sabato, novembre 21, 2009
BRUCE NAUMAN
DAYS AND GIORNI
The Philadelphia Museum of Art
Benjamin Franklin Parkway at 26th Street - Philadelphia
21/11/2009 - 4/4/2010
From November 21, 2009 through April 4, 2010, the Philadelphia Museum of Art will host the U.S. premiere of two sound installations, Days and Giorni (both 2009), by the celebrated American artist Bruce Nauman. Days will be presented in the main Museum building's Gisela and Dennis Alter Gallery (176) and Giorni in the Perelman Building's Exhibition Gallery, each filling these large spaces. This exhibition marks the first time in seven years that Nauman is showing new major installations in the United States.
The two works are currently on view in Bruce Nauman: Topological Gardens, the exhibition organized by the Museum to represent the United States in the 53rd Venice Biennale. They are the artist's most recent works in the thematic survey comprising four decades of Nauman's provocative art. In June, the exhibition garnered the prestigious Golden Lion for the Best National Participation, the first time since 1990 that the United States has received the much-coveted award.
"We are delighted to bring these remarkable works by Bruce Nauman to Philadelphia," said Timothy Rub, the Museum's George D. Widener Director and Chief Executive Officer. "They reflect the depth of Nauman's vision in its most mesmerizing aspect and they are wonderful highlights of the Venice Biennale, where the United States and Philadelphia in particular have drawn tremendous attention. We are thrilled to share these exceptional works with audiences here in Philadelphia and across the U.S."
In both Days and Giorni, the days of the week are recited by a range of participants from a script of subtly varying combinations written by Nauman. The voices differ in language-English in Days and Italian in Giorni-and also in rhythm and progression. The voices that comprise Days were recorded and edited over time in the United States. Nauman recorded Giorni during a single day in Venice where he worked with students and faculty of the Universitá Iuav di Venezia.
The installation of each work consists of seven pairs of square, flat panel speakers clipped to floor-to-ceiling metal cables and configured in succession along the length of the galleries. The voices that emanate from these directional speakers that comprise Days and Giorni can be experienced collectively or in isolation, creating an orchestration of sound that is moving, forceful and unrelenting. As Nauman's text both repeats and deftly rearranges the days of the week, it likewise alters and undermines the sequence that normally measures the passage of time.
"The presentation of Days and Giorni in the context of the Museum's -Notations' series, which is exclusively devoted to contemporary art, will allow our visitors to draw parallels between these works and those of the Museum's collection, including other works by Nauman," said Carlos Basualdo, the Keith L. and Katherine Sachs Curator of Contemporary Art, who organized the presentation in Philadelphia with Project Curatorial Assistant Erica Battle. "Bruce Nauman is one of the most influential artists of our time, and it will be thrilling to see his new works in the context of those by Marcel Duchamp and Jasper Johns, which are also essential components of the Museum's collection."
During the run of Bruce Nauman: Days and Giorni, the Museum will also present an installation of three recently acquired early films and videos by the artist, in Galleries 178 and 179. This selection-including Dance or Exercise on the Perimeter of a Square (Square Dance) of 1967-68, Slow Angle Walk (Beckett Walk) of 1968, and Wall-Floor Positions of 1968-features Nauman using his own body to investigate the space of his studio through systematic and repetitious movements. Nauman filmed these works shortly after creating his iconic Window or Wall Sign of 1967 which was recently acquired by the Museum for its permanent collection and is on view in Gallery 170.
To mark the opening of Notations/Bruce Nauman: Days and Giorni, the Museum is publishing a book of photographs illustrating Nauman's works in situ in Topological Gardens that were taken by Michele Lamanna, a former student of Università Iuav. The 60-page book, titled Bruce Nauman: Topological Gardens/Installation Views represents a rare opportunity to publish installation photographs that document the exhibition of Nauman's work in Venice and will now serve as a complement to the exhibition's 240-page catalogue featuring four scholarly essays on Nauman's work and the Venice project. The forthcoming publication Bruce Nauman: Topological Gardens/Installation Views is supported by a professional development grant from The Pew Center for Arts & Heritage through the Philadelphia Exhibitions Initiative.
In Topological Gardens at the Biennale, Giorni is presented at the Exhibition Spaces at Universitá Ca'Foscari while Days is on view at Università Iuav. In collaboration with the Università Iuav and the Università Ca' Foscari, the Museum organized the U.S. participation to spread across Venice with installations at the U.S. Pavilion and the two universities. The installations at the universities continue through October 18, while the installation at the U.S. Pavilion is on view through November 22. Carlos Basualdo, the Keith L. and Katherine Sachs Curator of Contemporary Art, and Michael R. Taylor, Muriel and Philip Berman Curator of Modern Art, Philadelphia Museum of Art, served as the U.S. Commissioners.
Notations/Bruce Nauman: Days and Giorni is made possible by the Commonwealth of Pennsylvania, the Henry Luce Foundation, and The Pew Charitable Trusts, with additional funding from Agnes Gund, Maja Oeri and Hans Bodenmann, Sperone Westwater Gallery, and many other Friends of Bruce Nauman. The related catalogue was made possible by Isabel and Agustín Coppel, and was published on the occasion of the premiere of these works in Bruce Nauman: Topological Gardens, the official U.S. representation at the 53rd International Art Exhibition-La Biennale di Venezia, which was organized by the Philadelphia Museum of Art.
CAI GUO-QIANG
HANGING OUT IN THE MUSEUM
Taipei Fine Arts Museum
181 Zhongshan North Road Section 3
Taipei Taiwan
21 November 2009 - 21 February 2010
Internationally acclaimed artist Cai Guo-Qiang was born in Quanzhou City, Fujian Province. He speaks Fukienese and is also a follower of the goddess Mazu; for him, visiting Taiwan "feels like coming home." In 1998, Cai was first invited by the Taipei Fine Arts Museum to realize Golden Missile and Advertising Castle for the 1998 Taipei Biennial. In the same year, he was commissioned to realize the No Destruction, No Construction: Bombing the Taiwan Museum of Art project. In 2004, Cai curated the BMOCA (Bunker Museum of Contemporary Art: Everything is Museum No. 3). After the September 21, 2000 earthquake and August 8, 2009 floods, he donated his works to charity sales, showing his deep affection and friendship for Taiwan.
This is Cai's second collaboration with the Taipei Fine Arts Museum and his first exhibition inside the grand space of the museum. Through the positioning of the installation works in the architectural space, Cai looks back at his works and places them in new contexts, challenging and energizing the museum space in unusual ways. The 35 works on exhibition are drawn from internationally renowned museum and private collections, and include three specially created new works. In this exhibition with the special featuring Cultural Melting Bath (1997), audiences are invited to join the medicinal bath located in the outdoor courtyard. For this exhibition, Cai Guo-Qiang devoted intensive artistic thanking for three new works: Day and Night, a gunpowder drawing based on the physical diary of a female nude; the classical Chinese landscape Toroko Gorge, inspired by Cai's recent visit to the spectacular landscape in eastern Taiwan; and Strait, a Quanzhou rock curved as a cross-section of Taiwan Strait transported in this occasion by sea, literally through the ancient journey from the mainland China.
As a contemporary artist, Cai Guo-Qiang not only dreams audaciously, he is effective doer in realizing his artistic vision. His explosive energy does not stem from gunpowder, but from an unrestrained flow of creative energy, an ability to create social dialogue, and a dogmatic romanticism. This exhibition highlights the artist's background and development, his creative process, and his insistence on and methods of making art more accessible to the general public. To fully embrace the theme of "hanging out in the museum" and to create opportunities where the public can interact with art, a series of activities and programs, such as the public viewing and volunteer training for the creation of several gunpowder drawings in the exhibition, and related education programs have been initiated. The exhibition also seeks to examine Cai Guo-Qiang's creations and the zeitgeist in his art, through contemplating the practice of contemporary art, critiquing socio- and geopolitics, and reflecting on Eastern aesthetics and philosophy.
MARGARET SHEFFIELD
THE EXPRESSIVE EDGE
Charta, 2009
L’autore identifica tre tipi di “limite”: “che contiene”, come nel Classico, ”ampio” come nel Barocco, e “in mutamento costante” come nella scultura contemporanea. Noi spesso accettiamo questi limiti senza pensare. I contorni irregolari degli Schiavi di Michelangelo esprimono sofferenza, mentre quelli di Isamu Noguchi esprimono una visione occidentale di bellezza come irregolarità. Nel Bernini, l’intensità drammatica dei suoi contorni scolpiti unisce il profilo dell’opera allo spazio. In Rodin, ciò che lui chiama le sue “silhouette multiple” esprime l’appassionata vitalità del corpo. In Boccioni, la violenza del margine irregolare esprime l’estetica Futurista del movimento frenetico e dello slancio vitale. Negli artisti moderni come Maya Lin e Giuseppe Penone, il profilo mobile dell’opera riflette la sua interpretazione appassionata della natura in cambiamento costante.
KIKE ARNAL
IN THE SHADOW OF POWER
Testi di Ralph Nader e Fred Ritchin
Charta, 2009
Un’esplorazione nelle realtà sociali e economiche delle capitali più ricche della Terra.
