumi raffinati che si distinguono per una cura antica nella scelta e nella riproduzione delle immagini.
Il "pesce rosso" è costituito da un saggio breve, che può essere suddiviso in paragrafi e corredato da note, segnalate in rosso nel testo e raccolte di seguito in fondo allo scritto. I riferimenti alle pagine dell’album contenenti le immagini sono segnati, ancora in rosso, in margine alla colonna di testo mentre le didascalie sono raccolte in pagine grigie alla fine del volume.
L’album può essere diviso in sezioni e percorso da brevi testi descrittivi o documentali coerenti alle illustrazioni.
Nella copertina "aniconica" (un’immagine al vivo è tagliata in quarta) in uno dei quattro colori di collana (grigio, bianco, rosso, nero), si legge una citazione di grande pertinenza e impatto, ma esterna alle parole del libro.
In libreria da aprile 2007
Michele Cordaro
La Camera degli Sposi di Andrea Mantegna
Pubblicato in concomitanza con le celebrate mostre mantovane rappresenta una guida esauriente al monumento (oltre al magistrale saggio sono presenti testi descrittivi delle diverse parti del ciclo). La sublime bellezza delle pitture murali è stata esaltata dalla qualità della carta e da particolari di grande suggestione.
Daniele Benati
Annibale Carracci e il vero
Volume che segue le fortunate esposizioni di Bologna e Roma. Grazie a un'accorta selezione delle opere più significative, rimane un agile e raffinato profilo del pittore, tracciato da uno dei suoi maggiori conoscitori.
Bruno Contardi
Le Danze di Matisse
Lo scritto inedito di Contardi indagava la struggente modernità nelle tele di Matisse dedicate al tema della danza, in occasione di una mostra mai più tenuta a Brera. Arricchiscono il volume, corredato da un nutrito apparato iconografico di opere del pittore e dei suoi compagni di ricerca come Cézanne, Picasso e Derain, brevi testi che illustrano la vita, l’attività e il clima culturale di quegli anni e la colta corrispondenza con i collezionisti russi.
Francesca Bardazzi
Cézanne a Firenze
Il volume accompagna la mostra di Palazzo Strozzi (Firenze, 2 marzo–29 luglio 2007), che ruota intorno alla presenza di Cézanne nelle esposizioni e nelle collezioni "fiorentine" Fabbri e Loeser, delineando un profilo illustrato del pittore provenzale e della sua fortuna in Italia. Scorrono vicende e personaggi d’epoca che fecero tornare Firenze una capitale della cultura europea.
Giovanni Maria Fara
Albrecht Dürer. Lettere da Venezia
In concomitanza con la mostra alle Scuderie del Quirinale (Roma, 10 marzo-9 giugno 2007), analizzando le Lettere da Venezia scritte dall’amico Pirckheimer, qui per la prima volta compiutamente tradotte in italiano, l’autore affronta l’intenso rapporto culturale e umano, che legava il grande artista del Rinascimento tedesco agli italiani, descritti nei loro costumi con una sofferta ironia.
Valentina Moncada
Picasso a Roma
Il testo ripercorre la creazione di due grandi capolavori di Picasso, L’Italiana e l’Arlecchino e donna con collana, che l’artista progettò durante il suo primo soggiorno romano (1917), nello studio di via Margutta. Segue una serie di documenti, raccolti a cura di Francesca Foti, che illustrano i rapporti di Picasso con gli artisti coinvolti a Roma nella genesi della Parade, balletto per il quale l’artista realizzò costumi e scenografie (l’attività creativa dell’artista in questo primo soggiorno romano è raccontata nella mostra Picasso a Via Margutta 1917 – 2007, Roma, Galleria Valentina Moncada, 28 marzo-30 aprile 2007).
Bruno Cartosio
New York e il moderno
Feltrinelli 2007
Collana "campi del sapere"
La nascita di New York come capitale artistica e culturale d’America. La crescita demografica ed economica della città, la sua espansione territoriale e amministrativa, la conquista della preminenza come centro culturale della nazione, gli artisti, i collezionisti, i musei e le istituzioni d’arte. Roma, Berlino, Parigi, Londra impiegarono secoli per entrare nella famiglia delle città del mondo. La rincorsa di New York si consuma nel giro di pochi decenni di straordinaria energia creativa. I percorsi materiali della modernizzazione – le ferrovie sopraelevate e sotterranee, la diffusione di elettricità e telefoni, i grattacieli, il traffico delle auto nelle strade e delle folle sui marciapiedi – si sommano e si intrecciano con le vicende degli attori del Rinascimento americano, con il fiorire dei salon e degli atelier, con il mecenatismo dei grandi filantropi animati dall’aspirazione a rinnovare la cultura e le arti. Ma New York è anche città di chiaroscuri pronunciati: al prodigio dei grattacieli si affiancano le distese dei quartieri popolari, a leggendarie ricchezze una diffusa povertà, al tradizionalismo delle culture degli immigrati il dinamismo di artisti e intellettuali che vi trovano spazi inediti di espressione. Questo libro vuole dare conto di tutto questo, ripercorrendo la storia collettiva e le vicende individuali di una febbre creativa senza precedenti.
Bruno Cartosio (1943) insegna storia dell’America del Nord all’Università di Bergamo. Si occupa da anni di storia sociale e culturale degli Stati Uniti, collabora con varie testate giornalistiche (tra cui “il manifesto”) ed è autore di numerose pubblicazioni. Dirige, con Alessandro Portelli e Giorgio Mariani, “Ácoma. Rivista Internazionale di Studi Nordamericani”. Tra i suoi volumi: Anni inquieti. Società, media, ideologie negli Stati Uniti da Truman a Kennedy (1992), L’autunno degli Stati Uniti (1998), Da New York a Santa Fe. Terra, culture native, artisti, scrittori nel Sud-ovest, 1865-2002 (2002), Più temuti che amati. Gli Stati Uniti nel nuovo secolo (2005).
martedì, aprile 17, 2007
CLAMOR
Serpentine Gallery
Kensington Gardens - London
17/4/07 - 29/4/07
Clamor, 2006, a new work by leading artists Jennifer Allora and Guillermo Calzadilla exploring the relationship between sound, music and war, has its European premiere at the Serpentine Gallery.
A large sculptural chamber, which the artists have described as "resembling a bunker, a ruin, a cave, and a sound booth", hosts live performance events from a musical archive of moments when music has been used in military and political conflict.
For the live performances, held during the opening evening and regularly throughout the course of the exhibition, duelling musicians hidden inside the work itself will play historic military songs creating a monstrous montage of war music, somewhere between a symphony and cacophony.
The artists have created a pre-recorded 40-minute soundtrack, which will be broadcast from within Clamor during the course of the exhibition. It samples music from the Janissary bands of the Ottoman Empire, the resistance hymns of the Viet Cong, the ballads of the October Revolution, as well as contemporary popular music such as Twisted Sister's "We're not gonna take it" used by American forces during the Panama invasion in 1989. Clamor stages a musical and corporeal investigation into the nature of these songs in the context of today's global wars.
Allora & Calzadilla have been collaborating since 1995 and their photographs, videos, sculptures, installations and performative works address the challenging and conflicting effects of globalisation. The artists live in Puerto Rico.
Clamor was commissioned in 2006 by The Moore Space, Miami.
CAMERA CON VISTA
Arte e interni in Italia 1900-2000
A cura di Claudia Gianferrari
Concept e cura generale Luigi Settembrini
Direttori artistici Rachele Ferrario e Gherardo Frassa
Curatore delle ambientazioni: Manolo De Giorgi
in collaborazione con Maria Paola Maino
Progetto dell'allestimento: Pierluigi Cerri
Produzione esecutiva: Fondazione Solares
Progetto musicale: Guido Casali, Amerigo Daveri,
Piero Maranghi con Classica TV
Palazzo Reale
Piazza Duomo, 12 Milano
dal 17/4/07 al 1/7/07
L'arte e gli arredi in cento anni di stile italiano. Fondazione Cosmit Eventi, in collaborazione con il Comune di Milano - Assessorato alla Cultura, celebra un secolo di grande tradizione italiana con una rassegna di dipinti, sculture, mobili e oggetti dal 1900 a oggi.
Dal 18 aprile - durante i giorni di apertura del Salone del Mobile 2007 - fino al 1 luglio, le sale di Palazzo Reale restituiranno il clima e il gusto che hanno animato e ispirato la grande cultura italiana dell'arte e del design del secolo scorso e fino ai nostri giorni: i pittori divisionisti e i futuristi, i grandi maestri del Novecento e le neoavanguardie degli anni Settanta, i protagonisti del postmoderno negli anni Ottanta e i piu' giovani talenti ora affermati a livello internazionale.
Accanto ai dipinti e alle installazioni saranno esposte le opere di architetti e designer.
Il visitatore si ritroverà al centro di un mondo in cui la realtà delle tele di Mario Sironi, Filippo de Pisis, Felice Casorati e Giorgio de Chirico spesso corrisponde a quella dei mobili e degli "interni" progettati e realizzati da Bugatti, Gio Ponti, Piacentini; i progetti visionari di Sant'Elia e i mobili di Giacomo Balla, la splendida scrivania di Portaluppi, un articolatissimo armadio di Ulrich che ospita perfettamente l'ancor piu' articolato guardaroba di d'Annunzio; e poi gli uffici proto-razionalisti di Gualino e di Giuseppe Pagano, uno studio modernista di Gio Ponti del 1935, le lampade spazialiste dei fratelli Castiglioni e di Gino Sarfatti, un ambiente riduzionista con arredi "a specchio" di Nanda Vigo, il design povero dei mobili autocostruiti di Enzo Mari, l'avventura high-tech nella casa degli anni Ottanta fino alle generazioni piu' giovani, in cui spesso l'arte torna a coincidere con lo spazio dell'architettura e con quello della vita vissuta, come nelle opere di Loris Cecchini e Flavio Favelli, di Vedovamazzei e Massimo Bartolini o di Michelangelo Pistoletto (di cui sarà esposta l'opera Love Difference, il grande tavolo del multiculturalismo che caratterizza il terzo millennio e introduce nuove frontiere di confronto e dialogo tra arte, architettura e design, tra Occidente e Oriente).
Fanno da sottofondo alla mostra finestre musicali che hanno accompagnato la vita degli italiani dall'inizio del -900 a oggi.
Accoglie il visitatore l'aria "O mio babbino caro" del Gianni Schicchi di Puccini (cui e' ispirata la colonna sonora di "Camera con vista", il film di James Ivory): e poi i colori orchestrali di Respighi scivolano sul divisionismo di Previati, i soffi violenti di Salvatore Sciarrino si fondono con l'Arte Povera, una giovane Mina accompagna la Pop Artmentre Maramao del Trio Lescano si mescola alle opere di Mafai e Badodi. Le bizzarrie strumentali e gli scherzi di Azio Corghi segnano il nuovo millennio e una provocazione vivaldiana abbandona il settecento per giocare con la Transavanguardia. Poi Casella e il Futurismo, Ghedini e la Metafisica, Malipiero e il Novecento, Luigi Nono e il Gruppo degli Otto, Berio e lo Spazialismo, Fabrizio De Andre' e l'ultima stanza di Michelangelo Pistoletto.
Il catalogo in italiano e inglese e' edito da Skira e verrà stampato in due edizioni: la prima con i testi di Amerigo Daveri, Manolo De Giorgi, Rachele Ferrario, Claudia Gian Ferrari, Maria Paola Maino, Luigi Settembrini; la seconda edizione, stampata in seguito all'inaugurazione della mostra, con la riproduzione fotografica dell'allestimento.
(Con un tale schieramento di curatori, direttori, allestitori, produttori, progettisti ecc., chissà che mostra ...)
La città logistica
a cura di Enrico Musso, Claudia Burlando, Hilda Ghiara
Il Mulino 2007
Collana "percorsi"
Un’efficace logistica delle persone e delle merci aumenta l’accessibilità della città. Questo obiettivo è soggetto a due vincoli che rappresentano di fatto altrettanti obiettivi politici: l’efficienza e la sostenibilità. Le politiche della logistica urbana – ove prevalgono di volta in volta contenuti economico-sociali, territoriali, trasportistici, ambientali – riguardano la circolazione dei veicoli privati, i servizi di trasporto pubblico, la mobilità delle merci, il contesto territoriale e infrastrutturale. Ma gli obiettivi della logistica si perseguono anche con strumenti non trasportistici, come la pianificazione territoriale, gli orari della città, l’uso della telematica. Il buon funzionamento di tutti i settori d’intervento è indispensabile affinché la logistica urbana dia luogo a maggiore accessibilità anziché ad incrementi di costi ambientali e/o fiscali.
Enrico Musso, professore ordinario di Economia applicata nell’Università di Genova, svolge attività di ricerca e didattica nell’economia dei trasporti e del territorio. Autore o curatore di molte pubblicazioni internazionali, presiede la Società Italiana degli Economisti dei Trasporti (Siet).
Claudia Burlando, ricercatore presso la Facoltà di Economia dell’Università di Genova, insegna Analisi e Pianificazione del Territorio. Ha all’attivo ricerche e pubblicazioni nell’economia dei trasporti urbani, ed è consulente di enti territoriali e membro di gruppi di ricerca internazionali.
Hilda Ghiara, urbanista, coordina il centro di ricerca interuniversitario europeo «Go-UP Governance of Urban Policies» e cura master universitari su argomenti territoriali. Ha pubblicato «Il territorio della capacità istituzionale» (2002), «Progetto, conflitti e territorio» (2002), «Governance, valutazione delle politiche e gestione dei conflitti» (2006). Dirige la rivista Archi@Media.
Mark Stevens - Annlyn Swann
DE KOONING
L'uomo, l'artista
Johan & Levi 2007
Collana "Biografie"
La biografia, corredata da immagini di opere e foto d’epoca, racconta la vita e l’opera di questa complessa e romantica figura d’artista, emblema del mito americano e del self-made man. Basata su documenti inediti e centinaia di interviste, ha richiesto agli autori oltre dieci anni di lavoro. Il successo di pubblico e critica è stato immediato: nel 2004 ottiene il Los Angeles Times Book Prize e nel 2005 il prestigioso Premio Pulitzer seguito dal National Book Critics Circle Awards e l’Ambassador Book Award.
Willem de Kooning nasce in Olanda nel 1904, e si forma all’Accademia d’arte di Rotterdam. Nel 1926 emigra negli Stati Uniti, a New York. Durante la Grande Depressione si sostenta con lavori saltuari e commerciali finché, nel ’36, entra nel WPA Federal Art Project dedicandosi esclusivamente alla pittura. Negli anni trenta e quaranta, con Gorki e Pollock, diventa uno dei rivoluzionari protagonisti dell’Espressionismo astratto americano, pur mantenendo una forte connotazione europea. Sposato con una pittrice, ha una vita sentimentale travagliata e un difficile rapporto con le donne. Uomo colto, spirito irrequieto, de Kooning spazia tra moltissimi generi artistici – ritratti, nudi, paesaggi, nature morte, pittura astratta e persino scultura. Nel 1963 si ritira a Long Island ma non cessa l’attività, influenzata nell’ultimo periodo dai primi sintomi della demenza senile. Muore nel 1997.
Mark Stevens, critico d’arte e giornalista scrive per la rivista New York . Ha scritto per The New Republic, e ha collaborato con testate qualiNewsweek, Vanity Fair, New York Times e The New Yorker. Vive a New York
Annalyn Swan ha scritto per la rivista Time . ha vinto numerosi premi come critico musicale ed è stat responsabile della rubrica d'arte di Newsweek. Ha scritto per The New Republic, The Atlantic Monthly e per la rivista New York . Vive a New York
Giorgio Agamben
Il Regno e la Gloria
Neri Pozza 2007
Collana "la quarta prosa"
Con questo nuovo libro, l’indagine sulla genealogia del potere iniziata da Agamben dieci anni fa con Homo sacer giunge a uno snodo decisivo. Due domande scandiscono il campo della ricerca: 1) perché il potere ha assunto in occidente la forma di un’«economia», cioè di un governo degli uomini e delle cose? 2) perché, se il potere è essenzialmente governo, esso ha bisogno della gloria, cioè di tutto quell’apparato cerimoniale e liturgico che l’accompagna fin dall’inizio?
Cercando di rispondere, sulle tracce di Michel Foucault, alla prima domanda, Agamben scopre che, nei primi secoli della storia della chiesa, per conciliare il monoteismo con le tre persone, la dottrina della Trinità viene introdotta nella forma di una «economia» della vita divina, come un problema di gestione e di governo della «casa» celeste e del mondo. Agamben mostra che, fondendosi con l’idea di provvidenza, questo paradigma «teologico-economico» è inaspettatamente all’origine di molte delle categorie fondamentali della politica moderna, dalla teoria democratica della divisione dei poteri fino alla dottrina strategica degli «effetti collaterali», dalla «mano invisibile» del liberalismo smithiano fino alle idee di ordine e sicurezza. Ma la novità forse più grande che emerge dalla ricerca è che il potere moderno non è soltanto «governo», ma anche «gloria» e che gli aspetti cerimoniali, liturgici e acclamatorii che siamo abituati a considerare come un residuo del passato costituiscono invece tuttora la base del potere occidentale. Attraverso un’analisi affascinante delle acclamazioni liturgiche e dei simboli cerimoniali del potere, dal trono alla corona, dalla porpora ai fasci littori, Agamben costruisce un’inedita genealogia che getta una luce nuova sulla funzione del consenso e dei media nelle democrazie moderne. Un libro che rinnova profondamente tutta la nostra visione della politica.
lunedì, aprile 16, 2007
The Modern Laboratory
Visual Arts, Photography and Film on the Move
MUMOK
Museumsplatz 1 - Wien
dal 3/3/07 al 7/10/07
The first decade of the 20th century was shaped by great political, economic and aesthetic changes. The exhibition is concerned with the new artistic viewpoints connected with that and shows how the considerable avantgarde movements of the early 20th century took up the various media and developed them further. As if in a laboratory artists experimented inside a -new- world that stood under the sign of progress. The exhibition relates modern art, with its innovative contents and forms, to the changing modes of work and production that also anchored the new media of film and photography in society. The references to everyday life with its technology, urban planning and architecture are characteristic for the art of this period as is a strong tendency towards utopianism. Group formation and manifestos are thus also ideologically motivated and are positioned between lived reality and revolutionary fantasy. During this period the new media of photography and film fought for their status as art.
Together with major works of painting and sculpture from the MUMOK collection (Giacomo Balla, László Moholy-Nagy, Piet Mondrian, Max Ernst and Rene' Magritte amongst others) exceptional works of the then new media of photography and film such as those by Hans Richter, Marcel Duchamp, Fernand Le'ger, Luis Bunuel, Rene' Clair, Lucia Moholy, Paul Wolff, August Sander, Herbert Bayer, Albert Renger-Patzsch and others will be shown in cooperation with the Austrian Film Museum and the Albertina.
GIULIANO MENEGON
Galleria San Bernardo
Piazza San Bernardo 64R - 16123 Genova
dal 12 aprile al 12 maggio 2007
Molto si è scritto sullo stretto rapporto intercorrente tra la pittura di Giuliano Menegon e i versi poetici o i testi narrativi di alcune tra le più significative voci del panorama letterario internazionale del Novecento. Questo duraturo e costante legame sinergico tra differenti procedure operative ha di fatto caratterizzato l’intera ricerca artistica di Menegon, dalle sue prime opere a cavallo tra gli anni ’70 e ‘80, connotate dall’intreccio linguistico tra la trascrizione dei versi poetici e l’analitica indagine degli strumenti pittorici, sino ai più recenti dipinti nei quali da una dimensione di astrazione, solcata da segni materici progressivamente tendenti al monocromo, sono venuti affiorando negli ultimi tempi forme evanescenti di una memoria intrisa di dolore.
Queste ombre larvatamente umane, anch’esse generate dalla affinità culturale e emotiva con un testo poetico - le strazianti liriche di Paul Celan - rappresentano dunque l’estrema rielaborazione di un intenso lavoro sulle contiguità espressive tra pittura e letteratura. E tuttavia in questa apertura verso un’inedita forma di figurazione, scavata nella stessa sedimentazione dei suoi impasti monocromi, la forza simbolica dei versi poetici è ormai definitivamente venuta coagulandosi nella densità della materia pittorica.
Già da tempo la scrittura era evaporata nella tensione avvolgente di un procedimento formale che tendeva ad azzerare, sia dal punto di vista cromatico, sia rispetto alla pulizia compositiva dell’opera, ogni segno superfluo o non altrimenti assimilabile entro la sua pittura. E tuttavia queste ombre, questi lacerti di umanità che emergono dai fondi sempre più disperatamente neutri, determinati dalla scelta di una progressiva riduzione delle potenzialità coloristiche della sua tavolozza, rappresentano davvero la conferma di un’etica dedizione alla pittura da parte di Menegon.
L’assonanza con il versante letterario della sua ispirazione non è stata d’altronde mai preminente all’interno della sua ricerca. E non a caso nel momento stesso in cui i versi dei poeti diventavano coprotagonisti del suo spazio pittorico, l’attenzione dell’artista si indirizzava verso un’analisi dei propri strumenti creativi che, come già più volte si è rilevato, presentava una tangenza con le contemporanee esperienze della pittura analitica.
Ancor di più adesso, che la pittura è al centro del processo mentale del suo lavoro, non si può dunque non focalizzare la lettura critica dell’esperienza artistica di Menegon entro i termini di un ragionamento sulla specificità del processo pittorico rispetto al complesso e variegato panorama della ricerca contemporanea.
È evidente che la pittura, con il suo pesante carico di eredità estetica e culturale, rappresenta una forma linguistica apparentemente intramontabile. E tuttavia è altrettanto chiaro che, a partire dalla diffusione dell’immagine fotografica nella seconda metà dell’Ottocento, questa tecnica antichissima, pur in grado di riaggiornarsi e di trovare una sua autonoma evoluzione linguistica, ha dovuto sostenere un sempre più serrato scontro – il famoso combattimento per un’immagine proposto dal titolo di una celebre mostra curata nel 1973 da Daniela Palazzoli e Luigi Carluccio alla Galleria Civica d’Arte Moderna di Torino – con le emergenti espressioni dell’arte contemporanea, dalla fotografia al video, dalla performance all’installazione, senza contare le nuove potenzialità di comunicazione offerte dalla rete.
Non è qui evidentemente il contesto adatto per affrontare un discorso così complesso come quello sull’attualità delle ricerche pittoriche, ma comunque è legittimo affrontare criticamente gli sviluppi della ricerca artistica di Menegon partendo proprio dal suo peculiare orientamento operativo e mentale rispetto al fare pittura. Nonostante la matericità e la gestualità di matrice informale delle sue tele, il suo approccio con la dimensione pittorica è sempre strutturato all’interno di un processo analitico che tende a temperarne la virulenza emozionale. Come si è già detto, sin dalle sue prime opere, con una coerente costanza di ispirazione e di istintivo approccio, l’azione del dipingere si sviluppa infatti come gesto autoriflessivo sulle componenti linguistiche e culturali del fare pittura.
A questo atteggiamento senz’altro non è estranea la formazione universitaria di Menegon, che fu allievo a Genova di Corrado Maltese, autore della presentazione della sua mostra di esordio a Genova nel 1972 e con il quale si laureò con una tesi sulle costanti cromatiche nella tavolozza di Gioacchino Assereto. E sicuramente hanno influenzato la sua personale ricerca le frequentazioni con artisti come Michelangelo Pistoletto, uno tra i principali protagonisti dell’Arte Povera, Martino Oberto, impegnato in una riflessione estetica sul valore dei segni pittorici e sulla loro interazione con la scrittura, e Claudio Verna, esponente della corrente della Nuova Pittura, i quali pur avendo interagito in maniera più o meno diretta con la pratica pittorica hanno espresso un superamento dei suoi tradizionali approcci operativi in direzione concettuale.
Accentuando l’intrinseco fascino intellettuale e le estreme potenzialità di comunicazione della pittura, Giuliano Menegon ha impostato dunque tutta la sua ricerca all’interno di questo ambito linguistico. Entro i limiti – sempre valicabili, in tutte le direzioni – di questa pratica estetica ha trovato infatti un’ampia libertà di espressione, testimoniata dalla grande varietà formale della sua esperienza artistica e dalle radicali svolte che l’hanno caratterizzata, non ultima il recente recupero di una originale forma di figurazione. E questo costante processo di sperimentazione certamente non si arresterà di fronte alla criticità di tale passaggio. Mutuando il concetto dei voli della mente espresso dal celebre volume Viaggio intorno alla mia camera di Xavier de Maistre, appare infatti evidente che entro i confini della pittura si possono compiere i più straordinari viaggi. Quello di Menegon è tutt’ora in corso.
Matteo Fochessati
Natacha Pugnet
MARK DION
The Natural History of the Museum
Archibooks + sautereau editeur 2007
Actualités : catalogue de l’exposition présentée au Carré d’Art de Nîmes du 7 février au 22 avril 2007, au Dunkers Kulturhus en Suéde du 25 mai au 26 août 2007 et au Kuluturzentrum à Seedamm en suisse du 15 septembre au 11 novembre 2007. Et exposition au musée d’art de la Chasse et de la Nature
Le Carré d’art est un musée exigeant, réputé et apprécié du grand public et qui produit régulièrement des expositions monographiques d’artistes étrangers reconnus internationalement (Patrick Van Caeckenberg, John Baldessari, Jana Sterbak…) et des expositions thématiques aux propos novateurs et exigeants (La Nouvelle Peinture Allemande…).