Washington D.C. è molto più di quel che i visitatori vedono al Capitol e al National Mall, nei musei, nei monumenti e alla Casa Bianca. Il libro documenta una ricerca nell’altra città, quella che detiene il record di mortalità infantile della nazione, il numero più alto di gravidanze in età adolescenziale, dove le infezioni da AIDS sono dieci volte la media nazionale, e dove il 16% dei bambini vive in situazioni di povertà estrema.
Il libro porta alla luce le esistenze che stanno dietro alle statistiche e i tremendi contrasti economici e sociali evidenti nel centro del potere mondiale. Le immagini colgono verità accantonate con superficialità da elite troppo occupate.
La promessa di Washingtong DC, in un certo senso, è che la retorica vuota della upper class dovrebbe trasformarsi nel potenziale che potrebbe migliorare le vite calpestate dei propri cittadini nella realtà concreta della strada.
GIOVANI IDEE IN TRANSITO NEL MONDO
a cura di Martina Starnini
19 novembre 2009 – 09 gennaio 2010
Sala Dogana Palazzo Ducale – Genova
Artisti in mostra:
Francesca Arri, Andrea Bosio, Alessandro Cardinale, Alessio Chierico, Cristina Gori, Alice Grassi, IMPOSSIBLE SITES.DLR, Giovanni Lami, Camilla Marinoni, Yael Plat, Natalia Serrano Rodriguez, Marco Strappato
Francesca Arri (Asti, 1983) attraverso l’installazione Uno, nessuno, centomila.0000000000000, invita a liberarsi della scomoda gabbia dell’identità e dell’immagine del sé per schiudersi all’altro, evadere dal proprio fragile guscio. Costretti dentro panieri sociali, vicini ma distanti e isolati, rinunciamo a vivere mescolandoci…e se invece decidessimo di rompere il nostro guscio e nascere?
Accetta il dono dell’uovo e donalo a tua volta in cambio di un gesto, di un pegno d’amore e fiducia.
Andrea Bosio (Genova, 1980) in Rifiuti: tracce di una società globalizzata riflette sul movimento delle merci, legato ai meccanismi di produzione e consumo a livello mondiale, analizzandone minuziosamente l’ultimo stadio della catena: lo scarto. Cosa si può scoprire esaminando attentamente il contenuto di un sacchetto dei rifiuti? Gusti difformi, pranzi luculliani o ascetici, ricette legate a tradizioni gastronomiche diverse o condizionamento mediatico, vita sana o junk food? La vita intima di 8 persone provenienti da paesi diversi per approfondire il concetto “pantagruelico” di globalizzazione.
La tecnica utilizzata da Alessandro Cardinale (Camposanpietro, 1977), permette all’artista un salto semantico che trasforma il tempo e la modalità di fruizione dell’immagine. Veloci scatti fotografici vengono trasformati in forme che emergono da una piena superficie nera, attraverso il lento processo d’incisione; permettendo alla luce, che gioca tra i pieni e i vuoti, di dare nuova forza e significato. Una riflessione meditativa su momenti vissuti, una nuova attenzione ai dettagli, che nel caso dell’opera F798, fa emergere una sensazione alienante di estraneità.
All’interno di un esposizione dei più acclamati artisti cinesi del momento, a Pechino, l’artista si accorge di essere il vero ospite straniero, lontano dal proprio ambiente, ma in profonda comunicazione empaica con il contesto.
“In questa era elettrica ci vediamo tradotti sempre di più sotto forma di informazioni, in movimento verso l’estensione tecnologica di coscienza”. Riflettendo sull’affermazione di Marshall McLuhan, Alessio Chierico (Perugia, 1984) utilizza il codice digitale come metalinguaggio attraverso cui interagiamo con il mondo sia informatico che analogico o relazionale: una forma di linguaggio puro e neutro, comune a tutte le culture del mondo.
Hidden Nude è la traduzione di una fotografia dell’artista nudo in codice esadecimale, un’apparente censura visiva che in realtà è perfettamente decodificabile e riconoscibile in tutto il mondo, con la stessa facilità di lettura del linguaggio corporeo.
Cosa accadrebbe se all’improvviso la deriva dei continenti producesse una diversa conformazione terrestre? Una Nuova Pangea darebbe luogo ad una rivoluzione degli equilibri, creerebbe diverse relazioni gerarchiche, profonde trasformazioni nella distribuzione della ricchezza. Ogni continente avrebbe un nuovo ruolo, un nuovo futuro da progettare e realizzare.
Attraverso un’installazione interattiva Cristina Gori (Padova, 1976) ci permette di creare il Mondo che più ci piace, per tracciare almeno simbolicamente e nella nostra speranza, destini diversi e nuove possibilità.
Alice Grassi (Catania, 1981) coglie, con il video Babel , le difficoltà umane legate alla comunicazione. Lo spettatore è partecipe del doloroso processo relazionale del dialogo: l’artista bendata tenta disperatamente contatti con il suo interlocutore; ma è muta e i taciti fili di parole che escono dalla sua bocca rimangono inascoltati, perché il destinatario è assente, precipitato attraverso il buco nero della semiotica.
IMPOSSIBLE SITES.DLR (Giuditta Nelli, Lavagna 1975; Tommaso Bozzalla, Torino, 1976) portano in mostra le esperienze e i risultati di quattro laboratori realizzati sul tema dei luoghi impossibili. Tra l’Italia e il Senegal, il gruppo di artisti ha coinvolto bambini ad analizzare la propria città attraverso lo strumento delle macchine fotografiche stenopeiche.
Durante l’ultimo laboratorio urbano, realizzato a Genova in occasione della mostra, i bambini del Centro Sociale Il Formicaio hanno dato una nuova lettura a luoghi conosciuti, scegliendo il soggetto delle proprie fotografie, il loro “luogo impossibile”. Incontri impossibili. Rencontres impossibles è un laboratorio in progress che collega idealmente punti geografici lontani, analizzando luoghi fisici e immaginari, dando ai bambini nuovi mezzi di esplorazione del Mondo.
Con Apnea Giovanni Lami (Ravenna, 1978) analizza il termine Intercultura nel senso più ampio, attraverso il concetto inglese di Cross-Culture, a cui spesso si fa riferimento parlando di cultura Queer. Il lido di Ravenna, città di residenza dell’artista, raccoglie una delle più grandi comunità transgender a livello europeo, enclave principalmente brasiliana, all’interno del territorio romagnolo.
Giovanni Lami attraverso la sua serie fotografica analizza i sottili rapporti che si instaurano tra i territori e le persone che li abitano, e che in essi portano la propria cultura, in una fisica e concettuale commistione di generi, che a volte si palesano e a volte rimangono muti e sospesi, in apnea.
Gli scatti fotografici dell’installazione Me=You sono stati realizzati dall’artista Camilla Marinoni (Bergamo, 1979) in un villaggio dell’Uganda (nella regione della Karamoja), dove l’artista ha anche raccolto il ramo di spine. Le due mani vengono messe in relazione ed unite dal concetto simbolico della passione che il ramo di spine racchiude. Un tentativo di uguaglianza che passa attraverso la sofferenza e la lotta, per affermare la necessità che tutti possano godere degli stessi diritti, in un contesto di apertura e positiva contaminazione reciproca, sulla base delle rispettive diversità.
La cartina geografica di Yael Plat (Gerusalemme, 1980) è coperta di spilli neri, ma non segnalano luoghi o percorsi, bensì sono fissati al contrario con la punta verso l’alto a simboleggiare la pericolosità di ogni singolo pezzo di terra, segnato da conflitti, sopraffazioni e ingiustizie. No place to land, un mondo di emergenze, un enorme campo di battaglia, dove la casa sospesa sopra la cartina non può poggiarsi per poter fissare le fondamenta, per poter costruire un futuro, nell’impossibilità di trovare un luogo sicuro dove vivere.
Natalia Serrano Rodriguez (Madrid, 1981) nella serie fotografica Mexico lindo y querido rende omaggio alla cultura messicana, dove nella piccola cittadina di Zacatecas ha vissuto l’esperienza dell’emigrata, esterna, lontana dalla proprio luogo d’origine, e dove è stata accolta con rispetto e curiosità. L’artista riflette sui valori persi in Europa, dove non c’è fiducia nell’altro, dove lo straniero è estraneo e fa paura, in rapporto alla cultura messicana dove la commistione di culture è fonte di ricchezza.
ESTRATTO #3- HOSSEIN PENSA CHE…di Marco Strappato (Porto san Giorgio, 1982) è un episodio della ricerca che l’artista sta attuando nell’ambito della produzione mediatica. Lo scopo è la realizzazione di un infinito archivio di Estratti colti dalle più disparate fonti di inquinamento visuale, dalla pubblicità all’informazione, attraverso il recupero di materiali altrui come documentari o interviste. L’Estratto in mostra è tratto da una pellicola cinematografica, che l’artista spezza e spolpa dell’aspetto visivo, costringendo lo spettatore ad uno sforzo cognitivo di analisi e comprensione. Privando il sonoro dell’immagine si conduce l’attenzione alla mera percezione uditiva, all’interno di un processo che nella rimozione aggiunge significati.
venerdì, novembre 20, 2009
TACITA DEAN
2009 Kurt Schwitters Prize for Visual Art
Curated by Ulrich Krempel and Isabelle Schwarz
Sprengel Museum
Kurt Schwitters Platz, Hannover
20/11/2009 - 28/3/2010
This year's Kurt Schwitters Prize for Visual Art has been awarded by the Lower Saxony Savings Bank Foundation to Tacita Dean. Born in Canterbury, 1965, this British artist now lives and works in Berlin. The award pays tribute to an artist who is internationally-renowned and whose art is -carried by a sense of history, time and place, the quality of light and the essence of film itself- (to quote the jury).
To mark the occasion, the Sprengel Museum Hannover proudly presents the German premiere of the artist's six film installation Merce Cunningham performs STILLNESS (in three movements) to John Cage's composition 4'33" with Trevor Carlson, New York City, 28 April 2007 (six performances; six films), 2008, and the European premiere of her new film, Craneway Event, 2009. For Merce Cunningham performs STILLNESS, Tacita Dean asked the legendary choreographer and dancer Merce Cunningham (1919 - 2009) if he would perform himself to John Cage's silent composition 4' 33-. He gave this new performance and choreography the name, STILLNESS.
Each of the six performances is filmed in a different way and shows the American dancer seated in his Manhattan dance studio, holding his position for the three movements of Cage's composition. The minimal scene is only interrupted when Trevor Carlson, director of the Merce Cunningham Dance Company, signals the end of each movement with his hand. Cunningham's image is always projected life-size and the six screens sit on the floor emanating, as closely as possible, his actual presence in the installation. In 4'33-, John Cage interpreted fortuitous sounds as music and explored the phenomenon of silence. It was first performed in 1952. Tacita Dean's six-part installation was first shown at Dia:Beacon in upstate New York in 2008.
Craneway Event has sadly become the last film ever to be made with and about Merce Cunningham. Filmed in November 2008 in a former Ford factory in Richmond, California, Dean shows Cunningham rehearsing with his dancers in preparation for an event. The plant was designed in 1930 by Albert Kahn with continuous glass to maximise daylight working hours, Tankers pass, pelicans swoop low and the continually shifting light become a stunning backdrop for the human activity inside.
The Lower Saxony Savings Bank Foundation has been awarding the Kurt Schwitters Prize since 1996. It is awarded to artists of international standing whose work is not only of outstanding significance but also exercises a lasting influence on the art of the present day, and especially to those artists whose works in some way relate to the artist Kurt Schwitters, who was a native of Hanover (1887-1948), or who work in entirely new fields of art or have made an essential contribution to the interaction and integration of different artistic disciplines.
The decision to award the 2009 Kurt Schwitters Prize to Tacita Dean was based on the recommendation of an international jury comprising Prof. Dr. Ulrich Krempel (Chairman), Director of the Sprengel Museum Hannover, Prof. Dr. Beatrice von Bismarck, Vice-Chancellor of the Academy of Visual Arts, Leipzig, Hendrick Driessen, Director of the De Pont museum voor hedendaagse kunst (Tilburg, Netherlands), Dr. Fabrice Hergott, Director of the Muse'e d'Art moderne de la Ville de Paris, Adrian Searle, Art Critic of The Guardian, London, and Prof. Thomas Wagner, Art Critic (Frankfurt am Main).
Previous award winners include: Raymond Hains (1996), Thomas Schütte (1998), Gary Hill (2000), James Coleman (2002), Joep van Lieshout (Atelier Van Lieshout) (2004) and Rodney Graham (2006).
Tacita Dean today lives and works in Berlin. Her impressively varied oeuvre comprises films, drawings, photographs, audio recordings and installations. The works of Tacita Dean have been shown in international solo and group exhibitions since 1992. The artist's most recent solo exhibitions have taken place at Fondazione Nicola Trussardi, Milan; ACCA, Melbourne (2009), the Solomon R. Guggenheim Museum, New York (Hugo Boss Prize Exhibition); Hugh Lane Gallery, Dublin (2007) and Schaulager, Basel (2006)
TATIANA TROUVÉ
A STAY BETWEEN ENCLOSURE AND SPACE
Curated by Heike Munder
Migros Museum für Gegenwartskunst
Limmatstrasse 270 8005 Zürich
20/11/2009 - 21/2/2010
Tatiana Trouvé (born 1968 in Cosenza, lives and works in Paris) became known for her room constructions, architectonic interventions, and snake-like metal sculptural objects that are seemingly solidified in movement - as if frozen. In her artworks Tatania Trouvé often explores the association between the "inner" and the "outer" on both material and psychological levels. Psychological spaces are turned outwards and become concrete, uncanny "inner" spaces. For this, her first solo exhibition in Switzerland, Tatiana Trouvé is exhibiting an installative spatial structure with architectonic interventions and large format drawings.
As the exhibition title suggests, Tatiana Trouvé persistently attempts to structure connections between "inner" and "outer" afresh, to create a new transition in the exhibition space, in which mental and physical space correlate with one another to form a new reality. For each of her exhibitions, Trouvé uses the specific architecture of the exhibition site, where she carries out extremely precise interventions that interfere with its "cycle", reconstructing and refiguring it. Thus, the space at the foremost part of the museum becomes an installation composed of various points; a mesh of copper filaments placed directly into the floor and in the walls, leading to a perspex monolith, which is placed in the room vertically. The installative arrangement can read as a "redirection" of energies with set-off from the space. Opposite this is an area with numerous pendulums that have been brought to a standstill, each of which has been sent in a different direction by an invisible magnetic field. The pendulum, an instrument frequently used in research about magnetic fields and often lending a space the character of a living organism, here takes on an uncanny, mysterious character. In the antithesis of the rhythmic time-defined beat of the metronome, the organism "space" appears to have been cast into an artificial, deep slumber. Thus Tatiana Trouvé thematises Sigmund Freud's notion of the "unHEIMlich" (often translated into English as -uncanny' but the German literally means "not like home" or "unfamiliar" thus strange, alien or uncanny and relates, in Freud's famous essay, to his use of the etymology of "unheimlich" and its return in the German language to Heim - home, the familiar) nominated in a space where the "Heim" (home) suddenly becomes a place of unease.
Also to be read in this context, are Tatiana Trouvé's two dimensional works - collages and large-scale drawings, some of which are applied directly onto the wall. One such wall work also determines the second part of the exhibition. At first glance, the drawings appear like classical-perspectival architectural sketches, but upon more precise scrutiny they continually veer from their perspectival vanishing lines, rendering their inner architecture nebulous. In her work Tatania Trouvé persistently attempts to visualise anew, from the "unconscious", conditions that are constantly affected by uncertainty; her module-charged "mental landscapes" circle around themes such as living space, memory, architecture and the construction of reality.
Works by Tatiana Trouvé have most recently been seen (amongst others) at the Centre Georges Pompidou, Paris (solo exhibition, 2008), at FRAC Lorraine (solo exhibition, 2008), and at Manifesta 7 (2008).
ANTONIN ARTAUD
HISTOIRE VÉCUE D’ARTAUD-MÔMO
Fata Morgana, 2009
Collection "Scalps"
Mon corps est à moi, je ne veux pas qu’on en dispose. Dans mon esprit circulent bien des choses, dans mon corps ne circule rien que moi. C’est tout ce qui me reste de tout ce que j’avais. Je ne veux pas qu’on le prenne pour le mettre en cellule, l’encamisoler, lui attacher au lit les pieds, l’enfermer dans un quartier d’asile, lui interdire de sortir jamais, l’empoisonner, le rouer de coups, le faire jeûner, le priver de manger, l’endormir à l’électricité.
La date du 13 janvier 1947, est aujourd’hui devenue mythique : au Théâtre du Vieux-Colombier, à 21 heures, Antonin Artaud tient une conférence devant une salle bondée où sont présents : Paulhan, Adamov, Gide, Breton, Camus, Braque, Picasso, Dufour, Derain, Audiberti, et beaucoup d’autres. Ce projet de conférence qu’Artaud avait formé très peu de temps après son retour à Paris, reste un événement hors du commun qui l’a vu s’exposer de manière totale, parfois à la limite du soutenable. Il était venu au théâtre avec trois cahiers contenant un texte soigneusement préparé dont nous donnons ici la transcription établie par Paule Thévenin.
J’ai pour me guérir du jugement des autres, toute la distance qui me sépare de moi-même.
PIERRE ALECHINSKY
REIN, COMME SI DE RIEN
Fata Morgana, 2009
Dessins de l’auteur faits en 1962 d’après des mies de pain modelées par le sculpteur.
Reinhoud ne serrait jamais la main. On la lui serrait. « Alors, mon vieux camarade... » Il est loin. La tête de gauche à droite dodeline et déconnecte le tuyau d’oxygène. Je rétablis l’apport au seuil des narines. Agitation du scarabée sur le dos. Il retombe dans le sommeil. Je quitte la chambre. Une infirmière dans le couloir se fait les ongles.
La complicité de soixante ans qui unissait Pierre Alechinsky à Reinhoud avait les propriétés, tendre et solide, de ces plaques de cuivre, qui, repoussées au marteau, gagnaient des visages imaginaires aussi bonhommes qu’inquiétants. Le peintre, à la plume et au pinceau, nous offre un portrait du sculpteur d’une troublante intimité, traversée d’un monde onirique où la mie de pain règne en modèle, peuplé de ce bestiaire si merveilleux, mi animal, mi organique, à la fois grotesque et magique.