De février à avril 2007, c’est l’artiste américain né en 1961 Mark DION qui investe le bâtiment de Sir Norman Foster. Mark Dion a déjà exposé au MOMA à New York.
Depuis plus de vingt ans, l’artiste américain Mark Dion explore les croisements entre art et science, visions et production de connaissance, collection et modes de présentation.
En prenant la place d’un scientifique amateur, d’un historien ou d’un biologiste, Mark Dion porte un regard souvent humoristique mais critique sur les relations entre culture et nature.
Mark Dion relance les débats sur l’évolution de l’histoire naturelle, le rôle du scientifique et les (re)présentations de la nature et des systèmes écologiques en science, musée, étalage, zoo et Art.
Il relance également les questions sur le rôle de l’artiste (comme interprète, performer, critique) et sur la fonction de l’art (une zone libre de débats critiques, d’exposés ou d’inspection des systèmes de valeur culturel ?). En s’adressant à la manière que nous avons de voir et de parler du monde qui nous entoure, Mark Dion s’attarde sur les paradoxes entre notre perception commune des systèmes de connaissance (l’évolution de l’histoire) et notre aptitude aux images denses (contes).
Mark Dion explore le musée comme une métaphore de la connaissance commune. Le projet sera développé en cinq différentes sections qui rencontreront les principales divisions de la connaissance scientifique comme proposés au 19e siècle dans les musées d’Histoire Naturelle : département des sciences humaines, entomologie, archéologie, ornithologie, mammalogie. Un sixième chapitre est centré sur les musées et la culture de la collection. Dans chaque rendez-vous, l’artiste complètera ses travaux avec des exemples des collections locales d’histoire naturelle.
IL COLORE DEL SILENZIO
Dizionario biografico internazionale degli artisti sordi
a cura di Anna Folchi e Roberto Rossetti
Electa 2007
In primavera, in libreria per Electa Il colore del silenzio, un volume che raccoglie per la prima volta un’ampia documentazione biografica e iconografica relativa agli artisti sordi italiani e stranieri. Per quale motivo vi sono tanti artisti sordi nella storia dell’arte? Quanto influisce sulla creazione artistica la particolare, più acuta sensibilità nel percepire la realtà di chi nasce sordo o perde l’udito?
La ricerca condotta per un dizionario internazionale, che risponde a queste domande e contribuisce a colmare una lacuna importante nella letteratura sulla “cultura sorda”, è pubblicato in occasione del 3° Convegno Nazionale sulla Lingua dei Segni ( Verona, 9 –11 marzo 2007).
Dalle ricerche condotte in Italia, ma anche all’estero – grazie alla preziosa collaborazione di istituzioni come l’Ente Nazionale Sordomuti, l’Institut National des Jeunes Sourds di Parigi, o gli archivi della Gallaudet University di Washington – emerge come la modalità visiva dei sordi rappresenti uno strumento privilegiato di espressione e comunicazione con esiti talvolta altissimi e sorprendenti.
È noto che Goya diventò sordo all’età di quarantasei anni in seguito a una malattia, un’esperienza che influì profondamente sul suo carattere e sulla sua pittura, in cui appariranno sempre più frequentemente accenti drammatici, materializzazioni di incubi e tensioni. Come furono afflitti da questo dramma anche Pinturicchio o il raffinato ritrattista del manierismo inglese Joshua Reynolds. La pittura sembra essere in alcuni casi lo strumento artistico prediletto, attraverso il quale dare voce a una vita difficile, talvolta contrassegnata da emarginazione e solitudine.
Scrive Antonella Paternò Rana, Presidente dell’Associazione Progetti Felicità “ desidero ringraziare le persone sorde che ho conosciuto per avermi illuminata sulla vera natura della comunicazione: essa parte dall’anima e a essa ritorna nutrita di nuovi contenuti”.
L’augurio è che il volume, illustrato con opere finora mai riunite, rappresenti una nuova opportunità di sensibilizzazione e di scambio tra il mondo dei sordi e il mondo degli udenti.
Cesare Martinetti
L'autunno francese
La fine della diversità di una grande nazione
Contributi: Barbara Spinelli
Collana "Serie Bianca"
Ségolène Royal e Nicolas Sarkozy si affrontano in primavera nelle elezioni presidenziali francesi. Due cinquantenni nella sfida per l’Eliseo: la fine della generazione Chirac e di tutti i luoghi comuni francesi, in politica estera, ma soprattutto in politica interna. Lo slogan di Sarkozy è “la rupture”, la rottura. Al quale Ségolène risponde: la rupture sono io. Rottura rispetto al “modello francese”: in questo punto critico si scontrano una destra sociale e una sinistra lontana da Blair e dalla socialdemocrazia. Rottura di generazioni e di persone: Ségolène Royal è la prima donna candidata all’Eliseo con la possibilità di vincere mentre Sarkozy, figlio di un immigrato ungherese, è anch’egli uno strappo vivente alle convenzioni elitarie del partito che fu del generale de Gaulle.
Sia Ségolène (“Ségò”), socialista, sia Sarkozy (“Sarkò”), gollista, propongono ricette che non appaiono nemmeno tanto distanti e con più di un comun denominatore: responsabilità, liberalizzazioni, repressione delle devianze. Una serie di misure che cambieranno volto alla Francia per come la conosciamo: liberté sì, égalité molto meno, fraternité vedremo.
Sullo sfondo la storia di questi ultimi cinque anni. Le banlieue in fiamme hanno mostrato ai francesi un volto del paese che avevano nascosto a loro stessi: un popolo rabbioso, figli di immigrati che vivono in città ghetto ai margini di una delle più grandi e scintillanti capitali del mondo, disoccupati, emarginati, emersi dal nulla in una lotta senza leader né ideologie, senza programmi, senza speranze e senza conclusione. Immigrati di seconda generazione e dunque “francesi”, ma ancora arabi e africani, musulmani ma non solo, che alla République chiedono solo di rispettare i suoi fondamenti: liberté, égalité, fraternité. E poi la rivolta degli studenti che ha rivelato al mondo un Sessantotto rovesciato, sugli stessi luoghi e negli stessi miti di quarant’anni fa. Nel 2006 è scesa in piazza una gioventù intellettuale precaria in lotta contro il precariato simboleggiato dal contratto di primo impiego che il governo aveva preparato proprio per venire incontro ai problemi delle banlieue.
Due rivolte che hanno innescato il dibattito: la Francia è la grande malata d’Europa? Mentre Le Pen costituisce la variabile deviata ma non imprevedibile, tutti i sondaggi dicono che il Front è ormai il primo partito della classe operaia e può di nuovo ritrovarsi al secondo turno.
domenica, aprile 15, 2007
HAIM STEINBACH
Vistamare
Largo dei Frentani 13 - Pescara
dal 14/4/07 al 30/6/07
Gli oggetti hanno uno scopo, nel senso che sono stati concepiti per soddisfare funzioni e bisogni sia pratici che psicologici, essi tendono ad occupare uno spazio piu' dialettico che ideale. Il fatto che ci siano cosi' tanti tipi e generi di oggetti di ogni categoria, rende evidente che la personificazione e' un fatto reale. In altre parole, gli oggetti hanno una presenza e come dei personaggi, occupano un'identità ontologica e fenomenologica, in quanto esistono in se stessi e per se stessi. Nella nuova situazione di globalizzazione, l'incontro di oggetti in relazioni e contesti inattesi e' la prova di un'esperienza che trascende la storia. Le contraddizioni storiche, le proiezioni psicologiche e le relazioni visive si traducono in uno spazio aperto di immaginazione percettiva dove l'incontro casuale e' la norma.
Haim Steinbach e' noto come l'iniziatore di una pratica artistica basata sulla selezione e la composizione di oggetti già esistenti. Gli oggetti sembrano esposti, ma in realtà essi sono sistemati come se fossero messi in scena e la loro disposizione puo' essere paragonata a un arrangiamento musicale, all' Haiku, o alla poesia resa concreta. La scelta degli oggetti e il loro raggruppamento riflette le loro affinità tipologiche e le loro relazioni metonimiche.
A Vistamare Steinbach espone un gruppo di opere relative ai suoi incontri recenti con oggetti di varie persone e di vari luoghi. Per esempio, nel quartiere di Ocean Beach a San Diego, California ci sono molti negozi di antiquariato e di oggetti usati che l'artista frequenta spesso e dove ha trovato svariati sanitari in miniatura e due minuscole brocche a forma di faccia. La faccia e' leggermente distorta, allungata e la sua forma la fa assomigliare a una persona che ha sentimenti e addirittura una sua opinione sull'esistenza, come se dicesse "io esisto", "sono viva".
Un'altra opera, intitolata "Golden (for Felix)" ["Dorate (per Felix)"] consiste in una selezione di oggetti accostati ad uno spazio pieno di carte dorate di caramelle che facevano parte di un grande tappeto di centinaia di caramelle, i resti di un'opera dell'artista Felix Gonzalez - Torres. Poiche' l'intenzione di Gonzalez - Torres era che i visitatori prendessero e mangiassero le caramelle, il desiderio di Steinbach e' quello di conservare le carte lasciate e presentarle in un contesto che permette ad altre inattese narrative di prendere forma.
Benedetta Spalletti ha chiesto a Haim Steinbach di prendere in considerazione l'idea di creare un'opera con la pietra della Maiella che si trova in Abruzzo. Le pietre fanno parte della terra e del paesaggio, ma vengono anche estratte per vari usi nelle case, nei cimiteri e come materiale per sculture. Quando si sviluppano le relazioni, si sviluppa anche l'immaginazione, e la memoria prende forma in rapporto all'esperienza e ai fatti. L'artista utilizza una pratica e un contesto per creare delle opere che catturano i momenti in cui lo spazio e il tempo interagiscono. Disporre gli oggetti e' un modo di suggerirne il significato. Ma una pietra puo' essere un oggetto? A Vistamare Haim Steinbach continuerà il suo dialogo con Benedetta Spalletti sulla pietra della Maiella, attraverso il semplice atto di metterla li'.
ENZO MAIOLINO
Museo Civico di palazzo Borea d'Olmo
Via Matteotti 143 - Sanremo
14 aprile - 26 maggio 2007
Inaugurata sabato 14 aprile al Museo Civico di Palazzo Borea d'Olmo, la mostra 'Geometrie in gioco', una selezione di opere grafiche e pittoriche eseguite dal pittore e incisore Enzo Maiolino dal 2000 ad oggi.
La mostra è organizzata dall’Assessorato alla Cultura, dalla Fondazione De Ferrari e dall’Archivio di Arte Contemporanea dell’Università degli Studi di Genova in occasione dell'80° compleanno dell'artista, approdato all’astrazione attraverso un’inedita combinazione di forme geometriche elementari basate sui giochi del Tangram, dei Pentamini e degli Esamini.
Tutte le opere esposte sono pubblicate, a colori, in un catalogo edito per l'occasione dalla casa editrice genovese De Ferrari. Il catalogo contiene anche nuovi saggi critici e un’antologia di quanto scritto negli ultimi anni sull’artista. La mostra, che si avvale del contributo della Fondazione Cassa di Risparmio di Genova e Imperia e dei patrocini della Regione Liguria e Provincia di Imperia, prevede anche una sezione documentaria che testimonia l'impegno intellettuale di Maiolino.
Zygmunt Bauman
Homo consumens
Lo sciame inquieto dei consumatori e la miseria degli esclusi
Erickson 2007
Leggere Bauman è sempre un’esperienza stimolante. La sua dote più preziosa è quella di riuscire a penetrare la scorza del mondo sociale, che ci appare nella sua naturale ovvietà, per mostrarci significati difficili da cogliere proprio perché così quotidiani e evidenti.
Nella società dei consumi della modernità liquida, lo sciame tende a sostuire il gruppo. Lo sciame non ha leader né gerarchie perché il consumo è un’attività solitaria, anche quando avviene in compagnia. La società dei consumatori aspira alla gratificazione dei desideri più di qualsiasi altra società del passato ma, paradossalmente, tale gratificazione deve rimanere una promessa e i bisogni non devono aver fine, perché la piena soddisfazione sfocerebbe nella stagnazione economica.
Il contraltare dell’homo consumens è l’homo sacer, il povero che, per carenza di risorse, è stato estromesso dal gioco in quanto consumatore difettoso o «avariato». La miseria degli esclusi non è più considerata un’ingiustizia da sanare, ma il risultato di una colpa individuale: così, le prigioni si sostituiscono alle istituzioni del welfare.
Il contributo che Bauman ci offre, a partire da questa analisi critica, è quello di riproporre il tema dell’agire morale: un agire intrinsecamente libero, e quindi sempre a rischio di venir meno, ma che pure costituisce una caratteristica originaria dell’essere umano, alla base della sua socialità e, in ultima istanza, della sua sopravvivenza come specie
Alain Soral
Sociologia del rimorchione
Castelvecchi 2007
Collana "Le Navi"
La drague, ovvero ‘il rimorchio’, per un certo tipo di maschio è un’arte, uno stile di vita, un modo di essere. Questo è il primo libro che sia mai stato scritto per rivalutare una delle attività primarie del genere umano… Il rimorchione non è né un piacione né un millantatore. E magari non è neanche maschilista. Ma crede fermamente che le vere donne debbano (o vogliano) sempre essere un po’ corteggiate. Sembra difficile scrivere un libro serio su una pratica spesso giudicata immorale, di cattivo gusto e molto lontana dal sentire comune. Eppure Alain Soral non esita ad analizzare questo argomento rischioso: a studiare l’amore e la donna attraverso lo sguardo del rimorchione. Perché, quando, dove e come si rimorchia? Con uno stile chiaro e conciso che mantiene un tocco di intelligenza, sovversione e buon umore, l’autore mescola pensiero e concretezza, desiderio e tecnica per penetrare il mistero della donna reale: questa sconosciuta che il«serial lover» della strada insegue senza sosta…
Alain Soral (Annemasse,1958), nato da famiglia borghese, sostiene di aver avuto «un’infanzia difficile». Dopo aver tirato avanti con una serie di lavori casuali durante l’adolescenza, ha frequentato a Parigi l’École des Hautes Études en Sciences Sociales. Il suo Les Mouvements de mode expliqués aux parents (Robert Laffont, 1984) è stato un best seller tradotto in molte lingue. Ha pubblicato anche Socrate à Saint-Tropez: Texticules (Éditions Blanche, 2003), Misères du désir (Éditions Blanche, 2004), Chut(e)! Éloge de la disgrâce (Éditions Blanche, 2006), ed è autore del lungometraggio Confession d’un dragueur (Confessioni di un rimorchione, 2001).
(Dio li perdoni per il titolo. Non c'è davvero limite alla degradazione romanesca della lingua ... Già il termine francese non è particolarmente elegante, ma almeno ha il fascino di un gergo consolidato)
Gioacchino Lavanco - Anna Milio
Psicologia della dipendenza dal lavoro
Astrolabio - Ubaldini 2006
Collana "Psiche e Coscienza"
Il comportamento nei confronti del lavoro può essere compulsivo nello stesso modo in cui lo è quello dell'alcolista verso l'alcol. La work addiction è un vero e proprio disturbo, che si manifesta attraverso richieste auto-imposte, incapacità di regolare le abitudini lavorative ed esclusione di ogni altra attività.
Nel panorama delle dipendenze patologiche, crescente attenzione ricevono oggi quelle che sono denominate nuove dipendenze, in cui il comportamento abusante non costituisce un'attività illegale. La dipendenza dal lavoro risulta una delle più attuali e pericolose dipendenze individuate: quella che ha per oggetto un'attività che è parte integrante del normale svolgimento della vita quotidiana di una persona. Piuttosto che un'attività, il lavoro diventa uno stato d'animo, una via di fuga che libera la persona dall'esperire emozioni, responsabilità, intimità nei confronti degli altri. Con questo volume gli autori si propongono di indagare un fenomeno ancora poco conosciuto, che si presenta complesso e ambivalente. A partire dalla definizione terminologica, si procede verso un inquadramento teorico della dipendenza dal lavoro e verso l'individuazione delle sue caratteristiche, della sua evoluzione e dei suoi effetti sull'individuo e sulle sue relazioni. Viene delineata quindi la figura del "workaholic", e ne vengono presentate le principali tipologie. Non vengono analizzate solo le componenti individuali, ma il contesto più ampio in cui il soggetto è inserito: la famiglia e l'ambiente professionale in cui il workaholic vive. Viene infine affrontata la questione dell'intervento su questa nuova forma di dipendenza patologica: dal trattamento individuale all'individuazione di tecniche e strategie a livello preventivo.
sabato, aprile 14, 2007
GIULIANO GALLETTA A CASA JORN
archivio del caos e memoria dell’I.S.
mostra a cura di Sandro Ricaldone
con un saggio di Simone Regazzoni
Casa Jorn - Via G. D'Annunzio 6-8 - Albissola Marina
dal 22 aprile al 20 maggio 2007
opening domenica 22 aprile 2007, ore 21
L’evento – inserito in una serie di iniziative dedicate al cinquantesimo anniversario della nascita dell’Internazionale Situazionista, fondata a Cosio d’Arroscia nell’estate del 1957 ma legata strettamente ad Albissola – si caratterizza come un omaggio a Asger Jorn da parte di un artista “anomalo”, fuori dagli schemi del mercato dell’arte, che ha sempre lavorato sulla dimensione estetico-comunicativa, in una linea che, idealmente, prende le mosse proprio dall’elaborazione teorica del-l’Internazionale Situazionista.
L’installazione di Galletta, ideata appositamente per lo spazio di Casa Jorn, è divisa in tre parti, corrispondenti alle tre stanze del piano superiore.
Nella prima sala sono presentati lavori fotografici storici tratti dalla mostra “appunti per la casa pericolosa” del 1990 e una parte dell’“Archivio del caos”, work in progress dell’artista, che presenterà i faldoni dedicati a memorie e materiali concernenti l’I.S..
Nelle altre sale due ambientazioni inedite: “Lo shopping sentimentale” e “Fenomenologia dello spirito”, incentrate, in modo diverso (la prima è di tipo oggettuale la seconda video), al tema del détournement.
Il volume-catalogo pubblicato in occasione della mostra conterrà un saggio del giovane filosofo Simone Regazzoni, allievo di Jacques Derrida, che affronterà tre parole-chiave per il lavoro di Galletta: supplemento, détournement, scarto.
Richard Marquis
The Way of the Artist:
Reflections on Creativity
and the Life, Home, Art and Collections
curated by Barry Behrstock
Cal State Fullerton Visual Arts Center
800 North State College Blvd.
14/4/07 - 18/5/07
The Way of the Artist includes 64 artworks by glass artist Richard Marquis together with more than 300 objects from his extensive collections of ephemera-hats, rubber toys, buoys, hammers, hose nozzles, oil cans and more. The exhibition focuses uncharacteristically on the home, studio, and collections of the artist, as well as his chosen medium of glass. Historically, galleries and museums have devoted only scant attention to these particulars, yet these are integral parts of every artist's life and can serve as an avenue to enhanced understanding of an artist's oeuvre. Dr. Barry Behrstock, curator of the exhibition and author of the accompanying book, brings a fresh perspective to the consideration of what it means to be an artist.
Richard Marquis has been an artist working in glass for more than 40 years. He attended the University of California, Berkeley, in the 1960s, and studied in Italy with the glassmakers at Murano, developing the techniques that have made him a leader in the studio glass movement. He is renowned internationally for his own work as well as for his innovations in glass-working techniques and his teaching acumen.
Barry Behrstock is a physician, writer, photographer and glass artist. He completed his undergraduate education at the University of California, Berkeley, and his medical degree at the University of California, San Francisco. He has published The Parent's When-Not-to-Worry Book and Lying as Still as I Can, and has participated in numerous international volunteer medical expeditions. His artwork has been included in photography and glass exhibitions.
A 182-page, cloth-bound book, The Way of the Artist, is a thought-provoking collection of essays by Barry Behrstock, illustrating his ideas with glassworks, collections, and photographs from the home and art of Richard Marquis. While exploring Marquis's way of life as representative of -a life well lived,- Behrstock brings the reader into the game as he muses on Marquis's creativity. He shares thoughts from Eastern philosophy, quantum physics, and his own experience to highlight and celebrate each individual's unique importance in the creative human equation.
Marina Giannobi
Closer
Galleria Ronchini Arte Contemporanea
P.zza Duomo 3 - Terni
dal 14/4/07 al 30/5/07
Marina Giannobi presenta sabato 14 Aprile presso la galleria Ronchini Arte Contemporanea il suo nuovo ciclo di lavori intitolato Closer.
Questo nuova ricerca indaga le relazioni tra le persone e la corrispondenza tra quest'ultime e l'architettura circostante. Quel luogo preciso a quell'ora, quella persona, quella frase solo ed esclusivamente in quel momento, quel sentimento, quell'emozione, il moto perpetuo dei sentimenti mai uguali mai costante. Ogni attimo geneticamente, emozionalmente, sentimentalmente, biologicamente... irripetibile.
Le fotografie mostrano due aspetti diversi della vita: nelle immagini catturate in esterno le persone scorrono fluide (come dervisci) e si mescolano con l'architettura, si sfiorano, non si distinguono, fanno parte di una massa senza forma, nulla emerge, nessuna eccellenza, si muovono senza vedere movimento, come se si mimetizzassero con l'ambiente. E' una situazione dove ci si nasconde e questo dà sicurezza, ci si sente protetti, non si vuole emergere. La città e' un posto sicuro dove passare inosservati. Nelle fotografie scattate in interno invece c'e' comunicazione, c'e' intimità. Quando ci si incontra c'e' unicità, ci si riconosce, si comunica, emergono le peculiarità. I fili invisibili che legano le persone diventano quasi tangibili. C'e' un senso di eternità nel momento della comunicazione.
La fotografia della Giannobi appartiene ad una corrente classica, le sue immagini non vengono alterate con processi di post-produzione. Ogni opera mostra una realtà che viene catturata al momento dello scatto, esattamente come si presenta all'occhio dell'artista. Tutto quello che vedete e' contenuto all'interno della macchina fotografica. Il -movimento- rende le immagini volutamente confuse, indefinite, proprio a sottolineare la poca importanza dell'identità.
Jean-Louis Déotte
Qu'est-ce qu'un appareil?:
Benjamin, Lyotard, Rancière
L'Harmattan (8 mars 2007)
Collection "Esthétiques"
Benjamin a été le premier à utiliser le terme d'" appareil " technique en rapport avec les arts, mais il ne l'a pas conceptualisé et en a limité la pertinence à la révolution industrielle. Lyotard a introduit la notion de surface d'inscription et de bloc d'écriture dans ses études sur la lettrine gothique et la perspective, dans une acception sémiologique, mais sa conception de l'écriture en faisait une mise en ordre. Rancière, avec ses " régimes " de l'art qui sont autant de régimes de la sensibilité, a permis de nouer politique et arts, mais en faisant l'impasse sur les techniques. A l'évidence, il fallait donc distinguer les appareils culturels qui sont les conditions des arts, époque après époque, de la série des muses, pour faire droit à un mode d'existence spécifique d'objets qui sont à la fois indéniablement techniques et cosmétiques. Car sinon, comment classer le récit traditionnel, l'icône byzantine ou la voûte gothique, la camera oscura, la perspective, le musée, la photographie, le cinéma (pour s'en tenir à l'Occident, puis à la modernité projective) ?
Jean-Louis Déotte est professeur de philosophie à l'Université de Paris VIII Saint-Denis et dirige le programme app@reils, arts, diffusion dans le cadre de la MSH Paris Nord.
Vanni Codeluppi
La vetrinizzazione sociale.
Il processo di spettacolarizzazione
degli individui e della società
Bollati Boringhieri 2007
Collana "Temi"
Il concetto di "vetrinizzazione" consente di interpretare in modo unitario numerosi fenomeni sociali. Chiarisce infatti il processo di progressiva spettacolarizzazione e valorizzazione dei principali ambiti delle società occidentali: gli affetti, la sessualità, il corpo, l’attività sportiva, i media, il tempo libero, i luoghi del consumo, gli spazi urbani e persino le pratiche relative alla morte.
La vetrinizzazione sociale ha avuto inizio con la comparsa nel Settecento della vetrina, che metteva in scena e valorizzava oggetti in precedenza inerti e passivi. L’individuo si è trovato così, per la prima volta, da solo di fronte alle merci e ha dovuto imparare ad interpretare il loro linguaggio senza l’aiuto del venditore. Ha dovuto, cioè, abituarsi a leggere la comunicazione visiva, ma anche ad affrontare la vita in solitudine, nella nuova condizione sociale imposta dall’urbanizzazione e dalla modernità.
Nel corso del Novecento, i media hanno progressivamente rafforzato il modello di comunicazione della vetrina, perché sono passati anch’essi dalla fruizione collettiva (manifesti, cinema, televisione) a uno fondato sul consumo solitario (pay tv, Internet). Con il risultato che tutto oggi viene trasformato in fenomeno da «esporre in vetrina» e per gli individui la vetrinizzazione sembra sempre più diventare un obbligo sociale inevitabile.
Vanni Codeluppi insegna Sociologia dei consumi all’Università IULM di Milano. Tra gli altri suoi libri ricordiamo: Lo spettacolo della merce (Bompiani, 2000), Che cos’è la pubblicità (Carocci, 2001), Che cos’è la moda (Carocci, 2002), Manuale di Sociologia dei consumi (Carocci, 2005).
CHATTARE
a cura di Valeria Giordano
e Valeria Parisi
Meltemi 2007
Collana "Universale Meltemi"
Il chatting anglosassone si traduce comunemente in italiano con il verbo “chiacchierare”, e cioè quel gusto del conversare “sciolto” e generalmente disimpegnato. È in questa direzione che possiamo dunque innanzitutto leggere e interpretare il senso del chattare. Tuttavia, alcuni dei rapporti instaurati in rete possono farsi meno “volatili”, possono radicarsi e raggiungere un’intimità maggiore, che trascende la semplice chiacchiera e si fa discorso relazionale continuativo, pur nella sua strutturale intermittenza. La specificità dello scambio comunicativo che si realizza nelle chat non rappresenta in ogni caso un’esperienza separata dall’insieme delle pratiche relazionali, affettive e ludiche del quotidiano, bensì una sua articolazione, altrettanto ricca di senso. E che contraddice, per certi versi, quella riduzione dell’altro, dell’estraneo, a elemento portatore di rischio, di cui diffidare, che tanta parte ha nella contemporaneità. I contributi presentati in questo volume si concentrano sui diversi aspetti della relazione che si sperimenta nelle chat. Per tentare di approfondire le molteplici declinazioni di questa forma di comunicazione e indagarla nei suoi aspetti essenziali – linguggio, identità, affettività, percezione dello spazio e del tempo, collocazione nel continuum tra vita online e offline – si è scelto di accompagnare le riflessioni con la presentazione e il commento dei dati emersi da una ricerca condotta tra gli studenti delle Facoltà di Sociologia e di Scienze della Comunicazione dell’Università degli Studi di Roma “La Sapienza”.
Valeria Giordano insegna Sociologia della Metropoli e Modernità e Processi Comunicativi presso la Facoltà di Scienze della Comunicazione all’Università degli Studi di Roma “La Sapienza”. Ha pubblicato Soggetti senza tempo. Una riflessione sociologica sullo spazio recluso (2001), Linguaggi della metropoli (2002), La metropoli e oltre. Percorsi nel tempo e nello spazio della modernità (2005), e ha curato di recente, insieme a Stefano Mizzella, Aspettando il nemico (2006).
Stefania Parisi è dottoranda in Scienze della Comunicazione presso l’Università degli Studi di Roma “La Sapienza”. Collabora con le cattedre di Sociologia della Metropoli e Modernità dei Processi Comunicativi. Ha pubblicato le voci “Biotecnologie”, “Intelligenza connettiva” e “Sottoculture” in Lessico della comunicazione (2003), “Firenze, Europa, Pianeta Terra. La città glocale”, in Glocal (2004) e “Chi ha (ancora) paura della strega cattiva?”, in Aspettando il nemico (2006).
venerdì, aprile 13, 2007
PIANOFORTI LETTRISTI
a cura di Gerard-Philippe Broutin
Accademia di Belle Arti G.B. Cignaroli di Verona
Via Montanari, 5 – 37122 Verona – tel. 0458000082
13 & 23 aprile 2007
Gli artisti lettristi Gerard-Philippe Broutin, Anne-Catherine Caron, Jean-Pierre Gillard, Maurice Lemaitre, François Poyet, Roland Sabatier, Alain Satié durante la giornata di lunedì 23 aprile 2007 realizzeranno, in collaborazione con i professori e gli allievi dell’Accademia, una serie di pianoforti. I partecipanti realizzeranno anche un pianoforte a coda in omaggio ad Isidore Isou, fondatore nel 1945 del movimento lettrista. Il pianoforte realizzato da Jacques Spacagna nel 1989 per l’Archivio F. Conz completerà la serie.
L’evento sarà preceduto il giorno venerdì 13 aprile 2007 da una conferenza di Broutin, mentre nella giornata di lunedì 23 aprile, ad integrazione dell’evento, verranno presentati dagli autori (Mirella Bandini, Sandro Ricaldone e Carlo Romano) i libri Per una storia del lettrismo, TraccEdizioni, e Lettrismo e Situazionismo, Edizioni Peccolo.
Chiuderà l’evento un concerto di poesia e musica lettrista.
Il movimento Lettrista è stato presente in più occasioni in Italia già dagli anni Sessanta, al Centro Internazionale di Ricerca Estetica di Torino nel 1964, e successivamente nel quadro della Biennale di Venezia, 1993, Sentieri interrotti a Bassano del Grappa nel 2000, Nella tribù dell'arte, nel 2001, alla Galleria d'Arte Moderna di Roma, o anche in Dadada, Dadaismo del contemporaneo di Pavia nel 2006 -.
Come nota Achille Bonito Oliva a proposito dell'esposizione di Pavia "dal furore teorico e pratico di Isou nasceranno tutti i più importanti movimenti d’avanguardia postbellici: Cobra, l'Internazionale Situationnista, Fluxus e la Poesia visiva."
“Le concezioni di questo movimento, nato nel 1945 all’iniziativa d’Isidore Isou, si fondano su La Créatique ou la Novatique, originale metodo d’invenzioni e di scoperte grazie al quale il suo promotore trasformerà progressivamente la maggior parte dei territori della Cultura – l’economia, la psicologia, l’insieme delle arti, la filosofia, etc. – dotando ciascuno di essi di definizioni ed estensioni inedite che diversi artisti dopo di lui esploreranno nel contesto della propria opera.
Nel solo ambito delle arti plastiche – individuato come foyer fondamentale delle forme dell’insieme delle arti visive – la parte del Lettrismo si costituirà, sin dal 1945, a partire dalla pittura lettrista, fondata sulla lettera latina, per abbracciare, dal 1950 con l’invenzione dell’hypergraphie, l’insieme dei segni concreti della comunicazione, poi, nel 1956, grazie all’art infinitésimal o l’estapéïrisme, la totalità delle realtà virtuali e immaginarie. Questo ampliamento del campo estetico raggiungerà il suo apice, nel 1992, con l’excoordisme (chiamato anche théïsynisme), che segna l’esplorazione illimitata dei valori coordinati ed estesi della totalità degli elementi immensi e minuscoli al tempo stesso”.
Roland Sabatier – Posizioni del Lettrismo
Hermann Nitsch
Relitti della 122 Aktion al Burgtheater
Fondazione Morra Palazzo dello Spagnuolo
via Vergini 19 - Napoli
dal 13/4/07 al 30/9/07
"Il teatro e' uno straripamento passionale, uno spaventevole transfert di forza dal corpo al corpo"
Antonin Artaud
"In principio, (nel '60): delirio sul bordo del pennello, sul bordo della goccia. Fiotto di colore, che sveglia lo spazio della tela, con forza vitale, erotica, sfrenata. (...) in questo contesto, l'antica superficie della tela non puo' che farsi sudario, o religioso lenzuolo dell'accoglienza: diventare prima -mensa sacra- dell'immolazione e poi memoria del sangue versato. Un rosso che non e' piu' colore ma traccia del corpo, documento del -dio-animale- ucciso. (-) Non ci saranno piu' le presenze fisiche, il dispendio di energie, la - grana della voce', ma cio' che resta non e' lo scarto, il rifiuto dello spettacolo: e' lo spettacolo che esibisce le sue maschere, i suoi abiti da scena, i suoi ornamenti del rito."
Luigi Meneghelli
Hermann Nitsch e' Il primo artista vivente ad aver concepito e realizzato una Gesamkunstwerk all'interno di un teatro pubblico. E' accaduto nel novembre 2005, per una -pie'ce' della durata di nove ore consecutive, all'interno degli spazi dell'istituzione sociale e artistica del Burghtheater di Vienna: il Teatro - l'Orgien Mysterien Theatre del Maestro Austriaco - si e' -messo in scena' nel Teatro. Era la 122. Aktion, una rappresentazione i cui relitti saranno esposti nelle sale della Fondazione a Palazzo dello Spagnuolo, nella mostra curata da Peppe Morra.
Insieme alle barelle e alle tele, accompagnate nelle installazioni da file simmetriche di zollette di zucchero e fozzoletti di carta, classici -elementi catartici' adoperati da Nitsch:, anche le cinque lance adoperate come strumento per ferire le mani, il costato e i piedi della vittima sacrificale, cosi' come a Gesu' Cristo crocifisso.
Sarà inoltre proiettato in modalità loop su una parete di 5mt x 5mt il video dell'Azione cui la mostra documentaristica si inspira.
"I relitti di Hermann Nitsch provengono direttamente dagli eventi azionistici e sono essi stessi azione. Il colore viene versato e cosparso con le mani, diventando esso stesso un evento, la cui forza elementare puo' rappresentare il processo della creazione. L'artista avanza sempre piu' in questo atto della creazione del quadro, che e' sempre anche simbolico, nel processo di trasformazione del colore in pittura pervenendo fino ai confini delle proprie forze fisiche e psichiche. L'esito e' singolare, eppure parte di una grande serie di quadri, questi, a loro volta, parte di una molteplicità dell'evento azionistico e cio' nella totalità dell'opera artistica di Hermann Nitsch e' raffigurazione del contesto interpretativo del mondo e del cosmo. (-) Ogni quadro come ogni uomo - e' tutta individualità, ha le sue qualità specifiche, contiene tutto il Se', tutto il mondo del Se', che corrisponde con il mondo esterno e il cosmo.
Per poter portare ad espressione tale ricchezza di richiami, tale rapportarsi dell'Uno al Tutto, l'opera di Hermann Nitsch e' ciclica, si potrebbe descrivere come un unico grande ciclo, in cui si svolgono i cicli delle azioni, dei quadri, della musica, di tutte le componenti dei misteri orgiastici. I relitti di Hermann Nitsch si avvalgono di principi formativi elementari dell'utilizzo del colore ed e', anche sotto questo aspetto, giustificata a livello concettuale. Il processo pittorico non mira direttamente e in primo luogo al risultato, bensi' e' azione pittorica e meditazione. Non e' solo l'artista ad essere attivo, ma il quadro stesso si trasforma nel corso della realizzazione. Il sangue e il colore vengono si' versati sulla tela, ma il liquido si apre da se' la via, cola, si ramifica in sottili rigagnoli, ristagna, si prosciuga. Il quadro si autodipinge, diventando vera icona, vera effigie, che sorge da se stessa, senza ritrarre qualcosa.
Tuttavia Nitsch interviene in tale processo di autorealizzazione del quadro, continuando a versare colore, distribuendolo con mani e spazzole, applicandolo in strati sottili o pastosamente. Anche i suoi gesti sono elementari, parti dell'azione pittorica. Il quadro viene battuto e carezzato, testato e cancellato, venendo incontro al formato oblungo del quadro e al naturale impulso motorio delle braccia e delle mani - soprattutto gesti orizzontali che sottolineano l'intervento dell'artista nello svolgimento del quadro oppure movimenti circolari, che scavano, che richiamano alla mente estasi e sfoghi in analogia con il procedimento di sventramento che avviene durante le azioni".
Otmar Rychlik
Claude Closky
SEX
Electa 2007
Il volume è stato stampato in occasione della personale dell'artista al Museo MADRE di Napoli (25 febbraio - 1 maggio 2007) che comprende due installazioni nello spazio, Climb at your own risk e Manège. Il libro SEX è di per sé un'opera d'arte. Claude Closky non è uno scrittore, ma ha realizzato libri sin dall'inizio del suo percorso artistico. I suoi libri contengono parole o immagini e rappresentano un modo diverso di concepire lo spazio, attraverso mezzi minimali o poco spettacolari. Seguendo la linea di Ed Ruscha che considera i suoi libri di fotografia come vere sculture, Claude Closky immagina alcune disposizioni di elementi di linguaggio, o di elementi visivi, che egli prende e ridefinisce nel contesto particolare della successione delle pagine. La naturalezza della lettura procura una sensazione di estraneità alle cose più ordinarie e prive di significato, poiché esse non rispondono più ai criteri di articolazione del racconto o di descrizione, né a nessun altro criterio abituale. SEX è una raccolta di oggetti ordinari, fotografati nella vita quotidiana, ma di cui la semplice contrapposizione basta a dar loro un sesso, maschile a sinistra, femminile a destra. Figurative per associazione, le coppie così formate non ritrovano il loro genere sessuale e ci fanno ridere o arrossire solo perché si sono incontrate sulla doppia pagina del libro. Queste immagini reinventano un simbolismo sessuale partendo dalle cose spogliate del loro valore e da punti di osservazione molto semplici. Claude Closky modifica discretamente l'ordine delle cose e notevolmente il nostro sguardo sulle cose www.sittes.net; www.closky.info
Guido Viale
Via e morte dell'automobile
Bollati Boringhieri 2007
Collana "Temi"
L’automobile è da tempo la principale fonte del malessere urbano. Aumenta le distanze, sospingendoci verso l’hinterland per allontanarci dalla congestione; divora il nostro tempo negli spostamenti e negli ingorghi; rende l’aria irrespirabile; ci assorda con il rumore; contribuisce più di qualsiasi altra fonte all’emissione di gas di serra; grava in misura insostenibile sui nostri redditi e sui bilanci comunali; è un fattore di isolamento per tutti – distanze, ingorghi, aggressività e competizione – e di discriminazione per le persone senza auto o senza patente; distrugge la socialità, consegnando al traffico e alla sosta vie, strade, piazze e persino marciapiedi, cioè lo spazio pubblico dell’incontro.
Con il trasporto flessibile (servizi a domanda e car-sharing) tutto ciò può essere evitato. Informatica e telecomunicazioni consentono già oggi di garantire spostamenti porta-a-porta, senza traffico e ricerca del parcheggio, a costi economici, sociali e ambientali molto inferiori a quelli che si pagano con un’auto a testa.
Progetatre il trasporto flessibile in una società complessa richiede la partecipazione consapevole e negoziata di molti soggetti: utenti, maestranze, amministrazioni, imprese, enti, associazioni, tecnici, educatori. Si tratta di un modello organizzativo replicabile in moltri altri servizi pubblici, per il quale oltre alle tecnologie occorre costruire un know-how di gestione che potrà costituire un fattore di competitività decisivo per un’economia come la nostra, altrimenti condannata al declino.
Guido Viale vive a Milano e si occupa di politiche attive del lavoro in campo ambientale per un’agenzia pubblica. Tra le sue pubblicazioni ricordiamo: Il Sessantotto. Tra rivoluzione e restaurazione (Mazzotta, Milano 1978); Un mondo usa e getta. La civiltà dei rifiuti e i rifiuti della civiltà (Feltrinelli, Milano 1994 e 2000); Tutti in taxi. Demonologia dell’automobile (Feltrinelli, Milano 1996); A casa. Una storia irritante (L’ancora del Mediterraneo, Napoli 2001).
I RAGAZZI DELLA VIA PAL (1907-2007)
Buon compleanno, ragazzi. Compie 100 anni uno dei capolavori della letteratura per l'infanzia, forse il più noto in lingua magiara, un vero classico: "I ragazzi della Via Pal", di Ferenc Molnàr (A Pál utcai fiúk in ungherese). Festa grande ovviamente in Ungheria, e a Budapest, teatro delle avventure, dove un'area di "terreno fabbricabile" fra la via Pal e la segheria a vapore di via Maria è la sede di un gruppo di una banda di ragazzi studenti del ginnasio.
Una piccola Iliade, oltre che un bildungsroman, un penetrante trattato di sociologia indiretta. Fra l'ottantesimo genetliaco di Ratzinger e il cinquantesimo anniversario della fondazione dell'Internazionale Situazionista, una ricorrenza da non trascurare.
(Per inciso: non è che fra la Società dei raccoglitori dello stucco e l'I.S., tra i fortini del deposito di legname e le barricate del quartiere latino possa esistere un rapporto?)
giovedì, aprile 12, 2007
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LA SCOMPARSA DI SAL SCARPITTA
L'artista è scomparso a New York all'età di 88 anni.
Ne ricordiamo, negli anni '80, una personale a Genova, allo Studio B2.
Salvatore Scarpitta è nato a New York nel 1919 da padre italiano, uno scultore trapiantato negli Usa nel primo decennio del Novecento e da madre di origine russo-polacca, cresce a Hollywood dove la famiglia si trasferisce dopo la sua nascita. Ora vive e lavora a New York e in Pennsylvania.
Nell'autunno del '36 Scarpitta si imbarca per raggiungere la Sicilia e poi Roma dove si iscrive all'Accademia di Belle Arti: il soggiorno nella penisola è necessario per vivificare le sue origini italiane che sentiva pulsanti e presenti nella propria vita. Qui oltre ai normali corsi scolastici ha avuto modo di approfondire gli interessi artistici attraverso i libri d'arte e gli antichi maestri del Rinascimento e poi Durer, Picasso, Van Gogh - l'Autoritratto del '38, Lezione di anatomia e da Salvator Rosa, esposti in questa sede, mostrano quanto abbia sfogliato quei libri.
Si diploma nel '40; le opere di questo periodo sono poche e per la maggior parte sono disegni a matita e a china che ritraggono luoghi o oggetti a lui familiari, come Cavalletto con scatola di colori o Mia stanza a Roma dove il tratto robusto sorprende per la sua immediatezza, e per la capacità di rendere con pochi segni essenziali momenti particolari, come la spensieratezza in Autoritratto in gita e la puntualità descrittiva in Lago di Bolsena, Marta, dove fu mandato al confino.
I lavori di Scarpitta della fine degli anni Quaranta e gli inizi dei Cinquanta come - Lavoro e pace 1949, Contro l'arma atomica 1950, Steve Nelson 1952 - sono permeati da un profondo impegno sociale e documentano le lotte dei lavoratori, l'uguaglianza razziale, le manifestazioni per la pace, le proteste contro ogni forma di oppressione che limita la libertà dell'essere umano, fermenti sociali diffusi e che caratterizzano la vita degli italiani dopo la fine del secondo conflitto mondiale.
A partire dal 1950, i disegni - realizzati con tecniche insolite, sperimentando nuove consistenze materico-cromatiche, trasformando in pigmento materiali impropri - consentono di individuare il percorso progressivo dell'esplosione della forma. Attraverso il portato della plasticità cubista e futurista, l'artista individua l'espressione della forma per sezionare l'immagine precostituita ed infonderle la vitalità della vita.
Il disegno è forma in azione, conflitto tra le forze strutturanti dei segni «è una stretta la cui intensità contiene la dinamica della propria esplosione», come dimostra la serie delle Police Cars e delle Motociclette.
Da queste composizioni ai successivi disegni materici del '56 - '57, la nuova configurazione della forma si realizza in colori-oggetto. L'oggetto è adombrato da frammenti riconoscibili nel dinamismo della composizione, distinguibili nello strutturarsi della forma, mentre i colori accesi dominano la composizione emanando energia e tensione e preannunciando i successivi lavori in cui Scarpitta interviene direttamente sulla tela, fino a liberarla dalla materia ispessita e avvolgendola su se stessa, in composizioni dinamiche e roteanti. La tela tende ad esplodere, trova nella insita sembianza concreta la propria entità sensoria e una consistenza strutturale: è la realizzazione dei famosi lavori "bendati" - tele a rilievo, sia le estroflesse del '57 che le bende del 1958. Le parole stesse dell'artista spiegano questo momento evolutivo fondamentale «Parlare e spiegarsi, così come la materia che è solamente la tela stessa, rivela la sua trama e la sua forza, le debolezze e le lacerazioni. Lo stesso colore vivo farsi spento e il simbolo decadere. Ho tolto l'indumento che ricopriva la mie tele. Scoprendo anche la fragilità ideologica della stessa mia esistenza sempre permeata di fissazioni calcate dal desiderio avuto e dimenticato che ritorna. Ma una cosa mi ha dato energia, ed era nella scissione stessa del colore dalla problematica materia. Separando questi ho visto, tra l'altro, il colore emergere come il tutto-quadro e non più ispessito o frenato dal dettaglio ingrandito. Il colore avanza a passi pieni e rullanti, un "challenge" alla superficie del quadro». 3
Tra il 1959 e il 1962 contemporaneamente ai "quadri bendati", l'artista esegue altri lavori su carta che cadenzano la sua ricerca basata sul gesto e sulla pittura monocroma: alle fasce in tensione contrappone le chine su carta dalle ampie e dinamiche pennellate. In questi fogli - in cui insiste con il tema della motocicletta- è come se ritmi, frequenze e composizioni delle tele venissero proiettate in segni; la tela delle fasce, che era materia diventa getto di un segno e il pennello trasmette energia pura, forza umana allo stato primitivo. Prescindendo le matrici culturali più propriamente europee rivive un percorso artistico che comprende le composizioni astratte di Kandinsky, congiunte alla prepotente suggestione esercitata dalla gestualità americana di Kline, Smith e De Kooning, commisurando l' essenza della realtà nell'atto stesso del suo divenire.
Nel 1958 Scarpitta incontra a Roma Leo Castelli che lo invita ad esporre presso la sua galleria a New York; per questo motivo, nel dicembre 1958, ritorna negli Stati Uniti dove nel gennaio successivo espone i lavori con le bende alla Leo Castelli Gallery iniziando un lungo rapporto di lavoro, documentato dalle numerose mostre a cui Scarpitta parteciperà. Agli inizi degli anni Sessanta, l'artista costruisce due auto da corsa tra cui Rajo Jack - oggetto simbolo - che espone alla Leo Castelli Gallery ed ora in mostra in questa occasione.
Dal 1963 ad oggi - iniziando con la serie Racers che presenta una ripresa della figura, come segno conseguente l'immissione di un contenuto preciso - il nuovo modo di disegnare di Scarpitta è completamente teso all'esplicitazione di quella liberazione infantile e capacità di recuperare all'arte un contenuto e alla sua espressione diretta, che lo porta anche alla costruzione delle automobili e di altri oggetti-feticcio.
Altri lavori su carta ispirati ancora al fascino dei piloti - i cui volti si intravedono attraverso gli imponenti caschi che conferiscono loro un aspetto quasi simbolico, rendendoli simili a veri e propri astronauti votati a viaggi cosmici - sono quelli della serie dei Racer del 1988 e dei Mundrunner del 1995-1996.
Agli anni '80 sono ancora da ascrivere molti inchiostri su carta: il trittico San-di-no 1985, dedicato al combattente rivoluzionario al quale si è ispirato il movimento di liberazione nazionale in Nicaragua; Titanic 1985, un ciclo basato sull'affondamento del transatlantico e che denuncia la fiducia nella tecnologia che non può contrastare le forze avverse della natura, T.M.I. con Racer 1985, in cui critica ancora l'operato dell'uomo a seguito del disastro nucleare di Three Mile Island in Pennsylvania, dove le sagome delle centrali nucleari emergono dietro una innocua auto da corsa; infine Progetto per Gibellina 1988, una sequenza di carte dove riprende gli spettacolari e rocamboleschi testa-coda di un'auto in corsa.
ADDIO A KURT VONNEGUT
La cultura americana perde uno dei suoi più importanti scrittori. Kurt Vonnegut si è spento la notte scorsa a New York all'età di 84 anni. Il suo capolavoro fu "Mattatoio n.5", del 1969. Il romanzo fu influenzato dalla sua esperienza di prigioniero di guerra a Dresda. I suoi libri sono spesso una curiosa miscela di realismo, fantascienza e psicoanalisi, come testimoniano "Le sirene di Titano" (1959), "Ghiaccio nove" (1963), "La colazione dei campioni" (1973), "Un pezzo da galera" (1979) e "Hocus Pocus" (1990).
Con "Mattatoio n.5", Vonnegut seppe trasformare il suo peggior incubo in uno dei suoi maggiori successi letterari. Il romanzo, portato sul grande schermo nel 1972 dal regista George Roy Hill, con l'interpretazione di Michael Sacks e Ron Leibman, narra la storia di un giovane americano che, per sfuggire dai terribili ricordi della guerra (la prigionia in Germania, il bombardamento di Dresda) e per allontanarsi dai traumi provocati da una famiglia borghese, si rifugia nella fantasia immaginando di vivere sul pianeta Trafalmadore.
Nato a Indianapolis, nello Stato dell'Indiana (Usa), l'11 novembre 1922, da una famiglia di immigrati tedeschi, Kurt Vonnegut studiò alla Cornell University, al Carnegie Institute of Tecnology e all'Università di Chicago. Prestò servizio militare presso l'US Army (1942-1945), e le sue esperienze di prigioniero di guerra a Dresda, in Germania, influenzarono i suoi scritti, compresi quelli di fantascienza.
Prima di dedicarsi alla narrativa, lavorò come giornalista di cronaca nera a Chicago (1947), e fu addetto alle pubbliche relazioni della General Electric Company's (1947-1950), e poi insegnò in numerosi istituti. Nei primi anni Sessanta si stabilì definitivamente a New York e da allora ha prodotto un costante flusso di romanzi, racconti, saggi e commedie. E' stato etichettato, dagli inizi della sua carriera, come uno scrittore di fantascienza, ma presto cominciò ad apparire come uno scrittore satirico dei costumi sociali, con molti lavori come "Cat's Cradle" (1963).
Vonnegut è famoso per la sua ironia, per la sfrenata inventiva umoristica, e per i temi che oscillano inquietantemente tra tecnologia e umanità. Tra i suoi romanzi più noti figurano "Piano Meccanico", "Madre Notte", "Galapagos", "Ghiaccio nove", "Il grande tiratore", "Cronosisma".