STEFANO BRICARELLI. FOTOGRAFIEPalazzo Rosso
Via Garibaldi 18 - Genova
20 novembre 2009 - 10 gennaio 2010
Inaugurata giovedì 19 novembre a Palazzo Rosso la mostra “Stefano Bricarelli. Fotografie”, organizzata all’interno del programma “Genovafotografia”, in collaborazione con la Fondazione Torino Musei. La rassegna presenta circa cento scatti di un emblematico rappresentante della fotografia italiana della prima metà del XX secolo, il torinese Stefano Bricarelli (1889 – 1989), recentemente riscoperto soprattutto come esponente della corrente pittorialista.
Le stampe originali, realizzate con tecniche diverse (dalla gomma bicromatata alla carta salata alla gelatina al bromuro d’argento), provengono dal Fondo omonimo dell’Archivio Fotografico della Fondazione Torino Musei e dall’archivio di Carla Bricarelli, figlia dell’artista, che nel 1997 donò parte del patrimonio fotografico paterno ai Musei Civici della sua città.
La mostra ripropone nelle sue linee essenziali quella organizzata nel 2005 dalla Galleria d’Arte Moderna di Torino, e curata da Pierangelo Cavanna, uno dei più importanti storici italiani della fotografia, autore anche del catalogo, pubblicato dalle Edizioni Fondazione Torino Musei, disponibile anche in quest’occasione.
Le immagini coprono un vasto arco di tempo, dal 1907 agli anni ’70, e permettono di ripercorrere le tappe fondamentali non soltanto della produzione dell’artista e della storia della fotografia italiana, ma anche dell’evoluzione politica, sociale e culturale della nazione.
I primi decenni sono profondamente segnati dalla cultura pittorialista. Torino era allora all’avanguardia nel panorama fotografico italiano: lì era nata nel 1889 la Società Fotografica Subalpina, primo circolo fotografico italiano; lì, nel 1902, nell’ambito dell’Esposizione Internazionale di Arte Decorativa e Moderna, aveva avuto luogo la prima Esposizione Internazionale di Fotografia Artistica, con oltre 1300 opere degli autori più innovativi del panorama internazionale; e nel 1904 aveva avuto inizio la pubblicazione del periodico La Fotografia Artistica.
Bricarelli, avvocato di professione, assai attivo come “fotografo amatore” (come parte dell’alta e acculturata borghesia dell’epoca), ottiene riconoscimenti anche internazionali, intrattiene rapporti con prestigiose riviste e manifestazioni europee e americane (dall’esclusivo London Salon of Photography, a The Amateur Photographer, infine a Life e Harper’s Bazar). Nel dopoguerra inizia anche un’attività di critico, organizzatore e promotore, che lo porta nel 1921 alla costituzione del Gruppo Piemontese per la Fotografia Artistica e all’acquisto, nel 1923, del periodico Il Corriere Fotografico.
Senza rinunciare al fascino romantico del tardo pittorialismo, Bricarelli si misura in questi anni con le più innovative suggestioni della “nuova visione”. Nel 1926 fonda la rivista di automobilismo Motor Italia, dove nel 1927 pubblica un servizio fotografico sul Lingotto, a corredo di un articolo di Edoardo Persico, con esiti assolutamente convincenti e innovativi (come nella ripresa della Rampa elicoidale alla Fiat).
Nel 1927 Bricarelli lascia la professione legale e diventa giornalista professionista. E’ tra i primi a utilizzare la Leica, modello C a telemetro, con obiettivi intercambiabili.
Nel 1938 è a Roma, con Paolo Garretto, disegnatore e caricaturista, per il servizio fotografico su Mussolini commissionato da Life.
A partire dagli anni ’50, Bricarelli ricorre sempre più frequentemente all’uso del colore. Il fotografo accoglie le suggestioni non solo cromatiche delle coeve esperienze artistiche, dal Nouveau Réalisme alla Pop Art. Ormai anziano ma instancabile, pubblica, tra il 1968 e il 1979, importanti libri fotografici.
Si spegne l’8 maggio 1989 nella sua casa a Torino. Nel 1997 Carla Bricarelli dona parte del patrimonio fotografico paterno (oltre 40.000 fototipi) ai Musei Civici di Torino
giovedì, novembre 19, 2009
DAVID MALJKOVIC
Monika Spruth Philomene Magers
Oranienburger Str, Berlin
19/11/2009 - 16/1/2010
Sprüth Magers Berlin is delighted to present two installations by Croatian artist David Maljkovic. The artist's practice engages with the heritage of modern utopias, both in its theoretical and practical manifestations. His films, drawings, sculptures and installations often evolve around the potential of monuments and pavilions built during a period of optimism in former Yugoslavia in the 1960s and 1970s that have now been neglected or forgotten. Maljkovic resuscitates such former memorials by turning them into sites for alternative activities, often carried out by members of his own generation.
Evolving around two films and a series of collages the exhibition focuses on two architectural installations, confronting the viewer with a seemingly forgotten or invisible heritage - one that is not presently perceived as valuable or legitimate. In 'Images With Their Own Shadows' (2008), Maljkovic is concerned to convey a spirit of missed opportunities and resigned optimism within an alternative narrative of Yugoslavia's postwar cultural movements. The work places a number of cool, hip and detached-looking youths in a vaguely futuristic environment, alternating with long shots of geometric mobile sculptures made of a greyish metal.
The film is set at the estate of Croatian artist, architect and EXAT-51 founding member Vjenceslav Richter, and uses audio footage from a final interview with him. EXAT 51 short for Experimental Atelier was a group of artists, designers and architects active from 1951 1965. In the context of the social realism that dominated the cultural landscape of post-war Yugoslavia, the group announced their own particular vision of progress, collectivity, experimentation and freedom of expression, and articulated singular stances on subjects ranging from the synthesis of all artistic forms, and the importance of social and cultural conditions in artistic production. The collective played a crucial role in the contested narrative of socialist Modernism in the former Yugoslavia.
The second film 'Retired Form' (2008) was shot in Memorial Park, a commemorative space for the victims of the Second World War in Dotrscina, Zagreb. The park is organized around a monument by artist Vojin Bakic, which was inaugurated in 1968, and yet which was neglected and devastated during the 1990s. Bakic's work occupies a central position in the art of the former Yugoslavia; during the Cold War, abstraction in art provided the arena for quite different ideologies and their interpretations yet Bakic's work rejected such simplifications by employing abstraction inside the social art system. Maljkovic's related collage on aluminum, -Retired Form', (2009) displaces a silver obelisk that was once designed as a public monument, and relocates it into a field of a historically uncharged space. Though -retired forms' such as these may not have fulfilled their utopian promises, Majlkovic envisions an alternate history for them, as monuments to eras not yet come to pass. As the artist says, -I consider the tired place also to be an oasis, a place of potential pause'.
Majlkovic ́s work is not concerned with nostalgia as such, but rather possibilities of looking into the past to reassess its potential for the present. Like an archaeologist, he explores the aftermath, the disruption and continuity with the socialist project of modernity, insofar as this heritage is realizing itself in and through our imagination. In relation to the historical, political and cultural contexts in which Maljkovic ́s work comes about, it mirrors the categorical transformation of understandings of East and West, of communism and capitalism.
Born in 1973 in Rijeka, Croatia, Maljkovic currently lives and works in Zagreb. Recent solo exhibitions include P.S. 1, New York; Whitechapel Gallery, London; Kunstverein Hamburg; CAPC, Bordeaux; and Kunstverein Nürnberg. Recent group exhibitions include -11th Istanbul Biennale', Istanbul, -Eyes Wide Open', Stedelijk Museum, Amsterdam and the 5th Berlin Biennial for Contemporary Art in 2008.
THE GUTENBERG PAVILLION
Primo episodio dedicato alla casa editrice londinese Book Works
Kaleidoscope headquarters (ex Spazio Lima)
via Masera di fronte al n. 10 - Milano
dal 19/11 al 20/12/2009
Il project space di Kaleidoscope presenta il primo episodio di "The Gutenberg Pavilion", dedicato alla casa editrice londinese Book Works. La mostra sarà inaugurata a Milano il 19 novembre alle ore 18.
"The Gutenberg Pavilion" è una serie di mostre/evento che offre un focus sulle piu' vivaci e interessanti case editrici indipendenti internazionali, di cui Kaleidoscope vuole tracciare un'inedita mappatura a uso non solo dei professionisti dell'ambito ma anche di bibliofili, amanti dell'arte e curiosi: un vero e proprio -viaggio sentimentale- nell'arcipelago delle piccole ma agguerrite publishing houses che, pur operando nelle nicchie di un settore pressoche' monopolizzato dai grandi gruppi editoriali, offrono una produzione originale e di grande rilevanza.
La serie si apre con l'esperienza di Book Works, associazione non profit fondata a Londra nel 1984 con lo scopo di diffondere le pratiche dell'arte contemporanea raggiungendo un pubblico il piu' ampio possibile. Oltre a vantare tra i propri Founding Patrons tre artisti di grande statura internazionale come Liam Gillick, Tacita Dean e Susan Hiller, in questi oltre vent'anni di attività (cade proprio quest'anno il venticinquesimo anniversario della fondazione) Book Works ha collaborato con Joseph Kosuth, David Bowie, Anish Kapoor, Jimmie Durham, Tracey Emin, Douglas Gordon, Pierre Huyghe, Jonathan Monk, Jeremy Deller, Rosalind Nashashibi, Lawrence Weiner e molti altri.
Oltre ai libri che l'hanno resa un cult del settore, e al pionieristico magazine di scritti d'artista The Happy Hypocrite diretto da Maria Fusco, Book Works produce installazioni, multipli, workshop e progetti per i new media. La mostra presso Kaleidoscope indagherà proprio l'approccio versatile della casa editrice britannica, esponendo una selezione di pubblicazioni, poster ed ephemera. Contestualmente alla dimensione prettamente espositiva, Kaleidoscope ospiterà un temporary bookshop presso il quale sarà possibile acquistare alcuni dei piu' interessanti titoli in catalogo. Infine, a dicembre si terrà nel project space milanese un incontro con gli editori coordinato da Francesco Pedraglio.
"The Gutenberg Pavilion" è un esperimento inedito che permette al pubblico di entrare in contatto con la scena internazionale dell'editoria indipendente in modo nuovo, stabilendo una relazione piu' intensa di quella rapida e impersonale offerta delle fiere di settore. Grazie anche al coinvolgimento di designer nel progetto allestitivo, il project space di Kaleidoscope si trasformerà di volta in volta in una piccola wunderkammer monografica.
Kaleidoscope è un progetto sfaccettato che nasce con tutta la carica entusiasmante di una sfida. Prima di tutto è una casa editrice, al centro della cui attività si colloca la pubblicazione del primo free magazine europeo d'arte e cultura contemporanea. Attorno a questo nucleo, Kaleidoscope si dedica allo sviluppo e alla produzione di cataloghi, saggi, libri d'artista ed edizioni limitate. Oltre all'attività editoriale ed espositiva, Kaleidoscope offre tutti i servizi di una vera e propria art agency, dallo sviluppo all'organizzazione passando per la comunicazione in ogni suo aspetto. Infine Kaleidoscope e' un project space espositivo animato da un'intensa e articolata programmazione, oltre che il piu' fornito e selezionato punto vendita europeo di magazine internazionali specializzati in arte, architettura, design e moda.
DINO BUZZATI
POEM STRIP
New York Review of Books Classics
Literature in italian
Oct 6, 2009
Buzzati's pioneering graphic novel relocates the story of Orpheus and Eurydice to a ghostly version of an ultra-mod, hyper-sexy 1960s Milan and shows the influence of his one-time collaborator Federico Fellini.
There's a certain street —via Saterna— in the middle of Milan that just doesn't show up on maps of the city. Orfi, a wildly successful young singer, lives there, and it's there that one night he sees his gorgeous girlfriend Eura disappear, “like a spirit,” through a little door in the high wall that surrounds a mysterious mansion across the way. Where has Eura gone? Orfi will have to venture with his guitar across the borders of life and death to find out.
Featuring the Ashen Princess, the Line Inspector, trainloads of Devils, Trudy, Valentina, and the Talking Jacket, Poem Strip—a pathbreaking graphic novel from the 1960s—is a dark and alluring investigation into mysteries of love, lust, sex, and death by Dino Buzzati, a master of the Italian avant-garde.
PHILIP DAVIS
BERNARD MALAMUD
A writer's life
Oxford University Press, U.S.A.
(September 27, 2007)
Here is the first full-length biography of Bernard Malamud, the self-made son of poor Jewish immigrants who went on to become one of the foremost novelists and short-story writers of the post-war period, a man who at the peak of his success stood alongside Saul Bellow and Philip Roth in the ranks of Jewish American writers.
To tell Malamud's story, Philip Davis has drawn on exclusive interviews with family, friends, and colleagues; unfettered access to private journals and letters; and detailed analysis of Malamud's working methods through previously unresearched manuscripts. Nothing came easily to Malamud: his family was poor, his mother probably committed suicide when Malamud was 14, and his younger brother inherited her schizophrenia. Davis's meticulous biography explores the many connections between Malamud's life and work, revealing all that it meant for this man to be a writer, both in terms of how he brought his life into his writing and how his writing affected his life. It also restores Bernard Malamud's literary reputation as one of the great original voices of his generation, a writer of superb subtlety and clarity.
Philip Davis is Professor of English Literature at Liverpool University. He is the author of many books, including Malamud's People, The Victorians 1830-1880 (OUP 2002), and Shakespeare Thinking. He lives in West Kirby, England.Philip Davis is Professor of English Literature at Liverpool University. He is the author of many books, including Malamud's People, The Victorians 1830-1880 (OUP 2002), and Shakespeare Thinking. He lives in West Kirby, England.
PAOLA DÉCINA LOMBARDI
DÉTRUIRE, BALAYER TOUT, CHERCHER L'OR DU TEMPS
MARINETTI, TZARA, BRETON
le parole d'ordine e i destini dell'Avanguardia storica tra nichilismo, anarchia e speranza
Fondazione De Ferrari
Genova, piazza Dante 9/17-18
giovedì 19 novembre 2009, h. 17,30
Paola Dècina Lombardi è una delle più importanti studiose mondiali del Surrealismo al quale, fra l’altro, ha dedicato René Crevel o il surrealismo come rivolta; Surrealismo 1919-1969. Ribellione e immaginazione nonché la recente e preziosa raccolta La donna, la libertà, l’amore. Un’antologia del surrealismo (Mondadori). Per altro, le si deve di aver curato l’edizione italiana dell’ Antologia dello humour nero di Breton.
In qualità di francesista, ha inoltre tradotto svariate opere di autori dell’Otto-Novecento. È un’esperta di Balzac, intorno al quale ha pubblicato Mosaico balzachiano; Balzac e l’Italia; Il Signor di Balzac. Balzac vu par l’Italie.
Paola Décina Lombardi sarà presentata da Carlo Romano
mercoledì, novembre 18, 2009
GENDER CHECK
Femininity and Masculinity in the Art of Eastern Europe
MUMOK Museum of Modern Art - Ludwig Foundation Vienna
Museumsplatz 1 - Vienna
13 November 2009 - 14 February 2010
"Gender Check" is the first comprehensive exhibition featuring art from Eastern Europe since the 1960s based on the theme of gender roles. 20 years after the fall of the Berlin Wall, the curator Bojana Pejić, along with a team of experts from 24 different countries, has put together a selection of over 400 works including paintings, sculpture, installations, photography, posters, films and videos. With over 200 artists, the exhibition paints an exceptionally diverse picture of a chapter in art history that until recently had been largely unknown and that could also act as an important addition to contemporary gender discourse.
"Gender Check" follows the changes in the representation of male and female role models in art – especially as they develop under different socio-political conditions. The exhibition shows the interrelationship between art and history following both a chronological and thematic approach: During the 1960s, Socialist Realism portrayed both male and female workers as heroic figures symbolizing the officially propagated ideal of a "genderless society," while at the same time behind the scenes, this image was unmasked by unofficial art. Beginning in the 1970s and as part of a general trend towards liberalization, masculinity and femininity began to be reassessed outside of the propagandistic clichés of the past. New representations of the body displayed an increasing self-confidence and an open sexuality that called the heterosexual norms and heroic ideals of masculinity into question. With the fall of the wall in 1989, and the growing influence of consumerism from the West, new freedoms were found that however were also accompanied by new neo-conservative role constraints. And with this, a critique of chauvinist, militaristic, misogynist and xenophobic ideologies came to become an important topic in art.
List of the Artists (selection)
Anri Sala, Anita Arakelyan, Anna Kovshar, Ismet Mujezinović, Šejla Kamerić, Alla Georgieva, Sanja Iveković, Tomislav Gotovac, Běla Kolářová, Veronika Bromová, Mare Tralla, Cornelia Schleime, Fritz Skade, Emese Benczúr, Orshi Drozdik, Tibor Hajas, Erzen Shkololli, Aija Zariņa, Zenta Dzividzinska, Eglė Rakauskaitė, Sofija Veiveryté, Zaneta Vangeli, Valentina Rusu-Ciobanu, Jelena Tomašević, Wojciech Fangor, Katarzyna Kobro, Katarzyna Kozyra, Alexandra Croitoru, Ion Grigorescu, Lia Perjovschi, Anna Alchuck, Oleg Kulik, Vladislav Mamyshev-Monroe, Marina Abramović , Tanja Ostojić, Anetta Mona Chisa/Lucia Tkacova, Jana Želibská, Tadej Pogačar, Duba Sambolec, Arsen Savadov & Oleksandr Kharchenko, Boris Mikhailov and many more.
ERGONOMICS
Real Design
Design Museum
Shad Thames, London
18/11/2009 - 7/3/2010
Often described as the science of everyday life, ergonomics uses the knowledge of human performance in conjunction with design and engineering to create systems, products and services which are safe, efficient and enjoyable to use. Our size and shape, how we move, what we see, hear and feel and how we think, all this information has been collated and applied by ergonomists to aid the design of both everyday and extraordinary objects.