Zero Gravità Villa Cernigliaro per Arti e Culture
presenta
COLLECTION LETTRISTE - INTIME ET ULTIME
Isidore Isou, Gabriel Pomerand, Maurice Lemaître, Roland Sabatier, Micheline Hachette, Alain Satié, Jean-Pierre Gillard, François Poyet, Gérard-Philippe Broutin, Woodie Roehmer, Anne-Catherine Caron, Virginie Caraven.
a cura di Roland Sabatier e Anne-Catherine Caron
Villa Cernigliaro Dimora storica
I – 13817 Sordevolo, Via Clemente Vercellone 4 Tel. 015.2562793
dal 21 aprile al 27 maggio 2007
venerdì, sabato, domenica dalle ore 14 alle 19 e su prenotazione
Vernissage Sabato 21, dalle ore 17
con il contributo e patrocinio di
Regione Piemonte
Provincia di Biella
Città di Biella
Comune di Sordevolo
Fondazione Cassa di Risparmio di Biella
Centre Culturel Français du Turin
Aiap Associazione italiana progettisti per la comunicazione visiva
e con la partecipazione di
Archivio F. Conz, Verona:
Sotto questo titolo curioso di Collection lettriste: intime et ultime, l’Associazione Zero Gravità, diretta da Carlotta Cernigliaro, propone di riunire attorno a Isidore Isou un insieme originale di opere degli artisti del gruppo lettrista.
Questo movimento - cui l'Italia ha permesso in numerose occasioni di seguirne il percorso, in particolare nel quadro della Biennale di Venezia, 1993, Nella tribù dell'arte, nel 2001, alla Galleria d'Arte Moderna di Roma, Sentieri interrotti a Bassano del Grappa nel 2000, o anche in Dadada, Dadaismo del contemporaneo di Pavia nel 2006 o grazie all’Archivio Francesco Conz - è stato creato nel 1945 dal carismatico Isidore Isou che, nelle arti plastiche, sostituiva alle figurazioni e alle astrazioni l'organizzazione della totalità dei segni della comunicazione.
Come nota Achille Bonito Oliva a proposito dell'esposizione di Pavia "dal furore teorico e pratico di Isou nasceranno tutti i più importanti movimenti d’avanguardia postbellici: Cobra, l'Internazionale Situationnista, Fluxus e la Poesia visiva." Nell'esposizione di Villa Cernigliaro, la nozione di Collezione è considerata, in senso lato, una semplice riunione di oggetti scelti dai commissari fra le opere degli artisti di questa tendenza non solamente per essere presentati in se stessi, ma per essere letteralmente integrati alla decorazione e all’aménagment della splendida Dimora storica.
È questa messa in scena che conferisce all'esposizione la sua caratteristica originale, singolare e innovatrice.
Catalogo bilingue Zero Gravità
(...) Il Lettrismo può legittimamente presentarsi come un movimento di resistenza.
Nel cuore del Piemonte, l¹idea della "collection" è l¹oggetto di questo incontro.
Questo concetto rinvia direttamente alla nozione del cosiddetto cabinet d¹un amateur, anche denominato Studio, Studiolo o Gabinetto, che, originariamente, costituiva la caratteristica fondamentale del museo la cui edificazione era dovuta all¹iniziativa illuminata del gentiluomo portatore di una conoscenza intus et in cute dei tesori che, nel proprio quadro famigliare, egli glorificava. In seguito e costantemente, in parallelo alle azioni museali e alle grandi mostre che si sono moltiplicate, questa pratica primaria, per lo più confidenziale, si è perpetuata in nome della necessità dei grandi collezionisti di circondarsi di opere, sovente ignorate dalla cultura ufficiale, che scoprivano e con le quali convivevano quotidianamente. L¹intimo di tutti i giorni partecipa all¹ultimo di sempre. Le fotografie degli interni di dimore o dei saloni privati di Durand-Ruel, Alfred Barnes, Gertrude Stein, di Aragon oppure, più vicini a noi, e più direttamente in relazione con le opere lettriste, dei Sackner a Miami, d¹Eric Fabre a Bruxelles, di Francesco Conz a Verona - che edita e propaga queste realizzazioni d¹avanguardia - oppure dei Morentz a Londra, per citare solo alcuni, testimoniano in epoche diverse la permanenza della manifestazione di tali entusiasmi.
Il fatto che la collezione sia, in questo caso, lettrista e che sia presentata oggi, dimostra che, sempre, l¹avanguardia e la cultura divengono un tutt¹uno, indipendentemente dalle epoche, dai regimi e dalle mode.
È dunque in questa ottica e su questo terreno che le due entità riunite a Sordevolo si coniugano al punto di intrecciarsi in modo talmente stretto da presentarsi come un organismo unico.
In questa occasione, Villa Cernigliaro ospita questi nuovi ³résistants² che sono presenti, come altri in passato, raggruppati in piccoli nuclei di artisti, tanto coraggiosi quanto "pericolosi", le cui molteplici opere che li rappresentano, testimoniando la natura delle loro idee, sono disseminate discretamente, incorporate alla scenografia e all¹arredamento inamovibile delle diverse sale della Villa - la sala dei poeti, la sala da pranzo, la sala giochi, la sala da the, la sala biliardo, le gallerie, etc. - con le quali si integrano.
Ma là dove, in passato, Villa Cernigliaro fungeva da "nascondiglio", destinato a celare i protagonisti della democrazia dell¹avvenire, oggi, al contrario, essa esibisce i nuovi venuti, gli artisti lettristi riuniti attorno a Isidore Isou - Gabriel Pomerand, Maurice Lemaître, Roland Sabatier, Micheline Hachette, Alain Satié, Jean-Pierre Gillard, François Poyet, Gérard-Philippe Broutin, Woodie Roehmer, Anne-Catherine Caron, Virginie Caraven -, ai quali, col pretesto di fare rivivere l¹essenza stessa della collezione, serve da scrigno.
Roland Sabatier, Parigi, 2 febbraio 2007
estratto dal catalogo
Steve Dixon
Digital Performance:
A History of New Media in Theater,
Dance, Performance Art, and Installation
MIT Press 2007
Leonardo Books Series
The past decade has seen an extraordinarily intense period of experimentation with computer technology within the performing arts. Digital media has been increasingly incorporated into live theater and dance, and new forms of interactive performance have emerged in participatory installations, on CD-ROM, and on the Web. In Digital Performance, Steve Dixon traces the evolution of these practices, presents detailed accounts of key practitioners and performances, and analyzes the theoretical, artistic, and technological contexts of this form of new media art.
Dixon finds precursors to today’s digital performances in past forms of theatrical technology that range from the deus ex machina of classical Greek drama to Wagner’s Gesamtkunstwerk (concept of the total artwork), and draws parallels between contemporary work and the theories and practices of Constructivism, Dada, Surrealism, Expressionism, Futurism, and multimedia pioneers of the twentieth century. For a theoretical perspective on digital performance, Dixon draws on the work of Walter Benjamin, Roland Barthes, Jean Baudrillard, and others.
To document and analyze contemporary digital performance practice, Dixon considers changes in the representation of the body, space, and time. He considers virtual bodies, avatars, and digital doubles, as well as performances by artists including Stelarc, Robert Lepage, Merce Cunningham, Laurie Anderson, Blast Theory, and Eduardo Kac. He investigates new media’s novel approaches to creating theatrical spectacle, including virtual reality and robot performance work, telematic performances in which remote locations are linked in real time, Webcams, and online drama communities, and considers the “extratemporal” illusion created by some technological theater works. Finally, he defines categories of interactivity, from navigational to participatory and collaborative. Dixon challenges dominant theoretical approaches to digital performance--including what he calls postmodernism’s denial of the new--and offers a series of boldly original arguments in their place.
Steve Dixon is Professor of Performance and Head of the School of Arts, Brunel University
RADAR_incontri tra arte e architettura
a cura di Emanuele Piccardo / archphoto.it
con Museo d'Arte Contemporanea di Villa Croce
Accademia Ligustica di Belle Arti
12 aprile-31 maggio 2007
tutti i giovedì alle ore 17,30
Museo d'Arte Contemporanea di Villa Croce
Via Jacopo Ruffini, 3-Genova
Il radar è lo strumento per individuare sulla mappa geografica le realtà artistiche e architettoniche che navigano nel mare della contemporaneità. Partire, dunque, dalla relazione tra arte e architettura, non certo nel senso letterale che per molti anni ha accompagnato la storia delle due discipline, ma declinare questa relazione attraverso l'invito rivolto ad artisti e architetti del panorama italiano ed europeo. Invito a doppio senso in cui si confrontano due atteggiamenti: il primo comprende architetti che operano concettualmente come artisti; il secondo vede artisti che lavorano nella città e nel paesaggio con un atteggiamento fortemente progettuale che mira a costruire spazi architettonici.
In questo senso il ruolo delle avanguardie è stato fondamentale nel creare nell'architetto un approccio artistico al fare architettura; inteso più come modalità concettuale piuttosto che superficiale analogia formale e linguistica. Basta pensare alle relazioni tra la pittura espressionista e l'architettura di Erich Mendelson, tra il neo-plasticismo di De Stijl e le prime architetture di Mies van der Rohe e dei razionalisti, fino ai radicali fiorentini e le neo-avanguardie.
La storia dell'architettura ha dimostrato che, superate le avanguardie, dopo la fine del moderno, nel decennio sessanta-settanta c'è "l'esigenza di una rifondazione concettuale del campo disciplinare-afferma Gianni Pettena-che progressivamente si sviluppa in un percorso in cui si sperimenterà un diverso approccio alla ricerca di equilibrio tra le poetiche e le prassi, tra le intuizioni formali e le necessità d'uso, in una serie di esperienze che si svolgeranno in architettura con un costante riferimento alle contemporanee esperienze nel campo delle altre arti[…]
"Isozaki, Hollein, Coop Himme(l)blau, Eisenman, Gehry, Mendini, Peter Cook, anticipatori in quegli anni di teorie e linguaggi allora considerati velleitari o visionari-continua Pettena-così come Koolhaas, Tschumi, Ito, Libeskind, Hadid sono oggi attori e protagonisti di una nuova e vitale scena architettonica che…si avvale tuttavia di nuovi canoni estetici messi progressivamente a punto dalle avanguardie della seconda metà di questo secolo".
Proprio alla fine degli anni sessanta accadono eventi importanti nell'architettura in Francia, Gran Bretagna e Italia, dove la sperimentazione di nuovi linguaggi alternativi al movimento moderno origina: l'architettura radicale a Firenze (Ufo, Archizoom, Superstudio, 9999, Ugo LaPietra...), Utopie Group e Yona Friedman a Parigi, gli Archigram e gli Smithson a Londra.
Proprio in quegli anni l'arte e l'architettura sono più che mai vicine come accade in campo artistico con il gruppo T che realizza, nel '59, il "Grande oggetto pneumatico" (una serie di tubi che invadono lo spazio) ripreso nel '68 dal gruppo radicale Ufo con l'Urboeffimero realizzato davanti al duomo di Firenze. E oggi?Come è cambiato il rapporto tra arte e architettura?
Per provare a dare delle risposte sono stati invitati tre architetti, Lucia e Dario Bartolini/Archizoom, Anna Rita Emili/altro_studio, Maria Giuseppina Grasso Cannizzo; tre artisti: Fabrizio Basso, Boris Bakal, Silvia Cini.
Anna Rita Emili fonda altro_studio (www.altro-studio.it) nel 1998 con l'artista Aldo Innocenzi, fin dall'inizio concentra la sua ricerca in architettura in movimento e architettura del movimento;il suo atteggiamento progettuale ha evidenti relazioni sia con l'arte cine-visuale sia con la land-art.
Maria Giuseppina Grasso Cannizzo, riflette sul tema dell'abitare concependo lo spazio come un insieme di oggetti plastici che si compenetrano in cui sono evidenti i rimandi con " l'arte ambientale californiana degli anni settanta per l'uso direzionato della luce e i volumi spaziali di pura atmosfera luminosa..."
Lucia e Dario Bartolini fanno parte del gruppo Archizoom Associati fondato insieme a Andrea Branzi, Gilberto Corretti, Massimo Morozzi, Paolo Deganello; dopo l'esperienza collettiva, terminata nel 1973, hanno continuato un loro percorso contiguo all'arte ambientale. Dario Bartolini realizza, dal 1993, una serie di "sculture" in filo di ferro piegato che dialogano con il paesaggio. "Il filo è un buon veicolo di pensieri di forme tridimensionali, l'equivalente di un disegno o di un gesto elementare: un gesto pensato nel suo prender forma".
Fabrizio Basso, artista, usa fin dal 1993/94 l'installazione audio risultato di intercettazioni telefoniche ed autore di "Fuck tv", una delle prime street tv italiane. "Lavoro con la radio e il segnale televisivo, come mezzo artistico e più volte mi sono lasciato affascinare dai luoghi e dalla loro memoria".
Silvia Cini, artista, lavora sul concetto di arte relazionale in cui la valenza politica delle sue azioni è preponderante. Tra i suoi lavori si ricorda Microclimi-Microcosmi. "Una serra strabordante di colori e profumi di orchidee e tillansie epifite piante che hanno solo radici aeree e che vivono appoggiandosi ad altre piante (dal greco epi sopra - fitos vivere), quindi libere di muoversi attraverso il vento e di fermarsi ovunque, purché trovino o siano ricostruite per loro le condizioni necessarie e sufficienti per vivere: il microclima specifico. Nella traccia audio, la voce dell'artista, racconta di microclimi e microcosmi, di condizioni di appartenenza e di sopravvivenza, di possibilità di adattamento, di libertà, di collaborazione".
Boris Bakal, artista, attore teatrale, regista, lavora sul concetto di arte relazionale attraverso progetti di attraversamento della città, dapprima a Bologna con il collettivo Orchestra Stolpnik, ora a Zagabria con Bacaci Sienki.Ha concentrato la sua riflessione sul quartiere progettato a Zagabria negli anni cinquanta da Ivo Vitic, attraverso performance teatrali e coinvolgimento diretto dei cittadini definisce un nuovo immaginario del quartiere.
Massimiliano Cappuccio
L'UOMO, LA MACCHINA, L'ENIGMA.
PER UNA GENEALOGIA DEL'INCOMPUTABILE
Alboversorio 2005
Collana "Pragmata"
Nel 1936 Alan Turing propose la sua Tesi sulla Computabilità, un risultato della logica matematica destinato a cambiare il mondo degli uomini, proiettandolo verso il futuro delle tecnologie informatiche. Eppure la Tesi di Turing contiene un presupposto nascosto sulla natura semiotica del simbolo, un segreto che affonda le sue radici nelle origini ancestrali della scrittura e nel passato più remoto della speculazione filosofica impegnata a decifrare l'enigma del Nulla e della sua essenza. L'invenzione delle meravigliose macchine pensanti, che furono sognate da Leibniz e che vennero costruite dallo stesso Turing, è ancora in debito nei confronti di questo segreto. Il libro, scrive Carlo Sini nella Prefazione, propone un percorso di "originale audacia e singolare freschezza", articolato in modo interdisciplinare e polimorfico: un viaggio che attraversa la storia del pensiero per ricostituire il senso autentico dell'impresa informatica, ripercorrendo le multiformi avventure del segno, esplorando la ricchezza delle tradizioni ideografiche, tornando all'epoca dell'oralità e dei miti omerici e al dibattito sull'alfabetismo, esploso nell'età della sofistica e di Platone, e giungendo infine alla cruciale nascita dello Zero.
Per scoprire e documentare un senso nuovo per le nozioni di "algoritmo", "codice", e "formalismo", vengono qui indagati gli usi concreti di quegli stratagemmi crittografici che furono ideati da strateghi come Giulio Cesare o Sun Tzu, e che vennero poi impiegati dalla marina del Terzo Reich. Il saggio offre un'introduzione efficace e chiara al senso degli affascinanti teoremi matematici dai quali dipende la possibilità dell'idea stessa di intelligenza artificiale, concludendo con un'ipotesi stimolante sui fondamenti esperienziali dei formalismi della logica.
Massimiliano Cappuccio svolge un dottorato di ricerca presso l'Università degli Studi di Pavia. Autore di alcuni contributi su temi di filosofia contemporanea, filosofia della mente, semiotica e grammatologia, ha fondato e codirige la rivista di filosofia "Chora". Per AlboVersorio ha già curato il volume L'eredità di Alan Turing. Cinquant'anni di intelligenza artificiale
Marie Luise Gothein
STORIA DELL'ARTE DEI GIARDINI.
I. DALL'EGITTO AL RINASCIMENTO IN ITALIA, SPAGNA E PORTOGALLO.
II. DAL RINASCIMENTO IN FRANCIA FINO AI NOSTRI GIORNI
A cura di Massimo De Vico Fallani, Mario Bencivenni
Olschki 2006
Collana "Giardini e paesaggio"
Pubblicato la prima volta nel 1914 (del 1926 la seconda e definitiva edizione) Geschichte der Gartenkunst può essere considerato una pietra miliare nell'ambito della storiografia sui giardini. Dopo la serie ottocentesca di trattati, di carattere tecnico e di saggi limitati a temi specifici geografici o stilistici, la monumentale opera di M.L. Gothein (1863-1931) è stata la prima a porre il problema di una discussione globale sull'Arte dei Giardini di tutti i tempi.
Il suo intento è quello di affrancare questa materia dalla dimensione pittoresca e connetterla a quella scientifica: leggere l'Arte dei Giardini in chiave filologica sotto il profilo di uno sviluppo storico. Un risultato pienamente conseguito con i due volumi che illustrano, in sedici capitoli, un excursus di ampio respiro dai giardini nell'antichità alle principali correnti dello sviluppo dei giardini all'inizio del XX secolo. Un classico quindi la cui attualità è confermata anche dalle numerose riedizioni tedesche e dalla edizione anglo-americana, ma che non è mai stato tradotto in Italia. L'edizione italiana colma questa lacuna e riproduce il testo della seconda e definitiva edizione tedesca del 1925, arricchito da un saggio introduttivo di M.De Vico Fallani dedicato alla personalità e all'opera della Gothein, da un aggiornamento sui giardini italiani nel '900 di Mario Bencivenni, e da apparati bibliografici e di indici dei nomi e dei luoghi.
Massimo de Vico Fallani è architetto funzionario del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, dove presta servizio dal 1980,occupandosi continuativamente dei parchi e giardini storici e di parchi archeologici. Ha pubblicato diversi saggi storici sui giardini pubblici, ed ha curato numerosi restauri di giardini e sistemazioni paesaggistiche di aree archeologiche romane.
Mario Bencivenni , docente al Liceo Artistico di Firenze e alla Facoltà di Architettura Civiledel Politecnico di Milano, accademico d'onore dell'Accademia delle arti del disegno di Firenze, nel 1999 è nominato Ispettore Onorario ai monumenti di Firenze. Ha all'attivo numerose pubblicazioni di storia dell'architettura, del restauro e della tutela, e di storia dei giardini pubblici.
mercoledì, aprile 11, 2007
"If you don't stand for something, you'll fall for anything."
curated by Dean Daderko
EFA Gallery
323 West 39th Street, 2nd Floor - New York
April 13 - May 19, 2007
Everything in the world began with a yes. One molecule said yes to another molecule and life was born.
--Clarice Lispector, from The Hour of The Star, 1977
The Elizabeth Foundation for the Arts Gallery is pleased to announce a new exhibition curated by Dean Daderko, “If you don’t stand for something, you’ll fall for anything.” which explores the productiveness and positivity of saying “no,” and the interrelationships of emotion and politics.
A free downloadable catalogue featuring A False Sense of Singularity, a conversation between Emily Roysdon (artist and co editor of LTTR) and Dean Daderko, is available at
http://www.circle-and-square.com/outbox/daderko.cat.EFA.pdf
Dean Daderko is a curator based in New York. His most recent projects include This Strangest of Theaters: A Townhall Meeting on Politics and Emotion, co-organized with Gregg Bordowitz for Roebling Hall in Williamsburg, Brooklyn, and “Can I get a witness?” at Longwood Arts Center in the Bronx, New York. He has also curated events and exhibitions for Art in General, The Kitchen, and Artists’ Space in New York, the Center for Contemporary Art in Vilnius, Lithuania and Vox Populi Gallery in Philadelphia.
K8 Hardy is a performance artist, experimental video and filmmaker, and co-founding editor of the feminist journal LTTR. Her work has been exhibited at the Moscow Biennial of Contemporary Art, 2007; the Institute of Contemporary Art, Philadelphia, PA (Locally Localized Gravity, 2007); the Tate Modern, London (Media Burn, 2006); the Los Angeles County Museum of Art (Eat The Market, 2006); and at Reena Spaulings Fine Art, New York (Beautiful Radiating Energy, 2004). Her films have been screened at The Kitchen in New York, Le Magasin in Bordeaux and Film Casino in Vienna. Hardy was a studio fellow of the Whitney Museum of American Art’s Independent Study Program in 2003.
Sharon Hayes’ work is an ongoing investigation into the interrelations between history, politics and speech. She employs conceptual and methodological approaches borrowed from practices such as performance, theater, dance, anthropology and journalism. Her work has been exhibited in New York at P.S.1 Contemporary Art Center, Art in General, the New Museum of Contemporary Art, Artists’ Space, Parlour Projects and Andrew Kreps Gallery. Her work has been seen in exhibitions in Florida, Texas, Vermont, Bogota, Berlin, Copenhagen, Malmo, Vienna, Vancouver and Zagreb, as well as in 45 lesbian living rooms across the United States. More information is available at http://www.shaze.info.
Ivan Monforte is a NYC-based interdisciplinary artist working primarily in video, performance, printmaking and embroidery. His art uses simple gestures and materials, as well as emotional language and content, as strategic tools to address themes of loss and mourning, representations of gender, race and sexuality, as well as the pursuit of love. His is a recipient of a UCLA Art Council Award and a fellowship to attend the Skowhegan School of Painting and Sculpture. His work has been featured in exhibitions at Longwood Arts Project; at Artists Space as part of PERFORMA05; the Bronx Museum of Art and the Queens Museum of Art.
Judi Werthein was born in Buenos Aires, Argentina and lives and works in New York City. She has had solo exhibitions at Centro Cultural Borges in Buenos Aires; the Chinati Foundation in Marfa, TX (Thoughts Come To Mind, 2003); the Bronx Museum of the Arts (Manicurated, 2002); and Parlour Projects in Brooklyn (Split Screen, with Lucas Michael, 2002). Her work has also been seen in the Bienal de Pontevedra, Galicia, Spain, 2006; On Mobility, de Appel, Amsterdam, 2006; 24/7: Visa Para – Vilno/Nueva York, Center for Contemporary Art, Vilnius, Lithuania, 2003; and the Bienal de la Habana, Havana, Cuba, 2000, as well as in exhibitions at the Kölnischer Kunstverein, Cologne, Germany; Center for Curatorial Studies, Bard College, Annandale-on-Hudson, NY; and the Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
This exhibition is presented by the EFA Gallery, a program of The Elizabeth Foundation for the Arts. With additional support from The Helen Keeler Burke Charitable Foundation, Peter C. Gould, Materials for the Arts, and Carnegie Corporation Inc. and many generous individuals.
The EFA Gallery is a curatorial project space. Through the gallery, The Elizabeth Foundation for the Arts supports the creative work of independent curators. Curators build the framework in which we understand artists and the art they make. At their best, they redefine how we look at culture. The Elizabeth Foundation for the Arts believes in the essential importance of art in a civil society. The value of the artist's creative spirit is not limited by age, race, nationality or acceptance by others.
Ekkehart Krippendorff
Shakespeare politico
Fazi 2007
Collana "Le Terre/Scritture"
Shakespeare politico si articola in dodici saggi su altrettante opere di William Shakespeare, dall'Amleto al Re Lear, dal Macbeth alla Tempesta. In ciascuno di essi, con la sua caratteristica chiarezza, passione e precisione, Ekkehart Krippendorff analizza ciò che dell'opera in questione è ancor oggi prezioso per comprendere i meccanismi del potere. Per Krippendorff, infatti, la produzione drammatica di Shakespeare è un pozzo inesauribile di intuizioni in campo politico e i suoi testi offrono risposte inedite e illuminanti a domande sempre diverse, comprese le più complesse e attuali, in particolare riguardo alla questione del sempre difficile rapporto fra governanti e governati. Per esempio, l'ascesa e il tramonto di Riccardo III corrispondono con affascinante accuratezza alle sorti di tante carriere dei leader di oggi. O ancora: l'Amleto sarebbe davvero incomprensibile senza lo sfondo politico e le questioni morali che riguardano la vendetta e la rivalsa legate alla conquista e al mantenimento della sovranità. Ed è proprio la sovranità il concetto chiave dell'originale analisi di Krippendorff, che legge l'universo dei drammi shakespeariani come una lunga serie di variazioni sul tema della conquista, dell'esercizio e della perdita del potere. Il libro è arricchito da una prefazione dell'autore, che individua possibili chiavi di lettura "shakespeariane" dei tragici accadimenti degli ultimi anni.
"Il fatto che in ogni periodo, in ogni epoca, durante ogni sconvolgimento sociale Shakespeare appaia sempre più moderno è quanto di più straordinario ed esaltante ci sia in questo "enorme mistero del quale l'umanità non potrà mai venire a capo"."
Mercoledì 11 aprile 2007 nella sala III della Biblioteca Universitaria (Via Balbi 3 e 38B), alle 17, Ekkehart Krippendorff terrà una conferenza sul tema "Politica e libertà in Shakespeare".
Presentazione di Massimo Bacigalupo dell'Università di Genova.
Angelo Capasso
Opere d'arte a parole.