This engaging exhibition reveals the thought and process behind this science, exploring the theory, principles and methods used and applied to create usable, quality items. In an increasingly technological society, awareness of ergonomics is of paramount importance for designers and consumers alike. From the humble tape measure and TV remote control, to the vast and complex areas of transport systems and medical care, ergonomics is the study of how we interact with products, the relationship between man and machine, with the primary aim to optimise this symbiotic affiliation.
Ergonomics is the unsung hero of good design and is often only noticeable by its absence, when a product is badly designed or fails to be user-friendly. It's a thin line between mistaking the hot and cold tap to averting an air traffic disaster or power station meltdown. A misplaced element in either system can be fatal and whilst the consequences are majorly different the theory is much the same.
Through prototypes, interactive displays and examples of ergonomically designed pieces including the Sky TV remote and the CERN Control Room, this exhibition reveals the importance that ergonomics plays in creating design for the real world. Dr Mark Young, Senior Lecture at Human-Centred Design Institute Brunel University comments -Ergonomics is about applying science and method to what might otherwise be assumed as common sense, you could call it -evidence-based design' and this exhibition showcases the added value that ergonomics can bring to the design process.-
This exhibition is a joint collaborative between the Design Museum and Brunel University and was made possible with a grant from the Engineering and Physical Sciences Research Council under its Partnerships for Public Engagement programme.
CHE FARE? LA TV DOPO LA CRISI
Link – Idee per la televisione
n. 8 – novembre 2009
Crisi. Una parola che da qualche mese riecheggia ovunque. E che colpisce anche la televisione e il sistema dei media. Questa volta, più forte che mai. Perché si sovrappone a cambiamenti di lungo corso che costringono a ripensare ogni aspetto dell'industria tv. La filiera, la produzione, la pubblicità, i contenuti. Allora, la domanda è una sola: che fare? Link prova a scoprirlo.
Ma non solo. Nel numero compaiono ricognizioni della tv di oggi, e di quella di domani. Le regole per un format e una fiction efficaci. I quiz fatti videogioco. I tween e i loro culti. La sitcom storica e contemporanea. Il marketing sul web delle serie tv. L'industria del porno. Il doppiaggio italiano. Le "malattie mentali" dei fan. Le esplorazioni nella videoarte. Il futuro dei media.
Interventi di: Aldo Grasso, Carlo Freccero, Francesco Casetti, Mariarosa Mancuso, Peppino Ortoleva, Fausto Colombo, Marco Vecchia, Gregorio Paolini, Emilio Pucci, Carlo Alberto Carnevale Maffé, Jeremy Boxen, Violetta Bellocchio, Massimo Scaglioni, Andrea Lissoni, Antonio Dini, Michele Boroni, Matteo Bittanti.
RICCARDO CHIABERGE
LO SCISMA. CATTOLICI SENZA PAPA
Longanesi, 2009
Collana "Le spade"
Ormai lo ammette perfino il papa: la Chiesa è divisa. Il referendum sulla fecondazione assistita, i drammi di Welby e di Eluana e la battaglia sul testamento biologico, i Dico e le unioni gay, la ricerca sulle staminali embrionali, la pillola abortiva RU486: su questi e altri temi si sono aperte lacerazioni profonde non soltanto tra laici e credenti, ma nel corpo stesso del mondo cattolico. Prima Wojtyla e ora Ratzinger hanno scelto di contrastare la sfida del relativismo e della scienza con una ferrea restaurazione teologica e dottrinale che chiude la porta a ogni innovazione e discussione anche su questioni come il ruolo delle donne e il celibato dei preti, deludendo le aspettative di molti religiosi e accentuando il distacco dalla gerarchia di larga parte dei fedeli. Dopo la "Variabile Dio", Riccardo Chiaberge prosegue il suo viaggio ai confini tra religione e modernità, esplorando il continente sommerso dei cattolici "disobbedienti" che testimoniano la loro fede nella vita quotidiana ma stentano a riconoscersi nella linea ufficiale della Chiesa: eremiti cistercensi, suore missionarie, preti di periferia, teologi eterodossi, parroci sposati. Ma anche imprenditori in tonaca, medici pellegrini a Lourdes, ricercatrici sulle frontiere della bioetica, storici, filosofi, intellettuali. E semplici fedeli, uomini e donne, delusi da un clero che si mostra inflessibile con i peccatori senza potere ma non altrettanto con i peccati dei potenti.
I COLORI DEL FERRO
Libri e riviste alla Cornigliano-Italsider (1956-1965)
a cura di Carlo Vinti
Fondazione Corrente
Via Carlo Porta 5, Milano
dal 18/11 al 17/12/09
Mercoledì 18 novembre alle 18.00 inaugura negli spazi della Fondazione Corrente di Milano la mostra intitolata I colori del ferro. Libri e riviste alla Cornigliano-Italsider (1956-1965). L'esposizione, a cura di Carlo Vinti, e' promossa dalla Fondazione Corrente in collaborazione con la Fondazione Isec (Istituto per la storia dell'età contemporanea di Sesto San Giovanni) e sarà visitabile fino al 17 dicembre (martedi', mercoledi' e giovedi', 9.00 - 12.30, 15.00 - 18.30).
La mostra I colori del ferro si propone di documentare attraverso libri, periodici e altri materiali stampati, un episodio particolare di incontro tra intellettuali, artisti e industria nell'Italia degli anni cinquanta e del miracolo economico.
La rassegna riprende il titolo di un importante libro pubblicato dall'Italsider nel 1963 con un'introduzione di Umberto Eco e fotografie di autori come Kurt Blum, Mimmo Castellano, Arno Hammacher, Federico Patellani e Ugo Mulas. Tale volume costituisce un ottimo esempio dell'interesse rivestito dalla produzione editoriale dell'industria siderurgica italiana negli anni dal 1956 al 1965. I libri e le riviste realizzati in questo periodo negli uffici genovesi della Cornigliano e dell'Italsider sono parte di un'operazione vasta e complessa, in cui i motivi apertamente promozionali si intrecciavano alla volontà di dare corpo a una vera e propria politica culturale. Si tratto' di un progetto ambizioso all'insegna della integrazione tecnico-umanistica, nato grazie a un dirigente illuminato come Gian Lupo Osti e affidato alla regia visiva dell'artista Eugenio Carmi. La mostra copre un periodo che va dal 1956 - anno in cui l'azienda siderurgica Cornigliano assegno' a Carmi il compito di curare tutte le proprie manifestazioni visive - fino ai primi anni della nuova società Italsider, sorta nel 1961 in seguito alla fusione di Cornigliano e Ilva.
Saranno esposti documenti relativi all'attività editoriale svolta dal gruppo di giornalisti, artisti e illustratori che si formo' intorno a Gian Lupo Osti e Eugenio Carmi: dai libri strenna ai cataloghi delle importanti mostre organizzate dall'Italsider, dalle monografie aziendali ai volumi divulgativi concepiti come incentivo alla lettura per i dipendenti. Grande spazio sarà dedicato inoltre ai periodici: pubblicazioni come Cornigliano, Rivista Italsider e Siderexport, che nella copertina di ogni numero riproducevano opere di Burri, Calder, Capogrossi, Franchina, Kounellis, Pomodoro e molti altri artisti.
In occasione dell'inaugurazione, il 18 novembre, nella sede della Fondazione Corrente e' previsto un incontro-tavola rotonda con i maggiori protagonisti di quell'esperienza: Claudio Bertieri, Eugenio Carmi, Carlo Fedeli, Giampaolo Gandolfo e Gian Lupo Osti. Seguirà la proiezione del video Le mani! La testa! Gli occhi! Eugenio Carmi, un artista in fabbrica (Genova 2006) e di una selezione di film industriali prodotti da Cornigliano e Italsider.
martedì, novembre 17, 2009
AGAINST ALL REASONS:
SURREALISM PARIS - PRAGUE
- Wilhelm-Hack-Museum
Berliner Straße 23 - Ludwigshafen
- Kunstverein Ludwigshafen am Rhein
Bismarckstraße 44-48 - Ludwigshafen
November 14, 2009 - February 14, 2010
With over 300 works, this large-scale exhibition takes a fresh look at Surrealism as an international art movement involving major contributions from eastern Central Europe. The organisers, the City of Ludwigshafen and BASF SE, are not only showcasing major works at the Wilhelm-Hack-Museum by Surrealist artists such as Salvador Dalí, René Magritte, Max Ernst, André Masson and Meret Oppenheim, but also numerous works by artists such as Giorgio de Chirico, Hans Bellmer, Leonor Fini and Victor Brauner. Interesting new discoveries are waiting to be made by the visitor, in particular the works of Jindřich Heisler, František Hudeček, Mikuláš Medek, Jindřich Štyrský, Karel Teige and Toyen. The Kunstverein Ludwigshafen has focused exclusively on the medium of photography, featuring works by Man Ray, Brassaï, Jindřich Štyrský and Emila Medková, among others.
With Czech Surrealism placed centre stage for the first time in a major exhibition of this kind, and by encompassing works as late as 1969, one provides a unique viewpoint on the Surrealist movement. "Against all Reason" presents artworks from two major centres of Surrealism - Paris and Prague - and especially highlights the cross-genre connections between West and East. Thus for instance short animations by Jan Švankmajer, the celebrated Czech film maker, will be shown. Another highlight at the Wilhelm-Hack-Museum is Salvador Dalí's imposing 9x14 metre stage curtain "Bacchanal", exhibited for the first time in Europe.