Dialoghi sull'arte contemporanea
Meltemi 2007
Collana "Le Melusine"
L'opera d'arte parla tacendo. Ma cosa accade se un critico prova a imbastire un dialogo con l'artista, si tratti di un artista concettuale, di un fotografo, di un pittore neoespressionista, di un performer, di un regista o di un rocker? Le reazioni sono le più diverse: dallo scetticismo alla diffidenza, dalla timidezza all'ironia. Inevitabilmente, sulle prime l'artista vive l'imbarazzo di dover dichiarare quanto in realtà non può chiarire. Del resto, cosa è possibile aggiungere su quanto parla da sé? Tuttavia, se ben condotto, l'incontro può riuscire nel miracolo di toccare l'opera a distanza attraverso la voce di chi l'ha prodotta. Perché il fascino del dialogo tra artista e critico sta in quel muoversi su un terreno aperto, mutevole, raccogliendo ogni dubbio, lasciando spazio all'empasse, procedendo verso una scoperta mai definitiva. In questo scambio, il referente del dialogo è certo l'opera, ma è la personalità dell'artista a venire fuori: ogni dialogo è un potenziale ritratto che si compone attraverso dettagli diversi, recitati dalla voce. Mentre l'opera, attraverso l'artista, si manifesta a poco a poco in una trama fatta di dati storici: mostre, eventi, pubblicazioni, aneddoti, teorie, storie personali o riferimenti al sociale.
Marco Vozza
A debita distanza
Diabasis 2007
Collana "Scritture"
Un'unica, intensa, incoercibile volontà di sottrazione alle ordinarie dinamiche del mondo accomuna Kleist, Kierkegaard e Kafka, solidali nell'intento di prender congedo dalle rispettive fidanzate o, perlomeno, di mantenerle rigorosamente a debita distanza. L'ambivalenza della solitudine - subìta ma anche ricercata - è esemplificata da una parabola di Schopenhauer: "Una compagnia di porcospini, in una fredda giornata d'inverno, si strinsero vicini vicini, per proteggersi, col calore reciproco, dal rimanere assiderati. Ben presto, però, sentirono le spine reciproche: il dolore li costrinse ad allontanarsi di nuovo l'uno dall'altro. Quando poi il bisogno di riscaldarsi li portò di nuovo a stare insieme, si ripeté quell'altro malanno, di modo che venivano sballottati avanti e indietro fra due mali, finché non ebbero trovato una moderata distanza reciproca, che rappresentava per loro la migliore posizione". Il dilemma originario dei porcospini sembra adattarsi bene al senso della nostra esperienza: la solitudine è intollerabile, ma gli aculei della vicinanza sono ancor più dolorosi.
La poesia scapigliata
a cura di Roberto Carnero
Rizzoli 2007
Collana "BUR - Bublioteca Universale Rizzoli"
Spesso definita la prima "avanguardia" italiana, la Scapigliatura è il movimento artistico-letterario sviluppatosi negli anni '60 e '70 dell'Ottocento. Attivi a Milano (ma non solo), questi autori maledetti interpretano un profondo disagio nei confronti della società borghese e capitalistica. Eredi di Baudelaire, sprezzanti verso la religione tradizionale come pure verso la nuova scienza positivista, gli Scapigliati preludono alle esperienze più mature del Decadentismo e del Simbolismo. Questo volume presenta un'ampia scelta commentata delle opere poetiche più significative della Scapigliatura. Tra gli autori selezionati, accanto ai tre"maggiori" (Praga, Boito, Tarchetti), gli altri di area milanese e lombardo-veneta (Ghislanzoni, Gualdo, Zendrini, Salmini, Pinchetti, Fontana, Cavallotti, Turati); i piemontesi (Camerana, Cagna, Molineri); i campani (Torelli); gli emiliano-romagnoli (Guerrini) e i liguri (Zena).
martedì, aprile 10, 2007
BD Reporters
Centre Pompidou
Place Georges Pompidou, 1 - Paris
20 décembre 2006 - 23 avril 2007
Le Centre Pompidou met à l'honneur la bande dessinée. Parallèlement à l'exposition Hergé, l'exposition BD Reporters réunit croquis, planches de bande dessinée, photos et dessinateurs.
BD Reporters explore ces nouveaux territoires où la réalité rattrape la bande dessinée, du carnet de voyage au reportage et invite à explorer la relation entre le voyage et le dessin.
Les dessinateurs partent en voyage : que vont-ils nous restituer de leur expérience particulière ? Que regardent-ils ? Que choisissent-ils de représenter ? Quelles formes prend leur écriture?
L'exposition débute avec le travail d'Edmond Baudoin, arpenteur du paysage, qui propose « Le chemin de St Jean », un certain imaginaire de la marche, un peu dans le sens du marcheur d'Alberto Giacometti, comme une ouverture au voyage et au dessin : abandonner les idées préconçues, ouvrir les yeux et les oreilles, un carnet de croquis en poche.
Puis le voyage se poursuit avec la fantaisie de Jano en ballade à Rio de Janeiro, au Brésil, avec la quête d'identité de Johanna qui retrouve ses racines à Taïwan ou encore le retour en Algérie de Jacques Ferrandez dont il garde mémoire.
Une des thématiques principales de l'exposition est le reportage de la guerre en Bosnie avec, entre autres, le dessinateur Joe Sacco, emblématique de la bande dessinée de reportage, qui présente planches originales, documents de référence et croquis réalisés sur place. Ou encore le témoignage d'Etienne Davodeau sur une grève à Brest en avril 1950. Trois ans d'enquêtes, d'écriture, de dessins, de rencontres ont été nécessaires à l'élaboration de l'ouvrage « Un homme est mort ». Travail journalistique qui peut être opposé à l'approche contemplative, hors du temps, de Loustal pour qui le dessin de voyage est un pur plaisir. Quand il est bien dans un endroit, ce globe-trotter prolonge ce moment en prenant un carnet et en dessinant ce qu'il a devant lui.
Le parcours de l'exposition se termine avec « L'Homme qui marche ». Un dessin tout en finesse de Jiro Taniguchi qui prend le temps de voir ce que les autres ne voient plus, un temps d'observation et de silence.
A noter que Cabu, représentant de toute une génération de critique journalistique, a réalisé, pour l'occasion, une série de planches consacrées au Centre Pompidou.
Avec des planches de…
Edmond Baudoin, Cabu, Nicolas de Crécy, Étienne Davodeau, Guy Delisle, Dupuy – Berberian, Jacques Faton, Jacques Ferrandez, Gérald Gorridge, Guibert/Lefèvre/Lemercier, Jens Harder, Simon Hureau, Jano, Loustal, Xavier Lowenthal, Michaël Matthys, Lorenzo Mattotti, Joe Sacco, Johanna Schipper, Jiro Taniguchi, Troub's, Georges Wolinski
Giovanni Solari
Galleria d'arte Il Basilisco
Vico Del Duca 24r - 16124 Genova
dal 12 aprile al 12 maggio 2007
A cento anni dalla sua nascita, e a due anni di distanza dall’esposizione svoltasi alla Biblioteca Berio, dedicata sia alle sue opere sia ai carteggi con artisti e intellettuali del Novecento ligure, una mostra di 18 tempere su carta che si terrà presso la Galleria d’arte il Basilisco dal 12 aprile al 12 maggio, a ingresso gratuito, ricorderà il pittore genovese Giovanni Solari, scomparso nel 1998.
Nato nel 1907, pronipote del pittore Bartolomeo Giuliano, Solari ha frequentato giovanissimo l’Accademia Ligustica di Belle Arti per poi spostarsi a Milano e conseguire la maturità artistica presso l’Accademia di Brera. La sua attività ha inizio nel 1929 con una personale a Varazze, e si intensifica negli anni Trenta e Quaranta, periodo durante il quale espone presso le maggiori rassegne nazionali, dalla Biennale di Venezia alla Triennale di Milano. In questo periodo Solari inizia a frequentare pittori e letterati suoi contemporanei: ricordiamo, fra gli altri, il poeta Camillo Sbarbaro, Lucia e Paolo Rodocanachi, Eso Peluzzi, lo scultore Nanni Servettaz, il pittore Onofrio Martinelli e la moglie, la pittrice Adriana Pincherle, Oscar Saccorotti e Dino Gambetti, con i quali stringerà rapporti di profonda amicizia. Con Saccorotti, in particolare, oltre a dedicarsi dal 1947 al 1953 alla pittura murale eseguendo affreschi, tempere e decorazioni in locali pubblici e privati, ha esposto nel 1953 a Bruxelles presso la galleria “Ex Libris”.
L’attività di Solari si è infatti svolta per lungo tempo anche all’estero e oggi suoi quadri figurano in vari edifici pubblici, gallerie d'arte e collezioni private in Italia, Francia, Germania, Norvegia, Svizzera, a New York e in Sud America. Espressive testimonianze dei viaggi dell’artista sono le tempere dedicate a Parigi, che, insieme con opere raffiguranti fiori, rappresenteranno l’oggetto della mostra al “Basilisco”. Una scelta, questa, dettata dalla volontà di ricordare l’artista tanto attraverso dipinti particolarmente rappresentativi della sua attività quanto tramite lavori in certa misura inediti, o quantomeno ancora poco conosciuti.
"Se la rappresentazione di Parigi e, più in generale, il tema paesaggistico rappresenta uno dei leitmotiv della pittura di mio padre, più rari sono i dipinti raffiguranti fiori, cui si è dedicato sia in studio a Genova, sia durante i suoi frequenti soggiorni in alta Val di Susa, dove spesso amava ritirarsi per lavorare" – commenta la figlia Maria Teresa.
Particolarmente emblematica della modalità espressiva di Giovanni Solari è invece la tecnica con la quale i dipinti in mostra sono stati realizzati, come testimoniato dalle parole del critico Gianfranco Bruno, che, parlando della sua opera, ha osservato: "Ciò che non è venuto mai meno, in questa pittura, è la continua invenzione cromatica, sostenuta da un talento d'eccezione, e il rigoroso controllo della forma. Spinto dalle necessità di un talento che aveva nella rapidità dell'esecuzione una sua dote, Solari ha finito con il prediligere, tra le tecniche della pittura. la tempera". Una tecnica, questa, particolarmente difficile e raramente adottata che Solari padroneggiava magistralmente.
Franco Buffoni
Con il testo a fronte.
Indagine sul tradurre e l'essere tradotti
Interlinea 2007
Collana "Biblioteca"
Sono trascorsi trent'anni da quando George Steiner con "Dopo Babele" irruppe nel dibattito traduttologico proponendo istanze legate all'ambito estetico in un settore di ricerca allora dominato dai formalismi novecenteschi. Uno dei maggiori studiosi italiani di scienza della traduzione, poeta e direttore dal 1989 del semestrale "Testo a fronte", ripercorre la storia di questi trent'anni di traduttologia in un saggio di grande rigore scientifico, ma anche profondamente aperto al colloquio fecondo coi poeti e al dialogo col lettore. Un lettore immaginato colto e appassionato, ma non necessariamente specialista: certo in grado di cogliere e apprezzare i numerosi testi e avantesti qui presentati a esemplificare i concetti di ritmo e di poetica, di intertestualità e di movimento del linguaggio nel tempo.
Hans Jonas
CONOSCERE DIO. UNA SFIDA AL PENSIERO
a cura di Claudio Bonaldi
prefazione di Claudio Ciancio
Alboversorio 2007
Collana "Studi"
È possibile conoscere Dio? Per lo gnosticismo, di cui Hans Jonas è stato uno dei massimi esperti, questa era l'unica via per la salvezza. Ma come si colloca il filosofo di fronte a questa esperienza-limite? Si può semplicemente negarla considerandola illusione oppure il rapporto tra uomo e Dio determina la stessa essenza umana nella sua natura più propria? Quali sono dunque i limiti della conoscenza quando il sapere si interroga su tali tematiche? Sono queste le domande che animano gli inediti jonasiani qui per la prima volta presentati e tradotti: il pensiero è condotto ai confini del conoscibile e deve riconoscere la propria insufficienza ad andare oltre. Lo gnosticismo, il cristianesimo di Paolo, la fenomenologia ermeneutica di Heidegger tematizzano per Jonas un medesimo atteggiamento esistenziale, una radicale auto- interrogazione che spinge l'esistenza a svelarsi nella sua più autentica natura.
Hans Jonas (Mönchengladbach, 1903 - New York, 1993), filosofo e storico delle religioni tedesco di origine ebraica, allievo di Husserl, Heidegger e Bultmann, ha insegnato in Israele, Canada e, dal 1955 al 1976, a New York, alla New School for Social Research. I suoi primi interessi sono rivolti all'esame dello gnosticismo quale fenomeno peculiare del mondo tardo- antico (Gnosis und spätantiker Geist, 1934-54), cui segue l'elaborazione di una "biologia filo- sofica" (Organismo e libertà, 1966, 1973). Il riconoscimento della precarietà dell'esistenza di fronte alle crescenti capacità tecnologiche dell'uomo lo porta da ultimo a occuparsi di questio- ni etiche e bioetiche (Il principio responsabilità, 1979; Tecnica, medicina ed etica, 1985).
Massimo Donà
L'ESSERE DI DIO. TRASCENDENZA E TEMPORALITA'
Alboversorio 2007
Collana "Filosofia e Teologia"
Una folle pretesa ? Una sfida smisurata ? Certo, dedicare un volume ad una riflessione sull'essere di Dio potrebbe sembrare quanto meno azzardato. Eppure, si sia onesti: come si può pretendere di 'fare filosofia' senza arrischiarsi a nominare la parola su cui ogni filosofia 'degna di questo nome' ha giocato la propria partita definitiva ? Come non risolversi a tematizzare la questione ontologica in relazione a quel fondo abissale del pensiero che non solo Agostino o Tommaso, ma già Platone e Aristotele chiamavano 'Dio' ? Per noi, comunque, si tratta della naturale conseguenza di un itinerario speculativo iniziato con Sull'assoluto. Per una reinterpretazione dell'idealismo hegeliano (Einaudi, Torino 1992), e continuato poi con Aporia del fondamento (La Città del Sole, Napoli 2000), Aporie platoniche. Saggio sul 'Parmenide' (Città Nuova, Roma 2003) e Sulla negazione (Bompiani, Milano 2004).
Forse un piccolo passo avanti… sicuramente maturato dalla convinzione secondo cui la struttura aporetica del "fondamento" non mette affatto fuori gioco il paradosso della 'trascendenza', costringendo piuttosto a rideterminarlo, in relazione alla struttura originariamente temporale della verità.
lunedì, aprile 09, 2007
Sol LeWitt, Master of Conceptualism, Dies at 78
By Michael Kimmelman
New York Times - April 9, 2007
Sol LeWitt, whose deceptively simple geometric sculptures and drawings and ecstatically colored and jazzy wall paintings established him as a lodestar of modern American art, died yesterday in New York. He was 78 and lived mostly in Chester, Conn.
The cause was complications from cancer, said Susanna Singer, a longtime associate.
Mr. LeWitt helped establish Conceptualism and Minimalism as dominant movements of the postwar era. A patron and friend of colleagues young and old, he was the opposite of the artist as celebrity. He tried to suppress all interest in him as opposed to his work; he turned down awards and was camera-shy and reluctant to grant interviews. He particularly disliked the prospect of having his photograph in the newspaper.
Typically, a 1980 work called “Autobiography” consisted of more than 1,000 photographs he took of every nook and cranny of his Manhattan loft, down to the plumbing fixtures, wall sockets and empty marmalade jars, and documented everything that had happened to him in the course of taking the pictures. But he appeared in only one photograph, which was so small and out of focus that it is nearly impossible to make him out. His work — sculptures of white cubes, or drawings of geometric patterns, or splashes of paint like Rorschach patterns — tested a viewer’s psychological and visual flexibility. See a line. See that it can be straight, thin, broken, curved, soft, angled or thick. Enjoy the differences. The test was not hard to pass if your eyes and mind were open, which was the message of Mr. LeWitt’s art.
He reduced art to a few of the most basic shapes (quadrilaterals, spheres, triangles), colors (red, yellow, blue, black) and types of lines, and organized them by guidelines he felt in the end free to bend. Much of what he devised came down to specific ideas or instructions: a thought you were meant to contemplate, or plans for drawings or actions that could be carried out by you, or not.
Sometimes these plans derived from a logical system, like a game; sometimes they defied logic so that the results could not be foreseen, with instructions intentionally vague to allow for interpretation. Characteristically, he would then credit assistants or others with the results. With his wall drawing, mural-sized works that sometimes took teams of people weeks to execute, he might decide whether a line for which he had given the instruction “not straight” was sufficiently irregular without becoming wavy (and like many more traditional artists, he became more concerned in later years that his works look just the way he wished). But he always gave his team wiggle room, believing that the input of others — their joy, boredom, frustration or whatever — remained part of the art.
In so doing, Mr. LeWitt gently reminded everybody that architects are called artists — good architects, anyway — even though they don’t lay their own bricks, just as composers write music that other people play but are still musical artists. Mr. LeWitt, by his methods, permitted other people to participate in the creative process, to become artists themselves.
Jardin d'Amour
Une installation de Yinka Shonibare
Musée du Quai Branly
37 quai Branly, 75001 Paris
03/04/2007 > 08/07/2007
La publication du Voyage autour du Monde de Louis Antoine de Bougainville date de 1771 ; Le Supplément au voyage de Bougainville de Diderot fut écrit en 1772, il circula des copies mais l'édition ne sortit qu'en 1795. Fragonard qui peignait au même moment pour le Pavillon de Madame du Barry à Louveciennes Les progrès de l'amour pouvait philosopher dans le brouillard comme les deux protagonistes du Supplément au voyage de Bougainville, A et B, sur « notre vieux domicile et ses habitants » : le goût changeant, il dût remballer ses toiles frivoles tandis que sa protectrice préférait s'adresser au peintre Joseph-Marie Vien dont les sages compositions à l'antique étaient plus au goût du jour…
Yinka Shonibare, MBE s'est glissé dans cette histoire de l'art et des idées ; avec son humour tout britannique il se plait à la subvertir. Au premier contact ces « conversation pieces » qui sont ici doublement dévoyées (par Fragonard et par Yinka Shonibare, MBE) font illusion : l'amateur y reconnaît des tableaux connus et le public un XVIIIe siècle de convenance, charmant, ardent et fastueux qui se perd dans les caresses d'un doux clair obscur d'ombrages civilisés. Mais les ambiguïtés sautent aux yeux malgré l'admirable précision du faire : les étoffes ont expérimenté la globalisation commerciale avant de s'identifier à la fantaisie africaine, et on comprend vite en observant les protagonistes que l'on perd aussi doublement la tête à ce jeu là…
Paradoxe de l'altérité que souligne le vieillard du Supplément au voyage de Bougainville: « Pleurez, malheureux Taïtiens ! mais que ce soit de l'arrivée, et non du départ de ces hommes ambitieux et méchants : un jour vous les connaîtrez mieux. Un jour, ils reviendront (…) vous enchaîner, vous égorger ou vous assujettir à leurs extravagances et à leurs vices ; un jour vous servirez sous eux, aussi corrompus, aussi vils, aussi malheureux qu'eux ».
L'anachronisme est d'autant plus troublant qu'il s'avère immuable. Yinka Shonibare, MBE le manipule avec esprit, sans agressivité, mais son œuvre a, insidieusement, la violence d'un froid réquisitoire. Yinka Shonibare, MBE est, qu'il le veuille ou non, ici et là-bas ; il a connu l'aisance de la haute société yorouba, et aussi la souffrance physique, et la difficulté de s'affirmer comme artiste britannique et international tout en étant noir, c'est-à-dire, pour les blancs, irrémédiablement autre. Le voici paradoxalement mais réellement MBE !
Irrémédiablement ? Le monde change, en effet, qui s'uniformise tout en recherchant ses sources vives. Les mannes de la richesse intellectuelle et financière ne sont plus seulement d'un seul bord.
En privilégiant les questionnements, le musée du quai Branly, souhaite rompre peu à peu les idées reçues quelles qu'elles soient, académiques, historiques, nationales, etc. La perception des artistes, leur capacité de subvertir les fausses évidences est fondamentale dans ce travail de déchiffrement. Il y a quelques mois, Romuald Hazoume, depuis Porto Novo, jetait son cri d'alarme par La Bouche du Roi ; Michael Parekowhai et Fiona Pardington proposaient leurs énigmes sur le destin maori sur les murs du musée, tout comme les artistes australiens d'origine aborigène nous mettaient au défi de pénétrer sous « la surface des choses ». Peut-être pouvons-nous, comme le pense A dans le Supplément au voyage de Bougainville, « prendre le froc du pays où l'on va et garder celui du pays où l'on est » ?
-- Germain Viatte
Présentation de l'installation
Pour sa deuxième exposition d'art contemporain, le musée du quai Branly accueille l'artiste londonien d'origine nigériane Yinka Shonibare, MBE avec un étonnant « Jardin d'amour » réalisé pour l'occasion. Cette installation s'inspire des jardins à la française et convie le public à s'engager dans un parcours dans lequel il va surprendre, en différents endroits, des couples d'amants issus des peintures de la suite des « Progrès de l'amour » peinte en 1770 - 1771 par Jean Honoré Fragonard pour le pavillon de Madame du Barry à Louveciennes (aujourd'hui conservés à la Frick Collection de New York). Pourtant, découvrant ces personnages vêtus de costumes aristocratiques d'époque, le visiteur réalise bientôt qu'ils sont réalisés dans des tissus africains (le « wax ») et qu'il en résulte un étrange malaise. Avec cette création, Yinka Shonibare, MBE poursuit sa réflexion sur l'identité et l'histoire mêlant de façon indissociable ses deux cultures d'appartenance.
Leonardo Lippolis
La nuova Babilonia.
Il progetto architettonico di una civiltà situazionista
Costa & Nolan 2007
Il movimento situazionista è stato l'unico soggetto politico a cogliere e a seguire la trasformazione totalitaria del neocapitalismo nel suo divenire, tentando, allo scopo di deviare il corso della storia, di costruire l'ambiente favorevole all'illimitato dispiegarsi di nuove passioni. Contro l'abbrutimento obbligatorio, allora agli albori, degli stadi e della televisione, la proposta di un uso ludico del tempo liberato dal lavoro, da sperimentare negli spazi urbani esistenti e nella costruzione diretta di città in cui coltivare la propria intelligenza creativa, avrebbe dovuto avviare la rivoluzione permanente della vita quotidiana. A fronte della ormai eccezionale disponibilità di una documentazione diretta, questo libro testimonia del senso storico di questa scommessa, ripercorrendo le tappe fondamentali della grande trasformazione contemporanea avvenuta nella seconda metà dello scorso secolo. Dalla contrapposizione del gruppo CoBrA all'imperativo categorico della ragione economica imposto dal funzionalismo e codificato da Le Corbusier nell'immediato secondo dopoguerra, al momento culminante del progetto costruttivo dell'urbanismo unitario poi riconvertito nella psicogeografia della rivolta nel maggio francese, fino alla soltanto apparente vittoria simboleggiata dall'abbattimento per volontà popolare di una "macchina per abitare" corbusiana a Pruitt-lgoe nel 1972, proprio mentre l'internazionale situazionista si scioglieva.
David Ohle
L' era di Sinatra.
Un romanzo molto strano
ISBN 2007
Moldenke ha quattro cuori di pecora, ma iniziano a perdere colpi. Da bambino, per farlo tacere, sua mamma gli cuciva la bocca con ago e filo. Da allora tutto è cambiato: ci si trapianta per bellezza orecchie di maiale e si mangia dal corpo di strane creature. Un dittatore comico e terribile punisce innocenti e colpevoli, perché il crimine è un fallimento collettivo. La realtà di David Oho fa pensare a Kafka, a Beckett, a Dick. Moldenke ha quattro cuori di pecora, ma iniziano a perdere colpi. Da bambino, per farlo tacere, sua mamma gli cuciva la bocca con ago e filo. Da allora tutto è cambiato: ci si trapianta per bellezza orecchie di maiale e si mangia dal corpo di strane creature. Un dittatore comico e terribile punisce innocenti e colpevoli, perché il crimine è un fallimento collettivo. La realtà di David Oho fa pensare a Kafka, a Beckett, a Dick.
LA RIVOLUZIONE SURREALISTA
Antologia 1924-1929
Giunti 2007
Collana "Citylights"
Fondata nel dicembre del 1924 da André Breton, Louis Aragon, Pierre Naville e Benjamin Péret, La Rivoluzione surrealista è stata fino al 15 dicembre del 1929 l'organo ufficiale del movimento surrealista: quel crogiolo di idee, di grandi temi e grandi uomini che ha fatto larga parte della storia artistica, poetica e libertaria del Novecento. La Rivoluzione surrealista ha costituito non solo il momento di riferimento principale dello stesso movimento, ma anche il punto focale intorno al quale si è costruita l'esperienza dell'avanguardia artistica europea. Questo libro presenta tutti i dodici numeri della Rivoluzione surrealista riproducendone le copertine in versione italiana e fornendone alcuni testi, scelti fra i più significativi.
George Steiner
Dieci (possibili) ragioni della tristezza del pensiero
Garzanti 2007
Collana "Le forme"
Il libro di George Steiner tratta del fondo di tristezza ineluttabile che accompagna il passaggio dall'homo all'homo sapiens, di quel velo di malinconia che colora l'esistenza. Quello che si dipana in queste pagine è un pensiero che pensa sé stesso: da un lato porta alle estreme conseguenze il «Penso, dunque sono» di Cartesio, dall'altro è consapevole che il pensiero non potrà mai smettere di pensarsi fino in fondo, che ci è sempre presente e dunque non riusciamo mai ad afferrarlo davvero.
domenica, aprile 08, 2007
Keith Haring
Il murale di Milwaukee
Serrone di Villa Reale
Viale Brianza 2 - 20052 Monza
dal 31 marzo al primo luglio 2007
Continua il progetto del Comune di Monza di valorizzazione del suo Parco e della Villa Reale attraverso importanti e raffinati momenti espositivi.
Mentre è annunciata per fine aprile la mostra fotografica Obbiettivo Parco, allestita nel prato davanti a Villa Mirabello, il Serrone della Villa Reale riaprirà dopo accurati lavori di adeguamento tecnologico ospitando, dal 1° aprile al 1° luglio 2007, per la prima volta fuori dagli Stati Uniti, una delle più significative tra le opere pubbliche di Keith Haring: il murale di Milwaukee.
L’iniziativa è organizzata dal Comune di Monza – Assessorato alla Cultura e da Alef - cultural project management, in collaborazione con il Patrick and Beatrice Haggerty Museum of Art, Marquette University, Milwaukee, WI e con il contributo della Provincia di Milano - Assessorato alla Cultura e Direzione di Progetto Monza e Brianza - di A.G.A.M. (Ambiente, Gas, Acqua, Monza) e di Babygella.
Nell’aprile del 1983 Keith Haring fu invitato dall’Università Marquette di Milwaukee a creare un gigantesco murale sul luogo in cui sarebbe sorto il nuovo museo Haggerty.
Haring accettò l’invito e non appena iniziati i lavori, una grande folla di curiosi si riunì attorno all’artista che stava dipingendo.
Il murale è costituito da 24 pannelli in legno e misura trenta metri di lunghezza e due e mezzo di altezza.
L’iconografia rappresentata sull’opera è esemplificativa del suo vocabolario d’immagini semplici, che celebrano la vita, divenendo un segno distintivo del suo approccio alla pittura.
Haring riteneva che bambini e cani fossero tra le immagini più amate e riconoscibili; e così che all’inizio della sua carriera scelse queste figure proprio come firma (tag), per rendere la sua arte facilmente identificabile in mezzo a quella di altri che come lui, avevano scelto la strada come luogo in cui esprimere la propria creatività.
“All’inizio la mia firma fu un animale – Haring racconta – che diventò sempre più simile a un cane. Poi cominciai a disegnare un bambino che andava a quattro zampe e più lo disegnavo e più è diventato The Baby”.
Il murale ha entrambe le pareti dipinte. Sulla prima è raffigurata una sequenza ininterrotta di bambini a quattro zampe, in alto, e di cani che abbaiano (barking dogs), in basso.
L’altra è più complessa e presenta una maggiore varietà di immagini. Il tema dominante sono le figure danzanti ispirate ai ballerini di breakdance.
A queste si affiancano altre icone della sua arte: il televisore con le ali, il cane, l’uomo con la testa di serpente, ….
Il centro del murale è occupato da un ballerino che al posto della testa ha un televisore con il numero 83 disegnato sul monitor.
Questo lato termina a destra con un’altra delle immagini simbolo di Haring: la faccia con tre occhi che fa la linguaccia.
Il percorso espositivo sarà arricchito da fotografie e da un video che documentano le fasi della realizzazione e dai disegni fatti da Haring per l’occasione.
Catalogo Skira.
Keith Haring è stato tra gli artisti più rappresentativi della sua generazione. Figlio di Joan e Allen Haring e maggiore di quattro fratelli, nasce il 4 maggio 1958 a Kutztown, in Pennsylvania. Rivela il suo talento artistico già molto giovane e, dopo aver regolarmente frequentato le scuole superiori, entra alla Ivy School of Professional Art di Pittsburgh. Nel 1976, sull'onda della nuova contestazione giovanile e della cultura hippie, gira gli Stati Uniti in autostop, facendo tappa nelle varie città del paese allo scopo di osservare più da vicino i lavori degli artisti della scena americana. Tornato a Pittsburgh lo stesso anno, entra all'Università e tiene la sua prima importante esposizione al Pittsburgh Arts and Crafts Center.
Figlio della cultura di strada, parto felice della cosiddetta street art newyorkese, prima della sua consacrazione all'interno del mondo "ufficiale" dell'arte è stato inizialmente un emarginato. Nel 1978 entra alla School of Visual Arts di New York, diventando noto nei primi anni '80 con i murales realizzati nelle metropolitane e, più tardi, con i lavori esposti qua e là, fra Club di vario genere e "vernissage" più o meno improvvisati.
Le novità proposte dall'artista americano sono esplosive e non mancano di attirare l'attenzione degli intenditori più smaliziati. Keith Haring trasmette e inventa un nuovo linguaggio urbano, costituito da sagome quasi infantili o primitive, caratterizzate da un continuo segno nero che si rifà palesemente al fumetto.
La sua prima vera mostra personale si tiene a Shafrazi nel 1982; gli anni successivi sono densi di successi con mostre in tutto il mondo. Nell'aprile del 1986 Keith Haring apre il Pop Shop, a New York. Ormai è un artista affermato, acclamato in tutto il mondo.
Nel 1988 gli viene diagnosticato l'Aids. Con un colpo a sorpresa annuncia lui stesso la sua triste condizione in un'intervista a "Rolling Stone", incrementando così la sua già grande popolarità.
Prima della sua morte fonda la Keith Haring Foundation, che si propone tutt’oggi di continuare la sua opera di supporto alle organizzazioni a favore dei bambini e della lotta all'AIDS.
Keith Haring è morto il 16 febbraio 1990, all'età di 32 anni.
ESSI VIVONO
Guidi & Schoen
ùVico Casana 31 R. - 16123 Genova
dal 13 aprile al 12 maggio 2007
ESSI VIVONO ci riporta ad un film del 1988 di John Carpenter. Un lavoro fortemente politico che, sotto la confezione da fantascienza a basso costo, nasconde una feroce critica al sistema consumistico. Un capolavoro sulla percezione della realtà dove il cattivo è colui che veste in giacca e cravatta. Un’opera in cui gli alieni si nascondono silenziosamente in mezzo a noi. Finché qualcuno, visionario tra i normali, riesce a vederli nel loro reale aspetto mutoide.
ESSI VIVONO ci conduce oggi ad una proposta con quattro artisti dai linguaggi e dalle fisionomie eterogenee. Posizioni visive in cui l’opera mostra le apparenze del mostruoso, le molte normalità anomale, le forme devianti attorno e dentro di noi. Una posizione “scomoda” che solo l’arte elabora secondo le evoluzioni del linguaggio contemporaneo, dando al contenuto morale una qualità polivalente e un impatto catalizzante. Quattro ipotesi con cui indagare le molteplicità della bellezza e del caos attorno al corpo. Quattro strade per superare, tra l’ironico e il preveggente, la retorica della percezione quotidiana su cosa sia normale e cosa non lo sia.
KARIN ANDERSEN narra di strani personaggi teriomorfi, umanoidi erettili le cui tipologie fisiognomiche stanno mutando con modi tra il verosimile e il plausibile. Seguiamo storie di scoperta, conquista, perdita, confusione. Eventi del quotidiano in cui luoghi e oggetti dialogano con le nuove identità “aliene”. Un mondo in trasformazione dove i corpi disvelano le alterazioni da non sottovalutare. Ricordando che nulla è mai scontato, soprattutto in un mondo che sul cambiamento sta costruendo la sua versione del futuro.
ROCCO DUBBINI si adatta ai progetti con morbido eclettismo linguistico. Ricordiamo i trittici fotodigitali con i volti in mutazione stile morphing. O i lavori video e fotografici coi ragazzi down. Fino alle sculture di cerotti, ad altri progetti digitali o tridimensionali… momenti diversi ma riconducibili ad un’amplificazione morale delle diversità. La suprema dignità degli individui viventi si dispone così con ambiguità narrativa e potenza iconografica, creando nuove posizioni sociali, nuovi valori gerarchici, nuove valutazioni sulle distanze tra bellezza e normalità.
MASSIMO GIACON stratifica stili e suggestioni visive, nascondendo sotto la forma minuziosa i messaggi etici, spesso ribaltando in maniera acuta la retorica dell’occidente cattolico. Le sue immagini sono una spinta iperpop dove la normalità si gonfia nel suo delirio psicotico. Disegni, pitture, opere digitali, progetti installativi ma anche oggetti di design, videogames, fumetti, grafica: questo ed altro per plasmare i suoi personaggi “al limite”, una sorta di modellazione fisica del nostro mondo interiore, dei desideri nascosti, degli eccessi che ognuno si porta dentro.
MASBEDO (Niccolò Massazza e Jacopo Bedogni) rappresentano nella videoarte un’alchimia dove persone ed oggetti costruiscono inquadrature emozionali e catartiche. Guardi e percepisci atmosfere sospese in cui le presenze sceniche, raccogliendo la massima energia, ci conducono verso percezioni e sentimenti radicali. Dal progetto video “11.45.03” sono così nati diversi still fotografici e un globo scultoreo. Luci oscure, sentori lynchiani, inquadrature avvolgenti, sguardi ipnotici…è il pathos che si avvicina alla catarsi, l’aria che si riempie di mistero, un viaggio che è un simbolico teorema delle emozioni dilatate.
Network Art: Practices and Positions
(Innovations in Art and Design)
by Tom Corby
Routledge; 1 edition
(January 13, 2006)
Exploring emerging artistic responses to a world enveloped by the information networks, in Network Art an international group of leading theorists and artists investigate how the Internet, in the form of websites, mailing lists, installations and performance, has been used by artists to develop artwork which reflects upon the pervasive effects of a technology that has profoundly reordered our social, economic and cultural institutions.
Covering a period from the mid 1990s to the present day, this fascinating text includes key texts by historians and theorists such as Charlie Gere, Josephine Bosma, Tilman Buarmgartel and Sarah Cook, alongside descriptions of important projects by Thomson and Craighead, Lisa Jevbratt and 0100101110101101.org among many others.
Fully illustrated throughout, and including many pictures of artworks never before seen in print, Network Art represents one of the first substantial attempts to place major artist's writings on network art alongside those of critics, curators and historians. In doing so it takes a unique approach, offering the first comprehensive attempt to understand network art practice, rooted in concrete descriptions of the systems and the process required to create it.
Tegole dal cielo.
La letteratura italiana nell'opera di Beckett
a cura di Giancarlo Alfano
e Andrea Cortellessa
EdUP 2007
Collana "Antalia"
Nell'anno del centenario della nascita del Premio Nobel per la Letteratura Samuel Beckett, questo studio offre una sguardo d'insieme sul suo legame con la cultura italiana. Viene proposto infatti un insieme coerente di saggi che affrontano autori (da Leopardi a Pirandello da Vico a Montale, e su tutti Dante Alighieri) la cui presenza ha lasciato un segno importante nell'opera del grande scrittore irlandese. Corredato da una ricca bibliografia analitica, "Tegole dal cielo" fa anche il punto sulla storia della ricezione dell'autore attraverso i canali principali: le traduzioni e le rappresentazioni della sua opera nella nostra lingua.
Barry Miles
Il Beat Hotel.
Ginsberg, Corso, Burroughs e gli altri:
l'avventura parigina dei beat
Guanda 2007
Collana "Biblioteca della Fenice"
Il Beat Hotel è un albergo di infima categoria sulla Rive Gauche, a Parigi; ed è stato chiuso per oltre 40 anni. Ma dal 1957, anno della pubblicazione di "Urlo", fino al 1963, quest'albergo è stato la casa parigina di Allen Ginsberg e Peter Orlowsky, di Gregory Corso e di William Burroughs. Nelle sue stanze spoglie e povere hanno visto la luce poesie come "Kaddish" e romanzi come il "Pasto nudo", nei suoi corridoi si sono avvicendati amori e incontri sessuali dei protagonisti letterari di quegli anni, appena fuori dalle sue mura si sono consumate amicizie e strane avventure parigine, tutte all'insegna della ribellione e del disordine, che fu l'essenza stessa del beat.
sabato, aprile 07, 2007
The Believers
MassMoCA
87 Marshall Street - North Adams
7/4/07 - 21/3/08
Meticulously crafted animals that move on their own, healing machines that exude beneficial energy, love-filled performances, and statues that honor past and present deities - these are the works of some of The Believers, an exhibition opening at MASS MoCA on April 7, 2007. The Believers isn't about "belief" per se, but rather about the believers themselves, whose deeply-held personal truths fly in the face of skepticism, irony, and often, reason. The exhibition will include new work by three of the artists and will remain on view through Spring 2008.
Some artists in the exhibition ponder (and suggest answers for) some of the most fundamental questions that have long captivated philosophers, scientists, and spiritualists alike, from the nature of matter, the possibility of immortality and the elements of identity, to the dynamics of human interaction, the limits of physical capacity, and the power of the human mind. Bas Jan Ader's work, for example, was fueled by an unrelenting desire to search despite his constant failure. While making In Search of the Miraculous a multi-part work that would challenge the boundaries between art and life, Ader attempted to cross the Atlantic 13-foot sailboat. He was never seen again. The Believers will feature a photographic series from In Search of the Miraculous.
The Icelandic Love Corporation (ILC) writes that their work is "fueled by champagne, a natural capacity for mayhem and a devout respect for Dolly Parton." An all-female art collaborative, the ILC works with to break down the barriers between artist and spectator by encouraging audience participation and by staging events in public places. Their belief that "love redeems us all" is neither cynical nor ironic. Through light-hearted, humorous, love-filled and sometimes absurd artworks and happenings, the ILC seeks to provide an alternative to the cold and sometimes harsh reality of consumer culture and technology.
Yoshua Okón and Fritz Haeg will install a new work which will include Plan B: Dymaxion Projections, a 70'x 20' mural/graphic of Buckminster Fuller's Dymaxion map of earth. It will serve as a legend to the locations of significant alternative communities of the 20th century. Located in front of the map will be Plan B: Geodesic Dens, three geodesic domes which visitors may enter. Inside the domes there will be binders of collected research and documentation of the utopian communities referenced on the map. The dome will consist of a pre-fab aluminum frame with a fabric cover featuring digitally produced graphics by the collaborating graphic designer.
The work some of these artists create is decidedly intimate, providing a window into their personal reality, with little delineation of their art as a category separate from their life. CarianaCarianne, for example, is the name of two distinct individuals, Cariana and Carianne, who occupy the same physical body and create work for, and in response to, each other. CarianaCarianne operate within both legal and artistic spheres to publicly proclaim the fact of their existence. Their multi-media gallery installations typically include framed legal documents, gifts exchanged between Cariana and Carianne, and dual video projections in which Cariana and Carianne engage in a dynamic dialogue. By making their personal dialogue public, CarianaCarianne address issues of freedom and acceptance as they strive to expand our notion of what constitutes the individual and the self. They are creating a new work for the exhibition.
Enigmatic and difficult to characterize, the sheer magnitude and diversity of Genesis P-Orridge's work, as well as that of his public profile, attests to his ongoing process of reinvention against the status-quo. In his most recent artistic reinvention, Genesis P-Orridge and his partner Lady Jaye underwent parallel plastic surgeries to achieve increased physical similarity, becoming a third being: Breyer P-Orridge. The series of work that accompanies this transformation, entitled Pandrogeny is part of Breyer P-Orridge's ongoing exploration into the realm of human identity. Breyer P-Orridge will create a new installation for The Believers.
Several of the artists employ objects, sayings, and concepts from popular culture to create a new personal reality. Sister Mary Corita gained international fame for her vibrant serigraphs during the 1960s and 1970s. Her early works were largely iconographic, using phrases and depicted images from the Bible. By the 1960s, she began to lift images from popular culture (such as advertising slogans and song lyrics) as raw material for her works, which have been characterized as spiritual and inspirational "bursts of text and color." Corita's art reflects her spirituality, her commitment to social justice, her hope for peace and her delight in the world.
Jonathan Meese's prodigious output ranges from large-scale installations and wild performances to graffiti-style paintings and bronze sculptures. As a self-proclaimed "cultural exorcist", Meese freely brings together a wide range of cultural zeitgeist and media images to develop narratives that exploit the nature of power, corruption and contemporary mythology.
A belief in extraordinary powers of objects and auras characterizes the work of several of The Believers: Emery Blagdon, a former hobo who, at the age of 43, settled on a farm in central Nebraska, spent the last 30 years of his life creating what he referred to as "healing machines." He lived as a recluse, and his work remained unseen by the public until after his death. Blagdon believed that his intricate constructions - made from wire, metal, lights and wood scraps - exuded healing energy fields, a phenomenon that he did not, and could not, explain.
A scholar of the work of film-maker, occultist and Hollywood Babylon author, Kenneth Anger, Walter Cassidy is a practitioner of Magick, a system of occult beliefs established by British occultist Aleister Crowley. In his artistic practice, Cassidy makes photographic records of spells and their ritual ingredients. Roger Davis, known as Witch Vortex, resides in Savoy, Massachusetts, approximately 20 miles from MASS MoCA. An admitted recluse, Witch Vortex has produced numerous large wooden statues on his remote property including those of Pan, a moon goddess, an altar for the phases of the moon, and a steer. He uses the statues to both honor deities as well as to enhance various ceremonies he intermittently holds on his property. For The Believers the artist will create a ritual space in MASS MoCA's galleries.
Some of the artists' inspirations come from science and technology. Panamarenko's machines, one of which will be on display, are intended to liberate people from gravity enabling onlookers to escape the forces of terrestrial and magnetic attraction and to experience new forms of travel and movement as well as exceptional, remote and hitherto unknown locations. In this sense they are far more than just inventions. They help the viewer to discover how everyday aspects of his life - the way in which he moves from A to B - could be indescribably different and enjoyable.
Theo Jansen, fascinated with technology and the process of biological evolution, developed a series of programmed worms that live, procreate, and die on the computer screen and later began to fashion his own creatures out of plastic PVC tubes, using computer programs to calculate optimal walking motions. Since then, Jansen's animals (who he refers to as Strandbeest or "beach animals") have evolved through several generations. Powered by the wind, the most complex of these animals can walk, flap their wings, discern obstacles in their paths and even hammer themselves into the sand in preparation of a storm. Ultimately, Jansen hopes to 'release' his animals in herds where they can live out their own lives. The exhibition will feature one of his majestic deceased animals plus a video of the creature in its natural habitat.
One of the undeniable pioneers of Finnish electronic music, Erkki Kurenniemi built electronic instruments for himself and also for other people, such as M.A. Numminen, for whom he created first a "singing machine" with which Numminen participated in a singing contest in 1964. His most ambitious of project was the series of digital synthesizers, called DIMI, in the early 1970s. The video synthesizer DIMI-O converted any movements recorded by the video camera into real-time sound and music. In 2002, Finnish film director Mika Taanila made a documentary film on Erkki Kurenniemi, called The Future Is Not What It Used To Be, which will be screened as part of the exhibition.
Enrico Baj
Palazzo Doria
Piazza Italia 2 - Loano SV
dal 31 marzo al 2 giugno 2007
Palazzo Doria, a Loano, ospiterà dal 31 marzo al 2 giugno 2007, l’opera di uno tra i maggiori protagonisti della storia delle avanguardie europee degli anni Cinquanta: Enrico Baj.
La mostra, curata da Sandro Barbagallo e Gian Pietro Menzani, si inserisce nell’ambito di Arte a Palazzo Doria, progetto promosso dall’Assessorato al Turismo e alla Cultura del Comune di Loano, che si propone di portare l’arte nel quotidiano anche attraverso mostre d'arte contemporanea presentate nel palazzo sede del governo della città.
Dopo Emilio Tadini, Valerio Adami, Ugo Nespolo, Walter Valentini, Joe Tilson i saloni del cinquecentesco Palazzo Doria accoglieranno le opere di grande formato di uno degli artisti italiani più riconosciuti e apprezzati nel panorama internazionale.
Enrico Baj, nato a Milano nel 1924, è stato il fondatore del Movimento Nucleare (1951) insieme a Sergio Dangelo e Joe Colombo. Ha partecipato negli anni Cinquanta ai movimenti d’avanguardia italiani e internazionali collaborando con Lucio Fontana, Piero Manzoni, Sergio Dangelo, Joe Colombo, Lucio Del Pezzo, Max Ernst, Marcel Duchamp, Yves Klein, E.L.T. Mesens, Asger Jorn e con altri artisti del gruppo Cobra, con il nouveau réalisme, il surrealismo e la patafisica.
Delle attività di quegli anni, oltre alle numerose mostre personali e di gruppo in Italia e in tutta Europa, vanno ricordati i manifesti, tra cui quello della Pittura nucleare (1952) e quello Contro lo stile (1957) - in opposizione alla sistematica ripetitività del formalismo stilistico -, nonché la fondazione con Jorn nel 1954 del Mouvement international pour une Bauhaus imaginiste.
L’attività di Baj si svolge per oltre mezzo secolo (l’artista muore il 16 giugno 2003) nel campo delle arti figurative (pittura, incisione, scultura, ceramica), della saggistica (una quindicina i libri pubblicati) del giornalismo e nel continuo sodalizio con poeti e scrittori.
Filo conduttore della sua ampia produzione è l’ironia dissacratoria e il continuo rinnovarsi dell’espressività. Baj elabora uno stile molto originale in cui prevale il piacere di fare pittura con ogni sorta di materiali. I collages policromatici e polimaterici pervasi da una vena giocosa e ironica si integrano con un forte impegno civile, così come la sua attività creativa si intreccia con la riflessione sull’arte.
“Riflettendo su tutta l’opera di Enrico Baj” dice Sandro Barbagallo “la critica concorda che, in qualche strano modo, egli ha anticipato la Pop nella sua accezione più europea e sicuramente quel neodadaismo romano più noto come la scuola di Piazza del Popolo.”
La mostra allestita a Loano in Palazzo Doria è un omaggio all’opera di Baj degli anni Sessanta e Settanta.
A partire dalle figurazioni nucleari degli anni Cinquanta - che testimoniano le paure seguite a Hiroshima e proiettate nel futuro - nell’opera di Baj si manifesta un forte impegno civile contro ogni tipo di aggressività che, attraverso i “generali” e le “parate militari” degli anni Sessanta, approda negli anni Settanta a tre grandi opere I funerali dell’anarchico Pinelli (1972), Nixon Parade (1974) e l’Apocalisse (1979).
A Loano sarà esposto il primo dei tre grandi quadri, insieme a trenta disegni preparatori. Lungo dieci metri, alto tre metri e mezzo e profondo due metri e mezzo, I funerali dell’anarchico Pinelli occuperà il salone centrale del piano nobile di Palazzo Doria.
Completeranno la mostra alcune significative opere degli anni Sessanta quali Comizio nel bosco (1963), Parade (1962), Personaggio urlante (1964), Meccano A/34 (1965).
“Ogni artista, prima o poi, sente il bisogno di lasciare una testimonianza definitiva con la propria arte.” spiega il critico Barbagallo “Lo ha fatto Picasso con Guernica, ma anche Carlo Carrà con I funerali dell’anarchico Galli. Baj è ossessionato da quest’ultimo e da tempo medita di rifare quel quadro alla sua maniera. Mai però avrebbe immaginato che l’ispirazione gli sarebbe venuta dalla realtà: il 15 dicembre 1969 il ferroviere anarchico Giuseppe Pinelli cade misteriosamente da una finestra al quarto piano della Questura di Milano.
I funerali dell’Anarchico Pinelli ci appare ancora oggi come un’installazione molto complessa. Sagome ritagliate, pannelli di legno multistrato, pedana coperta di passamanerie quasi fossero immondizia, teste di robot dai colori acidi con un occhio a lampadina, sono le prime cose che colpiscono all’impatto.”
Come Guernica nel 1953, anche I funerali dell’Anarchico Pinelli vengono esposti nella Sala delle Cariatidi di Palazzo Reale. L’inaugurazione della mostra è fissata per il 17 maggio 1972, ma in quello stesso giorno viene ucciso il commissario Luigi Calabresi e la mostra viene annullata.
“L’arte si fa quindi, soprattutto e prioritariamente, nella vita e nell’ambiente di ognuno, in quel che succede o che si fa succedere, come volevano i Picabia e i Breton dei giorni felici.” scrive Enrico Baj nel catalogo della mostra mai aperta al pubblico “Arte può essere allora il modo di essere, di atteggiare, di scegliere, di comporre, di fare l’amore; arte possono essere le cose, gli alberi, i sassi, i fiumi, le stelle. Arte ovunque, dentro e fuori… Quando trovarono Pino Pinelli precipitato da una finestra in questura e subito morto,” scrive ancora Baj mi preparavo a riproporre, dopo le mie lunghe visite a Picasso prima e a Seurat poi, una ben nota opera futurista di Carrà: I funerali dell’anarchico Galli. Pensavo di rifare quel quadro alla mia maniera, seppure rispettando il formato e la composizione del modello, come feci con Guernica, colle Demoiselles, con La Grande-Jatte e la Baignade…… Ma la fine attuale e sconvolgente a più aspetti di un altro anarchico mi fece subito mettere da parte Galli e Carrà.
La realtà e la vita e la morte di Pino si sostituivano nella mia mente al ricordo dei libri letti, degli eroi del passato, del futurismo e del dadaismo da me amati, reclamando, in luogo di un divertito rifacimento parodico-letterario, la celebrazione di una tragedia familiare e politica, che andava rappresentata, anche in pittura, più o meno coi mezzi di sempre.”