Artistic Mises en Scène by Torchlight
With the full-scale reconstruction of part of the main gallery at the Surrealism Exhibition of 1938 at Galerie Wildenstein, the Wilhelm-Hack-Museum presents one of the highlights of Surrealist staging. The exhibition, largely conceived by Marcel Duchamp, showed works by famous Surrealists and turned the visitors' expectations upside down. Coal sacks hung from the ceiling, an artificial lily pond, the aroma of freshly ground coffee and the clamour of military parade ground - Duchamp united all this into an unforgettable sensual Gesamtkunstwerk. But the pièce de resistance was the lighting: the exhibition was lit solely by the visitors, who each received a torch on entering and thus became actors in their own right in this grand staging. The Wilhelm-Hack-Museum brings this experience back to life.
Reality behind reality – Surrealist Photography
The exhibition at the Kunstverein presents around 180 photographic works. Here again artists from Paris and Prague will be brought face to face - for the first time in such a wide scope. Alongside classic works by Man Ray, Hans Bellmer and Brassaï, photographs by Eugène Atget, Claude Cahun, Dora Maar, Erwin Blumenfeld, Herbert Bayer and Herbert List will be displayed. Also featured are photographs by painters such as René Magritte. The Surrealist photo-artists were not concerned with making faithful reproductions of reality, but with casting the eye of desire behind the scenes, with discovering new, hidden, mysterious realities. They experimented with new techniques such as photomontage, solarisation, rayography, brûlage and multiple exposure. Beginning with familiar motifs, they conjured up strange, mysterious worlds. And in particular the women Surrealists, such as Medková and Claude Cahun, used the medium to establish themselves in the largely male-dominated art scene.
Art on the Borderline: "Surrealismus und Wahnsinn" ("Surrealism and Madness")
On 25 November the legendary Prinzhorn Collection in Heidelberg will open the accompanying exhibition "Surrealism and Madness" (26.11.2009 – 14.02.2010) featuring a total of 120 exhibits. This exhibition showcases works underlining the draw that the "aesthetic of madness" exerted on many Surrealist artists of their time.
ED KIENHOLZ
THE HOERENGRACHT
The National Gallery
Trafalgar Square, London
17/11/2009 - 21/2/2010
'The Hoerengracht' (1983-88), by American artists Ed Kienholz (1927-1994) and Nancy Reddin Kienholz (born 1943), will transform the National Gallery's Sunley Room into a walk-through evocation of Amsterdam's Red Light District.
It will be the first time an installation of this kind has been exhibited at the National Gallery. The Hoerengracht is one of the most significant pieces of installation art made by the Kienholzes before Ed's death in the mid-1990s. Intense and often shocking, the ground-breaking installations - developed by Ed in the 1960s and continued in collaboration with his wife Nancy from 1972 - connect both to the art of the past and to more contemporary developments. Artists such as Mike Kelley, Paul McCarthy, Mike Nelson, the Chapman brothers, Tracey Emin and Damien Hirst have all produced work that is in a direct line of descent from Kienholz.
Made in the Kienholzes' Berlin studio, 'The Hoerengracht' ('Whore's Canal'), a classic example of assemblage art, breaks down the barrier between art gallery space and the real world by using objects from everyday life to address the theme of prostitution in a direct and unadulterated way.
The highly polemical street scene explores the idea of 'love for sale' - a theme that has been interpreted by artists over many centuries. Near to the evocative installation, a selection of 17th-century Dutch paintings from the National Gallery's own collection will be displayed to create a historic perspective. These will include Jan Steen's 'Interior of an Inn', Godfried Schalcken's 'A Man Offering Gold and Coins to a Girl' and Pieter de Hooch's 'A Musical Party in a Courtyard'.
Nancy Reddin Kienholz said, 'The Hoerengracht is fashioned after the Red Light District area, the Herengracht ("Gentlemen's Canal"). It is a piece for voyeurs. As the viewer walks the streets of our red light district, he or she discovers girls in windows and doorways who are offering their bodies for sale. There is music to be heard, and corners to traverse where more whores are offered.'
She continued, 'Prostitution is the oldest profession and no laws can overcome this fact. I would only hope that 'The Hoerengracht' is a kind portrait of the profession.'
The work was a return to a theme first tackled by Ed Kienholz in his earliest environmental sculpture - the now legendary 'Roxy's' (1961) - named after a real brothel in Nevada. 'The Hoerengracht' addresses issues of sordid sex, social crime and human folly. It revisits a theme ubiquitous in art of the past held in the National Gallery's own collection but here the setting has changed to a sleazy mid-1980s European street scene.
Recreating the glowing windows and mysterious doorways of Amsterdam's claustrophobic streets, The Hoerengracht's half-dressed, garishly lit mannequins enact a theatre of grim sociology, giving the viewer a peek into the seedy underbelly of the Red Light District. 'The Hoerengracht' functions as a composite street of the whole neighbourhood, creating a walk-through environment that places particular emphasis on external objects like a client's bike, dustbins and street signs.
The installation manipulates the viewer's emotions: he or she does not gain entrance into the girls' rooms but is forced to walk down the street like a typical client. One whore stands in the hallway whilst another sprawls herself across a stairway, presumably on the way up to a second-floor room. The remainder lounge in their windows or spaces, inviting men to come inside.
The texture of the assemblage is unpleasant and the dungeon-like window façades of 'The Hoerengracht' frame the faces of the girls, whose mannequin heads are in turn surrounded by tin cases. Their breasts are framed in perspex boxes, further emphasizing the fragmentation of the female body by consumer culture. At the same time, however, their hardened stance within dark doorways implies that they are aware of - and in control of - their condition.
MATTEO VERCELLONI - VIRGILIO VERCELLONI
L'INVENZIONE DEL GIARDINO OCCIDENTALE
Jaca Book, 2009
Collana "Varia. Illustrati"
Dalle lontane origini mesopotamiche alla rinnovata coscienza attuale della necessità di pensare il mondo come un giardino affidato alla responsabilità di tutti, si svolge l'avventura di pensiero e di vita sociale che questo libro presenta. Attraverso il giardino ellenistico e romano e poi quello medievale, il lettore è condotto all'innovazione del giardino rinascimentale italiano. Questo, pur continuando l'immagine medievale di hortus conclusus, costituisce una svolta quanto a disegno e tecnica di realizzazione e diviene un modello da imitare in tutta Europa. Spazio di rappresentanza e di loisir, è anche luogo di studio e di sperimentazione scientifica. Il percorso del libro si conclude nei nostri anni, quando va in frantumi la separazione tra giardino e paesaggio e il giardino penetra nella città in modi finora impensati, come la trasformazione di viadotti abbandonati in giardini pensili, la creazione spontanea di verde urbano in spazi di risulta e la trasformazione di pareti di grandi edifici urbani in muri vegetali. Oggetto di grandi sperimentazioni, il tema del giardino si presenta oggi in tutti i livelli e gli ambiti della vita sociale come riflessione e invenzione del modo di rapportarsi con la natura, teso tra la progettazione della comunità degli abitanti e l'autorappresentazione degli architetti paesaggisti e della comunità politica.
FRANCA TAMISANI - FRANCESCA DI BLASIO
LA SFIDA DELL'ARTE INDIGENA AUSTRALIANA
Tradizione, innovazione e contemporaneità
Jaca Book, 2007
Collana "Di fronte e attraverso"
Un esame attento della produzione e della diffusione delle creazioni artistiche indigene australiane contemporanee degli ultimi ottant'anni mette in discussione i ricorrenti stereotipi occidentali che relegano le popolazioni aborigene in un tempo passato, immutabile ed esotico. Questa raccolta invita il pubblico italiano a valutare la creatività e l'innovazione della produzione artistica aborigena in ambiti che vanno dalla pittura alla musica, dalla letteratura alla cinematografia e alla tecnologia multimediale, nello spazio interculturale dell'Australia coloniale e neocoloniale. Sovvertendo la distinzione e opposizione tra "arte tradizionale" e "arte moderna", i contributi di studiosi e le testimonianze di artisti indigeni raccolti in questo volume tracciano percorsi interculturali che rendono l'arte indigena australiana il prodotto di processi storici complessi.
BCV (BUON COMPLEANNO VIOLABOX)
Violabox Gallery
Via Trebisonda 56 - Genova
dal 14 novembre 2009 all'8 gennaio 2010
Con questa ampia collettiva, che presenta una selezione degli artisti della galleria e nuove proposte, Violabox festeggia il suo terzo anno di attività.
Un’ esposizione eterogenea di opere che spaziano dalla pittura alla scultura, dal video all’ installazione.