La mostra di Enrico Baj è accompagnata da una monografia curata da Gian Pietro Menzani che attraverso la presentazione di Sandro Barbagallo e un’antologia di riflessioni di Enrico Baj, Dario Fo, Gillo Dorfles, Luciano Caramel, Giorgio Di Genova, Herbert Lust, Alain Jouffroy, Renzo Margonari, Domenico Porzio, Martina Corgnati, suggerisce un indirizzo di lettura dell’opera pittorica dell’artista.
La mostra è organizzata in collaborazione con l’Archivio Enrico Baj e la Fondazione Marconi, con il patrocinio del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, della Regione Liguria, della Provincia di Savona ed è realizzata con il contribuito della Fondazione “A. de Mari” Cassa di Risparmio di Savona.
Les éditions de l'Attente ont quinze ans
Franck Pruja
et Françoise Valéry
Interview
par Jean-Marc Baillieu
jmb : En quinze années, depuis les premiers projets liés ou pas à votre passage aux Beaux-Arts de Bordeaux, avec une « vision artistique » de l’édition et aussi l’influence de l’enseignement d’Emmanuel Hocquard, jusqu’à cet anniversaire célébré au cipM, jusqu’à ce catalogue « livres avec ISBN uniquement », quelles sont les étapes importantes de votre développement ?
fp & fv : Oui l’impulsion initiale, l’enseignement d’Emmanuel Hocquard, l’exemple d’Orange Export Ltd et aussi notre rencontre avec des poètes et éditeurs des U.S.A., les Waldrop bien sûr (Burning Deck) avec leur imprimerie dans la cave de leur maison à Providence mais aussi Kim Rosenfield et Rob Fitterman à New York, les voir produire des revues en photocopie (revue « Object ») pour communiquer les écrits de poètes d’Est en Ouest des États-Unis, revues photocopiées au drugstore du coin, envoyées par la poste, deux ou trois lectures ici et là pour diffuser et faire connaître, suivies d’un petit verre partagé avec les auteurs... Cette dynamique, cette édition super vivante, ça a été vraiment le déclic pour faire des livres « tout de suite », et on leur a emboîté le pas. Et on a eu le bonheur de trouver peu à peu écho à notre production, il faut dire qu’on a toujours été assez réalistes côté tirage : cinquante exemplaires au départ pour les premiers livres, on attendait que ça parte, on retirait au besoin, ne pas faire de stock a toujours été notre grande liberté. Dès le départ, nous avons été accueillis sur le catalogue d’Ethnicolor, une asso qui diffusait des livres d’artiste et des carnets de voyage. Emmanuel Hocquard a été le premier à nous dire de ne pas nous préoccuper tout de suite de dépôt légal et d’ISBN, de d’abord faire des livres et puis après on verra, l’ampleur que ça prendra. Son enseignement de l’écriture et de la lecture nous a beaucoup apporté et nous sert encore aujourd’hui, ce moment où « soudain, on voit quelque chose ».
Franck Pruja se définit comme Ajusteur de base et Papa (il ne cesse d’arrondir les angles). Ayant suivi une formation de plasticien à l’école des Beaux-arts de Bordeaux jusqu’en 1991, il imprime en sérigraphie son premier livre en 1992 (Poucet – les énoncés de) suite à un atelier d’écriture mené par Emmanuel Hocquard, et fonde avec Françoise Valéry les éditions de l’Attente.
En 1993, long séjour à New York, rencontre des poètes, assiste à des lectures et prend une claque. Il découpe son anglais dans les journaux locaux (NY Times, Daily Times, Village Voice) et édite – sur la photocopieuse à 5 cents du bureau de tabac du block – « Welcome in Soho ». Très imprégné de cette expérience, il édite « Mécanique générale » en 1995, tout en poursuivant un travail photographique qui l’amène à exposer ses séries « Belly Button », à la galerie le Triangle. Cette même année, il invente le Compact-Discomestible « Eat me now » (Crunch Record) qui fit fureur lors des 500 Diables (épuisé). Suivra l’expo « Ears » en 1996 à Bordeaux et à Fukuoka. En 1997, il crée la collection Week-end en publiant « Chocolate » un samedi après-midi à l’heure du goûter, qu’il anime depuis et qui compte aujourd’hui une cinquantaine de pépites (catalogue sur simple demande).
Fin 98, une « petite colère » de son cru est publiée dans Action Poétique (M. Francis Ponge). Il fait figurant pour deux traductions collectives à l’abbaye de Royaumont (Joseph Simas, Norma Cole), acteur pour « – Allo, Freddy ? » (Emmanuel Hocquard et Juliette Valéry, cipM / Spectres Familiers), photographe, sérigraphe et conseiller pour les Photodîners et Monsieur Loyal pour plusieurs prestations des Tendres Cailles. Il écrit par temps clément.
Françoise Valéry
Artiste et co-directrice (avec Franck Pruja) des éditions de l’Attente à Bordeaux
Voix et création de costumes dans la formation musicale Tendres Cailles, avec Isabelle Jelen (voix et création de costumes aussi), Monsieur Gadou (instruments) et Franck Pruja (photographe, présentateur, coordinateur, conseiller, etc.)
Total Chaos: The Art And Aesthetics of Hip-hop
(Paperback)
by Jeff Chang
Basic Civitas Books
(February 28, 2007)
It's not just rap music.
Hip-hop has transformed theater, dance, performance, poetry, literature, fashion, design, photography, painting, and film, to become one of the most far-reaching and transformative arts movements of the past two decades.
American Book Award-winning journalist Jeff Chang, author of the acclaimed Can't Stop Won't Stop: A History of the Hip-Hop Generation, assembles some of the most innovative and provocative voices in hip-hop to assess the most important cultural movement of our time. It's an incisive look at hip-hop arts in the voices of the pioneers, innovators, and mavericks.
With an introductory survey essay by Chang, the anthology includes:
Greg Tate, Mark Anthony Neal, Brian "B+" Cross, and Vijay Prashad examining hip-hop aesthetics in the wake of multiculturalism.
Joan Morgan and Mark Anthony Neal discussing gender relations in hip-hop.
Hip-hop novelists Danyel Smith and Adam Mansbach on "street lit" and "lit hop".
Actor, playwright, and performance artist Danny Hoch on how hip-hop defined the aesthetics of a generation.
Rock Steady Crew b-boy-turned-celebrated visual artist DOZE on the uses and limits of a "hip-hop" identity.
Award-winning writer Raquel Cepeda on West African cosmology and "the flash of the spirit" in hip-hop arts.
Pioneer dancer POPMASTER FABEL's history of hip-hop dance, and acclaimed choreographer Rennie Harris on hip-hop's transformation of global dance theatre.
Bill Adler's history of hip-hop photography, including photos by Glen E. Friedman, Janette Beckman, and Joe Conzo.
Poetry and prose from Watts Prophet Father Amde Hamilton and Def Poetry Jam veterans Staceyann Chin, Suheir Hammad, Marc Bamuthi Joseph and Kevin Coval.
Roundtable discussions and essays presenting hip-hop in theatre, graphic design, documentary film and video, photography, and the visual arts.
Jeff Chang is the author of Can't Stop, Won't Stop: A History of the Hip-Hop Generation, for which he was awarded the 2005 American Book Award. He has been featured on Vibe Magazine's Top 100 "Juice" List. Chang tours extensively, lecturing at universities, museums, and community arts organizations around the country. He lives in Berkeley, California.
LOW
Drums and Guns
Sub Pop
March 20, 2007
For The Great Destroyer, their 2005 Sub Pop debut (and 7th album overall), Low quickened their paces and rustled up a new sound. Producer Dave Fridmann helped out in '05 and is back for Drums and Guns, Low's 2007 follow up, a return to pre- Great Destroyer form. Slowing down again and training the musical lamps on Mimi Parker and Alan Sparhawk's austere voices, the trio sets a decidedly somber tone (the album's opening line, delivered with pregnant pauses: "All soldiers, they're all gonna die/And all the little babies, they're all gonna die" and album-closing song titles: "Murderer" and "Violent Past"). Parker and Sparhawk's voices enchant eerily, a whiff of electonica here and a haunted handclap there melding with Matt Livingston's bass to give the music some dark, gorgeous machine undertones--stark, martial, and noise-brushed at once. Fridmann finds all kinds of places to add tone, color and sound, keeping the tempos slow and the mood hypnotic. This is the art that wartime breeds.
--Andrew Bartlett
venerdì, aprile 06, 2007
FASSBINDER:
Berlin Alexanderplatz - An Exhibition
Curator: Klaus Biesenbach
KW Institute for Contemporary Art
Auguststr. 69, 10117 Berlin
18 March – 13 May 2007
The monumental film Berlin Alexanderplatz that Rainer Werner Fassbinder made for television is based on Alfred Döblin’s 1929 novel. The film consists of thirteen episodes and an epilogue. It runs to fifteen hours and thirty-nine minutes. When it was first screened in Germany in 1980, it triggered heated debates and gained international recognition as one of the cinematic masterpieces of the past decades. A meticulously restored 35-mm version of Berlin Alexanderplatz: Remastered has been successfully presented to the public at the 57th Berlin International Film Festival in February 2007. For the Frankfurter Allgemeine Zeitung, the reproduction has been considered as „the event of the film year“.
On March 17, 2007, KW has opened Fassbinder: Berlin Alexanderplatz – An Exhibition. The show will present this unusual and fascinating work in a way that enables visitors to choose their own mode of approach. In fourteen separate rooms, the episodes and the epilogue of Berlin Alexanderplatz will be screened in permanent loop. In addition, all the episodes will be shown in chronological order and full length on a central big screen. Visitors can thus decide how they approach Berlin Alexanderplatz: they can divide its unusual length up into pieces, watch episodes several times, or return to the exhibition whenever they like, as the entrance ticket entitles holders to repeated visits. The parallel screening of all the episodes in one place will highlight Fassbinder’s impressive visual idiom and his artistically challenging, free and innovative use of images. The epilogue to Berlin Alexanderplatz marks a high point in Fassbinder’s creative work, combining visual and narrative planes in a complex collage that anticipates contemporary artistic positions. The exhibition also presents stills from the film’s 224 scenes. For the first time ever photos of excerpts and particularly of sketches from Fassbinder’s storyboard will be on view. A further, highly personal document are the tapes on which Fassbinder himself recorded his script for the film and which have never previously been made accessible to the public.
The exhibition is accompanied by a catalogue (in German; approx. 700 pages, 40 Euro), edited by Klaus Biesenbach, with essays by Susan Sontag and Rainer Werner Fassbinder. The catalogue includes extensive illustrations. Furthermore the publication contains the complete screenplay as well as the biography, bibliography, and filmography.
The exhibition will be accompanied by a program of talks and guided tours as well as a film program at Kino Arsenal. You can shortly find further information on the accompanying program at www.kw-berlin.de.
Festival Nuovo Cinema Europeo
Multisala America
via Colombo, 11 - Genova
13-22 aprile 2007
Dopo il successo delle scorse edizioni, il nuovo cinema europeo torna a Genova. Vetrina delle giovani tendenze cinematografiche, la Rassegna si pone in linea con l'esigenza di aprire la città alla cultura europea attraverso la proiezione di film stranieri in lingua originale.
Per dieci giorni consecutivi Genova diventa luogo di scambi internazionali e occasione per scoprire numerose produzioni straniere, in concorso per aggiudicarsi il Premio Musa del Cinema, grande novità di questa terza edizione, espressione del giudizio della critica e del pubblico.
È così che la settima arte, l'arte cinematografica nei suoi linguaggi più contemporanei, fa uscire la città dai suoi vicoli stretti e intrisi di storia, per proiettarla nell'universalità di un'espressione che nella diversità di linguaggi vuole presentare tematiche comuni a paesi tanto diversi. Dramma, commedia, rosa e noir si intrecciano sullo sfondo delle città del Vecchio Continente. Tutti i film della Rassegna concorrono al Premio del Pubblico.
Un film per ogni Paese rappresentato è inoltre in concorso per il Premio della Critica, che verrà assegnato da una rosa di giurati riconosciuti a livello nazionale.
Claudio Sessa
Il marziano del jazz.
Vita e musica di Eric Dolphy
Luciano Vanni Editore 2007
Eric Dolphy è stato un lampo che ha illuminato la scena del jazz come pochi, forse come nessuno. E' sempre stato un po' oltre il noto e un po' al di qua dell'ignoto. Ha sempre inseguito un obiettivo irraggiungibile per definizione ma non per lo stato mentale e artistico di chi si pone sempre al cospetto di una ricerca interiore libera, aperta ad ogni influenza, al servizio della creatività assoluta. Ed è in funzione di questo status che Dolphy traeva ispirazione da qualsiasi cosa, dal mondo del jazz, ovviamente, ma anche dalla musica classica, indiana, dei popoli indigeni, dai "semplici rumori" della natura. Uno così non poteva che essere visto come un "guastatore free, un rivoluzionario", uno che comunque remava contro mentre ci si è accorti soltanto successivamente della enorme forza propulsiva che proprio quel suo modo di essere ha avuto nei confronti di questa musica. Da lui, con lui, hanno preso il volo altri grandiosi artisti del calibro di Mingus, Coltrane, Coleman...Un lampo, abbiamo detto, racchiuso in soli sei dischi registrati come leader, in qualche live, alcune collaborazioni e trentasei anni di vita...E' bastato solo questo per decretare come fosse stato determinante il suo contributo all'innovazione jazzistica.
"Eric Dolphy: il Marziano del Jazz" scritto da Claudio Sessa ci aiuta a comprendere questo fenomeno artistico ripercorrendo la breve ma intensissima carriera. Si comincia con l'analisi dei sei album da leader collocandoli dal punto di vista storico e cronologico, individuando possibili fonti di ispirazione e descrivendo i singoli brani come se li si stesse ascoltando insieme (vivamente consigliato!). Si prosegue poi con la storia suddivisa per capitoli che determinano alcuni capisaldi: gli studi e le prime influenze come Parker e Hodges, i suoi primi lavori da sideman, il rapporto in due fasi con un grande innovatore della tradizione come Mingus che arriva a dedicargli esplicitamente brani come So Long Eric poi Don't Stay Over There Too Long Eric dovuti alla decisione da parte di Dolphy di stabilirsi in Europa. E ancora l'affascinante parallelismo artistico e persino biografico con Monk, l'impatto e la collaborazione con un altro dirompente come Coltrane che nello stesso periodo incideva il più famoso My Favourite Things della storia e le pubblicazioni postume che hanno recuperato altro materiale registrato nei vari live. In chiusura, vi è un interessante schema del repertorio di Dolphy suddiviso tra brani di sua composizione (per gran parte intitolati in funzione di dediche come The Prophet soprannome del pittore Richard Jennings autore di due copertine dei suoi album oppure 245 numero civico della casa di Slide Hampton nella quale Dolphy incontrava musicisti come Wes Montgomery, Freddy Hubbard, Coltrane...) e standards eseguiti per lo più dal vivo. Per ognuno vi è l'indicazione dello strumento e del numero di volte in cui è stato eseguito in studio e live.
Gerard Duruzoi
Dictionnaire du Nouveau Réalisme
Hazan, avril 2007
Collection "Guide des Arts"
Réaction contre l'abstraction alors prédominante, en passe de devenir académique, le Nouveau Réalisme, lancé en 1960 par une dizaine de jeunes gens, dont Klein, Tinguely, Hains, Villeglé, César, Arman, etc.) s'est engouffré dans une stratégie subversive d'appropriation de l'univers urbain, technologique et industriel. Reprenant de manière originale les références du Pop Art sur la société de consommation, ils en traduisent les excès par des techniques d'expression quantitative des objets ou rebuts de son environnement quotidien. Ce dictionnaire décrit leur approche analytiquement à travers les grand thèmes et les techniques de leur travail critique (objets, matériaux, accumulation, accrochage, compression, expansion, etc.) le parcours des artistes et la description de leurs principales oeuvres. Des fragments des principaux textes et manifestes du mouvement théorisé par Pierre Restany sont reproduits également dans le dictionnaire à l'entrée qu'ils introduisent.
Patrick Née
Yves Bonnefoy penseur de l'image
ou les travaux de Zeuxis
Gallimard - 31 août 2006
L'oeuvre considérable d'Yves Bonnefoy, poète mais aussi théoricien du fait poétique et auteur d'une oeuvre critique mal aperçue, fait ici l'objet d'une première interprétation du point de vue de sa conception de l'image, préoccupation majeure de notre époque et au centre de sa poésie.
Patrick Née s'attache à confronter les «propositions» du poète, comme il le dit lui-même, avec les travaux les plus stimulants en sciences humaines à ce sujet, en tentant ainsi de lancer le débat du point de vue poétique dans l'histoire des idées contemporaines. Ce faisant, il dissipe le malentendu du prétendu crypto-christianisme du poète, établissant au contraire que l'athéisme est l'un des soubassements de son oeuvre, ou bien encore bat en brèche sa réputation de classicisme.
Il ne s'agit par là que de mieux cerner l'originalité de la pensée du poète, replacée dans le contexte de ses lectures, de ses influences, ou opposée à d'autres courants de réflexion, par où elle acquiert sa vraie découpe.
giovedì, aprile 05, 2007
Philippe Parreno
What Do You Believe, Your Eyes or My Words?
Haunch of Venison
6 Haunch of Venison Yard - London
5/4/07 - 12/5/07
Haunch of Venison is to present the first solo exhibition of internationally acclaimed French artist Philippe Parreno in London. In an exhibition entitled What do you believe, your eyes or my words? Parreno will explore how subjectivity moulds our experience of the real. In February, Parreno will deliver a lecture to a large colony of Magellan penguins on a beach in Patagonia. Scripted by Parreno, the lecture will be performed as day becomes night and will be documented by a large-format infra-red photograph. An audio recording of Parreno speaking to the penguins will also be made available as a podcast on the Haunch of Venison website and on other sites, such as youtube.
Parreno's work revolves around the production of realities. Working in a variety of media from the traditional such as drawing and sculpture, to the more experimental including animation and performance, the artist debunks the idea of a singular, authentic reality, instead exploring a number of different - but equally valid - perceptions of it. Previous works such as Zidane: A 21st Century Portrait (co-directed with Douglas Gordon), have examined this idea through the conflation of dramatically different perspectives. Others such as the collaborative AnnLee project - in which a Japanese Manga character is liberated from the binds of intellectual copyright - have deliberately blurred reality and fiction in an effort to unsettle claims to objective experience.
The penguin photograph in the exhibition will be complemented by a series of five illuminated drawings made on clear acetate in the style of traditional cartoons. Featuring an arrangement of words, plans, images and ideas, the drawings will change daily, with each cell replaced by the next one in the series resulting in a slow-motion, frame-byframe animation that unfolds over the course of the exhibition. A dark cloud made of numerous helium balloons in the shape of speech bubbles will hover on the ceiling of the top floor gallery. Previous incarnations of Parreno's Speech Bubbles project have used white balloons, encouraging the viewer to make their private thoughts public by projecting their own utterances onto the blank forms. Produced in black for the first time, the balloons in the Haunch of Venison installation suggest the articulation of sinister words and shadowy thoughts. Their end-point is the impossibility of communication.
A new, limited-edition publication from Walther König entitled Suicide in Vermillion Sands will be launched to coincide with the exhibition. Inspired by the true story of a teenager in the late 1980s who returned to the housing estate where he grew up to kill himself, the book contains 180 t-shirt transfers commissioned by Parreno, each individually designed by an artist or graphic designer with whom he collaborates. Parreno describes the book as -psychotropic', an object that reacts to the user's behaviour. By systematically destroying the book - removing the transfers and ironing them on to t-shirts - the reader effectively becomes the principal character in the story of their own eventual demise.
Running concurrently with Philippe Parreno's exhibition at Haunch of Venison in London is Learn to Read, a group exhibition about word and image at Tate Modern, May-June 2007. At this year's Venice Biennale, Parreno will present a major new work in the Arsenale exhibition curated by Robert Storr. A major commission, Il Tempo del Postino, will be directed by Parreno and co-curated with Hans Ulrich Obrist for the inaugural Manchester International Festival, July 2007. Parreno also has a number of key solo exhibitions planned for 2008, including at the Serpentine in London, the Kunsthalle Zürich, the Irish Museum of Modern Art, and the Walker Art Center.
Sukran Moral
Underground Istambul
curated by Enrico Pedrini
The LAB
Roger Smith Hotel Art Gallery
501 Lexington Avenue - New York,NY 1007
April 11 - April 20, 2007
Sukran Moral is an artist who, since 1993, has been highly active in the international art world. Born in Terme,Turkey, she currently divides her time between Instanbul and Rome.
Moral is well known in Europe for her 1994 performance work in which she posed nude on a cross, personifying a feminine Christ and the plight of both women and immigrants on the West. At The Lab Gallery, Moral will create an ambience of soft red light with an armchair and a cheap Moroccan carpet. She will then interact with people passing by, showing them small placards which read "for sale, sale item, end-of-season sale, artist for sale..." and so on. The artist also plans to improvise based on her creative dialogue with midtown Manhattan. Sukran Moral's "Underground Istanbul" will be exhibiten April 11 through April 20, with the reception at The Lab Friday April 13 from 6 to 8 p.m.
THE LAB (for installation + performance art) is a New York based, converted storefront turned fishbowl producing 30+ fast paced performance art and installation exhibitions annually. Aimed at furious midtown foot traffic, THE LAB's programming is designed to confront modern relationships between art and audience and seeks to force interaction between high energy, 'outrospective' exhibitions and nearly 25,000 daily passersby. It is THE LAB's goal to reach out through the glass and capture, fascinate, amuse, bemuse, soothe, shake and satisfy any and all who pass within eye or ear shot of the corner of 47th and Lexington.
Daniel Arasse
Anachroniques
Gallimard - 7 septembre 2006
Connu avant tout pour ses remarquables travaux sur la Renaissance italienne, Daniel Arasse a touché un vaste public avec Le Détail, pour une histoire rapprochée de la peinture (1992) et la série d'émissions qu'il enregistra pour France Culture, Histoires de peintures (2003). Il fut régulièrement sollicité par le milieu de l'art contemporain et n'hésita pas à s'y engager, notamment en écrivant une monographie sur Anselm Kiefer en 2000. Anachroniques rassemble dix textes écrits à partir de 1993 et consacrés à des artistes modernes (Max Beckmann, Mark Rothko) ou contemporains (Alain Fleischer, Andres Serrano, Cindy Sherman, Michael Snow). La diversité des artistes étudiés montre l'ouverture de Daniel Arasse et la liberté qu'il s'autorisait dans le choix des commandes qui lui furent proposées. Mais la motivation qui l'anime est toujours fondée sur l'intérêt qu'il porte au regard artistique et aux dispositifs anachroniques que celui-ci met en œuvre par rapport au passé ou à certaines questions théoriques anciennes que l'art d'aujourd'hui renouvelle. L'autoportrait, la mort, le désir; les petits bricolages ou les grandes machines rhétoriques ; la relation entre mémoire, histoire et mythes, ou celle entre pulsion sexuelle et pulsion créatrice ; les diverses modalités de la représentation du temps et, corrélativement, le rapport dialectique entre temporalité et chronologie dans l'œuvre d'un artiste. Daniel Arasse remet ici en question certaines idées reçues et ouvre de nouvelles perspectives sur l'ancrage de l'art actuel dans la longue durée de l'histoire des œuvres.
Cornelius Castoriadis
Fenêtre sur le chaos
Seuil - 11 janvier 2007
Bien avant que ne s'ouvre le débat sur la «crise de l'art contemporain», Castoriadis avait posé avec une acuité particulière la question du sens et de l'avenir de la création artistique. Son diagnostic était sombre. L'effondrement de cette création au présent obère également le passé et l'avenir. Le passé, car «là où il n'y a pas de présent, il n'y a pas davantage de passé» ; l'avenir, car «mémoire vivante du passé et projet d'un avenir valorisé disparaissent ensemble». Rien, dans ce dernier quart de siècle, n'est malheureusement venu infirmer ce diagnostic. Plusieurs textes inclus dans ce recueil (sur la musique, sur la fonction de la critique, sur l'art comme «fenêtre sur le chaos») prolongent les réflexions de l'auteur sur les rapports entre la création culturelle, la société démocratique et l'énigme de l'oeuvre d'art.
Steven Blush
AMERICAN PUNK HARDCORE
Una storia tribale
Shake 2007
Il libro più bello, documentato e completo che sia mai uscito sulla scena hardcore punk americana. Con interviste, aneddoti e racconti riguardanti: Black Flag, Minor Threat, Bad Brains, Bad Religion, Misfits, SS Decontrol, Adolescents, 7 seconds, Agnostic Front, Faith, Tsol, Youth Brigade, Void, Saccharine Trust, Scream, Negative Fx, Adolescents, Necros, MDC, D.O.A., Dead Kennedys, Dicks, Cro-Mags, Circle Jearks e centinaia di altri gruppi della scena hardcore americana.
Con una DISCOGRAFIAdi oltre 40 pagine.
PREFAZIONE
MY WAR - La mia guerra
Ho pensato di raccogliere in questo libro i reperti della scena musicale hardcore-punk americana perché mi sembra che essa stia scivolando nel dimenticatoio. La sua storia si sta dissolvendo man mano che i protagonisti muoiono o scoprono la religione o cancellano i loro ricordi di quei giorni turbolenti.
Questo libro parla degli anni d’oro dell’american hardcore, dal 1980 al 1996. In questo breve periodo sono successe tante cose.
L’hardcore (HC) non è stato soltanto musica, è diventato anche un movimento politico e sociale. Chi ne ha fatto parte ha formato una tribù a sé stante. Alcuni di questi erano persone sconvolte o che avevano subìto abusi, e in questa musica estrema trovavano una via di fuga. Altri cercavano un mondo migliore o la maniera di abbattere lo status quo, ed erano parecchio arrabbiati. Quasi tutti volevano soltanto fare un gran casino. L’hardcore, un genere aspro e privo di compromessi, ha creato uno stile di vita ridotto all’osso. La sua intensità ha portato tanti nervi allo scoperto. Tutti noi a quei tempi eravamo aggressivi, incazzosi.
Come quasi tutta l’arte rivoluzionaria e qualsiasi pensiero originale, l’hardcore si è scontrato frontalmente con la società borghese innescando una reazione. In quanto sottocultura marginale ha ricevuto pochissima attenzione, e si è guadagnato ancor meno rispetto. I fighetti anticonformisti hanno dato una veloce occhiata alla sua dose di violenza adolescenziale, dopodiché hanno deciso di snobbare tutto il movimento.
Tanti ragazzini sconvolti “si sono ritrovati” nell’hardcore. Molti di loro adesso ti diranno cose tipo “sono venuto su convinto di essere strano, poi ho incontrato altra gente che la pensava come me e ho capito in fin dei conti di non essere un caso umano”. Se l’HC gli ha fatto questo, allora ha avuto successo. Per alcuni ha significato una preziosa rete di rapporti sociali, ad altri ha spalancato una ricca miniera musicale, ma per tutti quanti che vi erano coinvolti l’hardcore è stato una maniera di vivere, qualcosa che dovevano fare.
Il livello estetico era risibile. Tante band non sapevano nemmeno suonare e i loro pezzi erano privi di mestiere. Né si può dire che facessero molti sforzi per arrivare agli standard produttivi in auge. Però avevano QUELLO, una miscela contagiosa di musica straveloce, testi che facevano pensare e una gran faccia tosta.
Nessuno guardava troppo avanti. Noi che ne facevamo parte eravamo quasi tutti ragazzi e basta. Kids irrazionali. È stato anche questo a rendere così potente l’intera faccenda. La rabbia restava spesso priva di bersaglio, vedevi i kids nell’arco di pochi anni tramutarsi da metallari drogati e sbandati delle periferie a picchiatori skinhead o pacifisti vegani. Però evitiamo di intellettualizzare troppo. Accettiamo l’hardcore per quel che è stato, un fenomeno creato da migliaia di adolescenti alienati. Ci ha insegnato a non fidarci delle autorità e dei mass media. Ha innescato una ribellione che si comincia a capire soltanto adesso.
In questo libro ho parlato di quasi tutte le classiche band hardcore. Negli anni ho conosciuto “il colto e l’inclita” di tutte le città americane. Ho visto andare e venire i grandi e i pigmei. Li ho visti diventare le medesime tronfie rockstar commerciali contro cui in teoria si ribellavano un tempo. Conoscevo quelli che sono morti. L’ho vissuto di prima mano. Durante gli anni formativi della scena ho abitato a Washington, un posto simile al resto d’America. E la mia vita era simile a quella di quasi tutte le persone citate in queste pagine.
Come promoter di concerti hardcore, DJ di una radio di college, proprietario di un’etichetta indipendente, manager di band e organizzatore di tour ho avuto rapporti con quasi tutta la gente che vi presenterò tra poco. Ho ricevuto abbastanza ringraziamenti ed elogi? Alla resa dei conti sono soddisfatto.
Con questo libro regalerò ai protagonisti della scena non soltanto un posto sotto i riflettori ma anche un posto sul banco dei testimoni. Ho avuto modo di discutere con quasi tutte le figure importanti di quel periodo, in oltre 150 interviste. I protagonisti che non sono citati in queste pagine o non erano raggiungibili oppure non hanno risposto alle mie richieste. Ce n’è qualcuno con cui mi dispiace non avere avuto la possibilità di fare due chiacchiere, però ho fatto il possibile. Tutti gli altri si sono dimostrati, chi più chi meno, disponibili. Hanno confermato le mie teorie oppure segnalato i miei errori. Durante le ricerche sono stato costretto a separare i fatti dalle opinioni, costringendomi a rimettere in discussione qualche preconcetto. Ho cercato di ripulirmi da qualsiasi atteggiamento da saputello, dagli stereotipi, dagli slogan, dalle sensazioni viscerali e dalle reazioni automatiche sviluppate negli anni, e ho smesso di cercare sempre di difendere i miei gusti personali. Ancora oggi tra gli adepti hardcore sussistono atteggiamenti meschini e disgustosi, però mi sono almeno sforzato di evitare i malanimi.
Quanto alla veridicità, sia gli intervistati sia il sottoscritto raccontano i fatti come se li ricordano. Quelli erano tempi pazzi e lontani, e gli intervistati, quasi tutti quarantenni nel momento in cui scrivo, stanno riferendo i fatti di una giovinezza in tanti casi tumultuosa. E certe volte la verità viene distorta o riferita attraverso la lente deformante della nostalgia, dell’amarezza, del pettegolezzo, della memoria fallace o del cervello fuso. Detto questo, garantisco che ho controllato più che potevo. American Punk Hardcore non è una storia rivisitata basata su quanto io ero convinto che fosse successo.
Le esperienze, conversazioni, letture e ascolti di un’intera esistenza sono diventate un’immensa enciclopedia dentro la mia testa. Non sempre ricordo le origini di un fatto o di un personaggio, però ho citato tutte le fonti possibili. Ho passato cinque anni a fare telefonate e in giro in macchina per il paese a inseguire i musicisti di un gruppo, i promoter, gli appassionati e quant’altro.
Ci vuole una mentalità hardcore per scrivere un libro hardcore, su un movimento spontaneo, ribelle, indisciplinato, mai documentato. Ho scritto American Punk Hardcore in puro stile HC, mettendoci dentro tutte le cazzate del caso.
Quanto all’attuale revival dell’hardcore, non voglio negare alcuna legittimità all’angoscia degli adolescenti di oggi, però in questo momento mi sento dell’umore “Bene, suonatevi pure la vostra musica di merda! Ma perché scimmiottare la musica dei miei anni verdi?”. Mi sento molto simile a quei vecchi jazzisti o bluesman che suonavano la loro musica quando esisteva soltanto l’innovazione contro la formula e adesso vedono una manica di compiaciuti epigoni di ennesima generazione che rivendicano il vecchio stile come se l’avessero inventato loro. Ammettiamolo, l’hardcore non è più lo stesso. Può ancora produrre musica potente, ma è una forma artistica morta e sepolta. Oggi è relativamente facile starci dentro, ma allora era tutto un altro paio di maniche.
L’hardcore americano, all’epoca per lo più passato inosservato, ha dato i natali a gran parte della musica e della cultura che sono venuti in seguito. I fan di quel periodo dovrebbero sentirsi riscattati. Oggi a nessuno frega un cazzo del megagruppo da stadio che ha venduto fantastilioni di dischi nel 1983, mentre eroi hardcore come Black Flag, Dead Kennedys, Bad Brains, Misfits e Minor Threat restano tra gli immortali dell’era moderna. Mentre scrivo queste righe, mi sembra siano pochi gli artisti rock di successo che non siano stati influenzati dall’hardcore.
Come tutti i grandi artisti, le band hardcore “non hanno alzato un soldo” e “non hanno mai ottenuto quello che si meritavano”. Soltanto le generazioni successive di appassionati le avrebbero fatte assurgere a uno status “leggendario”.
Negli ultimi decenni il mondo è cambiato in maniera spettacolare. Quanto è successo all’inizio degli anni ottanta forse non accadrà mai più.
Steven Blush
mercoledì, aprile 04, 2007
The Situationist International
Group show
Curated by: Heinz Stahlhut
Tinguely Museum
Paul Sacher-Anlage 1 - Basel
4/4/07 - 5/8/07
In girum imus nocte et consumimur igni ("We roam in circles through the night and are consumed by fire.")
The Museum Tinguely will be showing an extensive exhibition developed in cooperation with the Centraal Museum Utrecht on one of the least known yet most influential (anti)art movements of the post war era: the Situationist International (SI).
In 1950, a group of young incensed rebels, later to be known as the Situationists who triggered off the student revolts of 1968, gathered in the Parisian bar "Chez Moineau-. Whereas the Existentialists held court on the terrace of the "Deux Magots- and danced in Jazz clubs, the Situationists fought their battles during drinking bouts and in street actions, with attempts to destroy artworks and the Eiffel Tower, with anti-films and graffiti against the Society of the Spectacle.
The Museum Tinguely presents the most extensive exhibition hitherto on the Situationist International that was founded on July 28, 1957. On the occasion of the 50th anniversary of its foundation, 400 exhibits will illustrate this last important avant-garde movement that counted 72 artists among its members, with sections in Germany, Holland, America, North Africa and elsewhere, rescuing it from oblivion.
The exhibition reveals that the Situationists were not only the precursors of Fluxus, Arte povera and Punk (sic !!!), but that they also created their own aesthetics through their architectonic utopias, their comic strip collages, their political flyers and actions in May '68 - although their actual aim was the "overcoming of art-.
The Situationists did not wish to create works of art but rather new situations, to provoke confusion within society and turn cities into "psycho-geographical hubs". Their greatest work of art, seen under this angle, was the uprising in Paris in May '68. Following the failure of the 1968 revolts, the movement was dissolved in 1972 and was forgotten by public awareness. Yet, its philosophy became a political reality in Switzerland, in 1968 and again during the youth disturbances in 1980, and is the inspiration behind present-day opponents of globalisation in their battle against the "Society of the Spectacle-.
The last of the international avant-garde movements of the twentieth century, which was centred in Paris, existed from 1957 to 1972 with a total of seventy-two European, American, and North African members at various times. The guiding figure of the SI was Guy-Ernest Debord (1931-94), the exhibition is organized around his biography.
The SI's revolutionary program included the elimination of all forms of representation: the undermining of all authority, the destruction of all symbols of power, the elimination of art (even that of the Classical avant-garde) and all other forms of cultural spectacle, the regaining of the reality of life that had been expropriated by a society of consumption and commodities-in short, the struggle against late capitalist dispossession.
The rejection of the conventional intellectual discourse, its political radicalness, and also, quite simply, its limited number of members have contributed to the relative obscurity of Guy Debord and the SI outside France. As a consequence, the historical significance of the SI, which operated at the points of intersection between art and politics, is difficult to comprehend even today.
At the same time-not least as a result of the strong influence the SI's radical critique of society had on the student revolts-Situationist ideas were widely disseminated and left traces internationally in art, politics, architecture, and pop culture that can be followed right up to the present. Their methods can be found in Fluxus, punk, performance, and in the actions of the opponents of globalism in the twenty-first century.
The exhibition is structured chronologically and is divided into eight sections that illuminate the development of the predecessors and forerunners of the SI, such as the Lettrists and CoBrA through the intense collaboration of theorists and artists in the 1960s to the student unrest of 1968, which was powerfully influenced by the SI. Finally, it follows the traces of individual "members- after they were expelled by Debord. All the sections are bracketed by Debord's later film In girum imus nocte et consumimur igni of 1978, in which he looks back, in idealizing retrospective, on the great days of the SI.
The Negative
The direct precursors of the SI were Lettrism and the Lettrist International (LI). The protagonists of this truly underground movement developed beyond the usual institutions and lifestyles into a subculture that was unconditionally dedicated to social protest. Various spectacular actions and publications testify to the irreconcilable negativism that stopped at nothing, not even self-destruction. Every form of personal pact with the existing order was despised. Neither the production of art nor work was supposed to corrupt the negativist rebellion.
The Lettrists presumed that the destruction of poetry, hacking it down to the "letter,- would make it possible to liberate language. The prescription of the liberated new creation out of destroyed reduction was subsequently applied to all of the arts and every social theme. The entire past was to be dissolved and brought to a new act of creation. The exhibition will show works and documents that illustrate the rigorously asocial existence of the protagonists and their equally rigorous work in the media of language and film.
CoBrA
The other group that preceded the SI also turned against avant-garde positions that had become academic, such as Surrealism and abstraction. The name of the group formed in November 1948 by Christian Dotremont of Belgium, Constant Nieuwenhuys of the Netherlands, and Asger Jorn of Denmark was derived programmatically from the initials of the three cities from which the artists and writers came: Copenhagen, Brussels, and Amsterdam, and at the same time evoked the dangerous reptile that was supposed to seize French dominance and nomenclature in art in its stranglehold. With reference to popular art and Art Brut, the members of CoBrA sought to liberate art from its elite reservation and make it a product for all: "Art exists in every act of happy people. Art is joie de vivre; it is the automatic reflex of our attitude toward life.- Defined by this ambition, Christian Dotremont, Karel Appel, Pierre Alechinsky, Constant, and Corneille created their narrative, often abstrusely fissured paintings. Until the group was dissolved in 1952, all of its members worked tirelessly to re-infuse magic into everyday life.
Lettrist International
The declared goal of the secret faction within the Lettrist movement that was founded by Guy Debord and Gil Wolman in 1952-the immediate precursor to the SI-was to channel the anarchic, chaotic actions of the individualist Lettrists and lend them political significance. The group, which saw itself as an alternative to bureaucratic socialism, refused any completed works or labour altogether; it proclaimed a terrorist concept of freedom and denounced all morality. Analogously, Debord pushed the Lettrist decomposition to its aesthetic absolute in the medium of film by countering the "spectacle- of modern society with a provocative monotony. The outraged reactions of the viewers, who were thrown back on themselves and the possibility of becoming active themselves, provided the real soundtrack of Debord's films.
Situationist International
All of these sources fed into the founding of the Situationist International in 1957, at an international meeting of the proponents of various neo-avant-garde movements. It united groups from different countries, all of which were interested in changing the social reality by means of aesthetic concepts and a corresponding practice. In addition to representatives of the LI, there were members of CoBrA and Italy's "Mouvement international pour un Bauhaus imaginiste-. It was primarily Debord and Jorn who were behind this merger of various avant-garde revolutionaries.
One integral component of their theoretical work was presenting elements of social criticism and subversive theory with both radical, revolutionary seriousness and covert wit and self-mockery, which transgressed every normative boundary of established political discourse and profoundly confused the establishment. The deliberate violation of all the rules of the game valid in the business of cultural until that time soon acquired a character of political subversion and fundamentally influenced events in Strasbourg in 1966 and the revolts of 1968.
The Spectacle
In its critique, the SI under Debord worked from the concept of the "spectacle- and no longer criticized primarily the alienating effect of work but rather the colonization of free time and the totalitarian mediatising of life. Consequently, it promoted the idea of eliminating art as such in order to guide it to "free life.- The SI saw art as part of the "spectacle- that degraded human beings into passive consumers, thus merely demonstrating to them the happiness and adventure of life, and thereby abandoning them to the boredom of everyday life. The subsequent elimination of art they called for meant primarily the elimination of every form of representation. Only thus could the promise of happiness inherent in art be realized in everyday life. The revolutionary potential of the forms for coming to terms with reality that the avant-garde had developed since the First World War would finally be liberated.
Overcoming Art
The program of the Situationist International thus advocated the use of artistic means not to produce art or as a criticism of politics but rather to produce reality. That could not be achieved by an art that had long since become part of the consumer society. Its potential for negation had to be directed at itself, and art had to be eliminated along with everything else that made up the "society of the spectacle.-
A richly illustrated catalogue in a German and English edition will be published by JRP Ringier Kunstverlag AG to accompany the exhibition, with contributions by Hans Magnus Enzensberger, Axel Heil, Thomas Hirschhorn, Jacqueline de Jong, Michael Lentz, François Letaillieur, Annja Müller, Selima Niggl, Peter Sloterdijk, Juri Steiner, Mark Wigley, Nina Zimmer, Stefan Zweifel, and others.
Dee Dee Bridgewater
RED EARTH
CD DDB-EmArcy 06025 172 2829
CD+DVD (Ltd. Edition) 06025 172 2830
RED EARTH (in uscita nei negozi venerdì 30 marzo) è il coronamento di un sogno. Alla ricerca delle proprie radici ancestrali, Dee Dee viaggia in molti paesi africani in qualità di ambasciatrice dell’ONU presso la FAO.
Nell’incontro con le cultura (e soprattutto con la musica) del Mali fa scattare la scintilla: con la consulenza di Cheick Tidiane Seck nasce RED EARTH, un capolavoro cui partecipano in molti, comprese le voci femminili di Oumou Sangaré, Ramata Diakité, Mamani Kéita e Fatoumata "Mama" Kouyaté, la “voce d’oro” del Mali. Ci sono anche strumenti africani, alle prese con Long Time Ago (alias Footprints) di Wayne Shorter, Afro Blue di Mongo Santamaria… Uno degli album più trascinanti di questi ultimi anni.
Paul Ardenne
Extrême.
Esthétique de la limite dépassée
Flammarion - 10 octobre 2006
Notre époque est émotionnelle : elle aime les sensations fortes, les défis délirants, la violence. Ces excès en tous genres, elle se les représente volontiers sous une forme extrême, où l'accent est mis sur ce qui chavire nos sens : l'intensité, la démesure, le moralement inadmissible, l'horreur. Un élan destructeur au point de rendre légitime, en termes spectaculaires, une «esthétique de la limite dépassée».
L'objet de ce livre est double. D'une part, documenter par le menu les formes d'expression contemporaines fortes de ce désir de dépassement esthétique : spectacles superlatifs, performances artistiques engageant la souffrance, documents d'actualité insoutenables, images de la pornographie dure, cinéma violent, mises en scène de la scatophilie, idolâtrie de la mort et du cadavre. D'autre part, analyser le glissement vers l'esthétique extrême que consacre, plus qu'aucune autre, la société occidentale. Magnétique et médiatique, la représentation de l'extrême y constitue désormais une véritable culture, un nouveau référent, un but.
Fourmillant d'exemples, cet essai s'attache enfin à apporter une réponse à ce questionnement cardinal : quel avenir, en Occident, pour le spectacle du pire ? Car à l'esthétique extrême il y a, en bout de course, une conséquence dramatique : l'épuisement du désir de voir. Que faire dès lors pour revivifier ce désir sinon, à plus ou moins court terme, devoir extrémiser l'extrême lui-même et ses représentations ?
Werner Spies
L'oeil, le mot
Christian Bourgois - 2007
De la photographie encore tout encombrée de pesants appareils se jetant, à la fin du XIXe siècle, à la conquête du Mont Blanc jusqu'à l'inutilité somptueuse des 7532 portes safran installées par Christo et Jeanne-Claude au cœur d'un Manhattan sidéré dans la contemplation inquiète de " Ground Zero ", Werner Spies arpente un siècle où l'art apparaît plus que jamais comme une réponse et un défi à l'histoire, à ses embrasements meurtriers, à ses convulsions inouïes. Outre la connaissance érudite des œuvres, Werner Spies appuie ses réflexions sur les liens d'étroite familiarité qui l'unissent ou l'ont uni à leurs auteurs. Il en résulte une sorte d'histoire portative et privée de l'art de la seconde moitié du XXe siècle.
Elisabetta Goggi
Passeggeri
Berio Café
Via Del Seminario 16 - 16121 Genova
dal 19 aprile al 19 maggio 2007
Obiettivo talento. O talenti dietro all’obiettivo. Le abilità abbondano al Beriocafè di Genova (www.beriocafe.it, via del Seminario 16, 010/5705416), vera e propria fucina di aspiranti artisti che prosegue sul cammino delle giovani rivelazioni. Dopo il successo della mostra fotografica firmata da Diana Lapin (foto), promessa di origine polacca poi premiata nel settore delle arti visive anche nell’ambito del Cercatalenti, il testimone su pellicola passa a Elisabetta Goggi (foto), giovane fotografa di Novi Ligure (vedi Cv allegato) collaboratrice della Galleria Ellequadro Documenti di Tiziana Leopizzi (Porticato di Palazzo Ducale, Pzza Matteotti 44-46, 010/2474544, www.ellequadrodocumenti.com). Giovedì 19 aprile 07 alle ore 11.30 si terrà infatti presso il locale diretto da Paolo Vanni (foto) il vernissage della mostra “Passeggeri”, seconda tappa della trilogia dedicata agli scatti “in rosa” che si concluderà con una personale di Manuela Genta (foto). “Dopo il grande successo ottenuto dalle fotografie di Diana Lapin –dice lo stesso Paolo Vanni- abbiamo deciso di proseguire sulla strada delle artiste fotografe donne, costituendo un piccolo ciclo in cui Elisabetta Goggi è la seconda proposta”. Elisabetta vive a Novi Ligure, pendolare con Genova per studiare e lavorare. Ha vinto recentemente il concorso "Acqua e Ferro" (Nuovi Nipoti di Hudson, 2006). “La Goggi ha aperto gli occhi sulla ripetitività del quotidiano, cercando di isolarne attimi unici ed irripetibili - commenta Susanna Bianchini, critica d’arte e giornalista (vedi allegato) - Se in una grigia mattinata d'inverno un viaggiatore insonnolito, diretto come ogni giorno dal luogo in cui vive al luogo dove lavora, altrove, lontano, trasportato da un freddo metallico treno, alzasse un attimo lo sguardo dal suo solitario giornale, o distogliesse il pensiero dalle proprie preoccupazioni quotidiane, ciò che vedrebbe non sarebbe troppo dissimile dalle immagini fotografiche di Elisabetta Goggi. Ogni giorno, centinaia di lavoratori, studenti e viaggiatori occasionali, riuniti sotto la comune etichetta di "pendolari", compiono sempre lo stesso viaggio, scandito dal rumore dei treni sui binari. I volti si mescolano tra noti, forse già visti e completamente nuovi, come una scoperta quotidiana, un gioco mentale di memoria che alla fine lascia delle espressioni fugaci e indefinibili. Ne deriva una consapevolezza globale di solitudine, di impossibilità di vera conoscenza e del continuo scorrere transitorio della realtà. Una realtà che non possiamo fermare se non attraverso uno scatto fotografico”. L'obiettivo di Elisabetta, analizza volti e scenari di quotidiana anonimità, restituendoci una squisita riflessione, vista la qualità delle immagini, letteralmente su "chi siamo" e "dove andiamo". “Passeggeri –conclude la Bianchini- è una mostra che ci restituisce la purezza unica di uno sguardo, il quale s'interroga sulla realtà circostante senza lasciarla semplicemente scorrere via come un treno in transito”.
martedì, aprile 03, 2007
DOUGLAS GORDON
Pretty much every film and video work
from about 1992 until now.
To be seen on monitors, some with headphones,
others run silently, and all simultaneously
(1992-2007)
a cura di Cristiana Perrella
Assistente: Maria Cristina Giusti
British School
Via Gramsci 51 - Roma
dal 2/4/07 al 30/5/07
Pretty much every film and video work from about 1992 until now. To be seen on monitors, some with headphones, others run silently, and all simultaneously (1992-2007) e' una retrospettiva in una stanza, attraverso la quale il pubblico ha la rara opportunità di avere una visione completa di uno degli aspetti piu' salienti del lavoro di Douglas Gordon: quello legato all'immagine in movimento. Come recita il titolo infatti, ogni singolo video realizzato da Gordon dall'inizio della sua carriera ad oggi e' riprodotto su un monitor, in un'installazione che e' un work in progress e che cambia configurazione ogni volta che viene esposta, non solo perche' si aggiungono sempre nuovi lavori ma anche perche' prende una forma diversa a seconda del carattere del luogo che la ospita.
Presentata la prima volta alla Galeria Foksal, a Varsavia nel 1999, poi alla Hayward Gallery di Londra nel 2002, alla Fundació Miró a Barcellona nel 2006 e recentemente al MART di Rovereto, l'installazione conta ora, nel suo nuovo allestimento pensato per la British School at Rome, 50 monitor con altrettante opere, distribuiti nell'intero spazio della galleria, poggiati direttamente sul pavimento, o su cassette di legno, cartoni da imballaggio, mensole, casse di birra, a circondare lo spettatore. L'opera di Gordon mostra in questa carrellata tutta la sua ricchezza e la sua varietà. dai lavori su spezzoni di vecchi filmati medici, agli interventi su famosi film hollywoodiani come Psycho, Taxi Driver o L'esorcista, dai video che utilizzano riprese ravvicinate di parti del corpo mentre compiono gesti minimi, a sequenze molto piu' costruite e monumentali, come quelle dell'elefante che -fa il morto-. I temi principali del suo lavoro, cioe' il tempo e la memoria, la percezione e la ripetizione, l' interpretazione e l'autenticità, il buio e la luce, sono tutti legibili in questa installazione, che si propone come un'unica narrativa, oscura e atmosferica, in cui echeggiano, moltiplicandosi, tutte le ossessioni dell'artista.
Douglas Gordon (Glasgow, Scozia, 1966) vive e lavora a New York. Vincitore del Turner Prize nel 1996, nel 1997 del Premio 2000 della Biennale di Venezia e nel 1998 dell' Hugo Boss Prize, negli ultimi dieci anni ha tenuto mostre nelle principali gallerie e nei maggiori musei del mondo: lo SkulpturProjekte di Münster, il Muse'e d'Art Moderne de la Ville de Paris, il DIA Center di New York. Nel 2006 il suo lavoro e' stato esposto alla Fundació Joan Miró di Barcellona, al MoMa di New York, alla National Gallery di Edinburgo, e ultimamente al MART di Rovereto. Il suo ultimo lavoro, Zidane a 21st Century Portait , realizzato in collaborazione con l'artista francese Philippe Parreno, e' stato presentato a Cannes (selezione ufficiale), nel 2006, e proiettato nel corso di vari eventi pubblici, tra cui una serata allo stadio St. J