Fran Bravo, Luigi Copello, Anna Cosulich, Cribik, Giorgio Fracassi, Silvano Galifi, Tommaso Garavini, Gregorio Giannotta, Sergio Leta, Macchiavello, Matteo Macciò, Mirco Marcacci, Anna Martin, Teresa Morelli, Morg, Nicola Oliveri, Marco Puerari, Frank Russo, Martina Secondo Russo.
domenica, novembre 15, 2009
WILLIAM KENTRIDGE
STRADE DELLA CITTÀ (ED ALTRI ARAZZI)
Museo di Capodimonte
via di Miano, 2 - Napoli
14/11/2009 - 24/1/2010
Il 14 novembre alle ore 12, s'inaugura la mostra -Strade della città (ed altri arazzi)-, allestita nel grande salone che ospita i Cinquecenteschi Arazzi d'Avalos. Al posto di tali opere storiche, William Kentridge collocherà undici arazzi -di cui sei monumentali di nuova produzione- bozzetti e disegni su documenti e mappe in originale del Regno di Napoli e piccole sculture di bronzo, concepiti e realizzati appositamente per la mostra.
Si tratta di opere legate alla serie degli Horse e Nose tapestries, proseguimento ideale della Porter Series, gruppo di lavori di dimensioni piu' contenute che presentano ombre in processione proiettate su carte geografiche, realizzati dall'artista a partire dal 2001.
Se la prima serie - dichiara l'artista - raffigurava "porters", questa e' equestre. Si tratta di figure equestri antieroiche, in una crociata senza speranza attraverso la storia, cavalieri e cavalli in cerca di una terra promessa, piuttosto che della Terra Promessa-. Nei Nose tapestries si fa esplicito riferimento al breve racconto di Gogol Il naso, del 1836. Tristan Shandy di Sterne (1759) e Don Chischiotte di Cervantes (1601) gli antecedenti letterari di questo racconto che utilizza l'assurdo come espediente narrativo.
Nella storia di Gogol, il naso abbandona il volto del suo proprietario e assurge a maggiore autorità e prestigio di questi tentando di trasformarsi appunto in eroe equestre. Vengono descritti i tentativi dell'assessore di collegio Kovale'v di rintracciare e riappropriarsi del suo organo del senso, e delle parallele solitarie avventure di questo per le vie di San Pietroburgo.
Oltre alla "cartografia biblica" dell'Egitto e della Palestina, una decina di incisioni che ritraggono la città di Napoli e il suo territorio, rappresentano -il paesaggio di sfondo- delle avventure del -Naso- in veste di eroe equestre. Cio' a conferma del forte legame dell'artista - già regista ed autore nell'ottobre 2006 delle scene del -Flauto Magico- al Teatro San Carlo - con la città di Napoli, nei secoli terra di conquista e di soprusi, ma anche musa pittoresca e inquietante per le arti e la cultura.
I am not me, the horse is not mine
Lecture/Performance con proiezione
MADRE, Museo d'Arte Contemporanea Donna Regina
Lo stesso giorno, alle ore 20, al Museo Madre di Napoli, l'artista terrà una conferenza in forma di performance accompagnata da una proiezione video, dal titolo -I am not me, the horse is not mine-. Il titolo di questo lavoro deriva da un'espressione contadina russa utilizzata per negare la colpa e usata da Bukharin, il fedele luogotenente di Lenin, in una seduta del Comitato Centrale del 1937 nel tentativo di sottrarsi alla -purga- staliniana, e infine, alla morte.
Dal palcoscenico del Madre, Kentridge leggerà alcuni frammenti estratti dalla trascrizione di questo processo sommario, e brani tratti dal citato romanzo di Gogol. Kentridge ha presentato questo lavoro per la prima volta nel 2008 alla Biennale di Sidney, insieme alla omonima installazione di 8 frammenti video. Nel 1930 Il Naso viene trasposto in opera da Dimitri Šostakovič nel clima della repressione staliniana. A marzo del 2010 Kentridge curerà la regia e le scene dell'opera per il -Metropolitan Opera- Lincoln Centre- di New York.
Dal 1997, anno della sua partecipazione alla X edizione di Documenta a Kassel, le personali di William Kentridge (Johannesburg, 1955) ospitate nei musei e nelle gallerie di tutto il mondo si sono moltiplicate, a cominciare dal MCA di San Diego (1998) e dal Museum of Modern Art di New York (1999). Nel 1998 il Palais des Beaux-Arts di Bruxelles ha presentato una mostra antologica delle sue opere, che tra il 1998 e il 1999 si e' spostata in altri musei europei. Una nuova retrospettiva delle sue opere, curata da Carolyn Christov-Bakargiev, e' stata ospitata nel 2004 nelle sale del Castello di Rivoli e poi in molti altri musei in Europa, Canada, Australia e Sudafrica. Il 2009 ha segnato l'avvio di una nuova, grande mostra itinerante, che e' partita da San Francisco e ha toccato vari musei del Texas, della Florida, il MoMA di New York, prima di passare in Europa.
Si ringrazia Lia Rumma per la collaborazione.
DELIO GENNAI
PENSIERI SOSPESI
ex Fornace Pasquinucci
Piazza R.Dori 6, Capraia Fiorentina (Fi)
dal 14/11 al 29/11/2009
Sospesi, tra il visibile e la sua negazione, sublimata nella trasparenza, i labirinti di Gennai assomigliano ad una lucida ragnatela di pensieri che una intelligenza discreta abbia disegnato nel vuoto. Misteriosamente. Priva della violenza oppressiva di chi voglia far primeggiare il proprio punto di vista imponendolo sugli altri, una trama di scritture parzialmente indecifrabili ma di raffinata evidenza, prende forma nell'aria ricamandola di ombra e di luce.
Labirinti della mente, astrazioni logiche di un pensiero affinato dalla pazienza contemplativa e sottilmente partecipe delle traversie di un logorio quotidiano, queste nuvole di carta sembrano levitare leggere, immuni dalla forza di gravità.
Percorrendo con lo sguardo le scritture trasparenti, impregnate di carta e di vuoto, si ha la sensazione di addentrarsi nel tempio laico della mente, dove ciascuno puo' incontrarsi di nuovo con se stesso e con la dimensione intangibile del pensiero, non solo con il proprio, individuale, ma anche con quello atemporale di tutti i secoli e di tutti gli uomini, svincolati dalla dominante materiale di una specifica cultura religiosa.
Attraverso le sue tarsie ispirate alle chiese pisane, agli arabeschi islamici filtrati nel romanico locale, si legge la tensione ad un'armonia superiore a cui concorrano provenienze e linguaggi umani diversi. Dalla Babele delle lingue e delle sopraffazioni, la scrittura elegante e indecifrabile di Gennai sembra ricondurre ad una aspirazione piu' profonda e latente in ogni individuo, codificabile nell'equilibrio interiore e nella generazione di relazioni sagge e feconde, che contemplano la luce e le ombre, la pienezza e la sottrazione. La preziosità elaborata dei ricami sembra modellare, in modo attualissimo, la forma immateriale del pensiero, pur dimostrandosi capace di dialogare con gli spazi densi di memoria, come nel caso delle pale gotiche con fondo dorato del Museo Nazionale di San Matteo o dei reperti archeologici del museo di La Spezia.
Non e' dettata dal puro piacere dell'astrazione geometrica, ne' e' fine a se stessa la ricerca visiva di Gennai; riflette piuttosto un'indagine al tempo stesso introspettiva e universale, l'urgenza della concentrazione e di un pensiero che si preoccupi della verità e della ricerca di senso.
Maria Francesca Pepi
TOSHA GRANTHAM
DARKROOM: PHOTOGRAPPHY AND NEW MEDIA IN SOUTH AFRICA, 1950 - PRESENT
With a preface by Deborah Willis
Essays by Isolde Brielmaier and Tumelo Mosaka
Virginia University Press, october 2009
Photography and video are powerful tools for shaping perception and effecting change, as is convincingly portrayed through the images in this catalogue. Featuring the works of sixteen South African photographers and video artists from 1950 to the present, the catalogue was conceived to accompany the exhibition of the same name at the Virginia Museum of Fine Arts. The cultural and political turbulence of South Africa has lent particular urgency to the role of these media. The eight sections of this catalogue explore a broad spectrum of social and aesthetic themes that have not been brought together in this way before in the United States or abroad.
Darkroom focuses on four generations of artists, including those who lived and worked primarily in South Africa during the apartheid era (1948-1994) and a younger generation that has gained wide international prominence since apartheid's end. The title refers to both literal and metaphorical dark rooms: the actual place where photography and video is made or seen; the artistic isolation created by apartheid; and the psychological and physical hardship of making meaningful work under threat of imprisonment, torture, and exile.
The images appear as they are organized in the galleries: eighty-six photographs, eight photo-based installations, and six video installations. The artists include native South Africans and long-term South African residents from Germany, the United States, and England.
Contributing Artists
Roger Ballen * Ian Berry * David Goldblatt * William Kentridge * Peter Magubane * Thando Mama * Senzeni Marasela * Santu Mofokeng * Zweiethu Mthethwa * Robin Rhode * Tracey Rose * Jürgen Schadeberg * Berni Searle * Andrew Tshabangu * Nontsikeleio Veleko * Sue WilliamsonDistributed for the Virginia Museum of Fine Arts
AMY ABUGO ONGIRI
SPECTACULAR BLACKNESS
The Cultural Politics of the Black Power Movement and the Search for a Black Aesthetic
Virginia University Press, december 2009
Exploring the interface between the cultural politics of the Black Power and the Black Arts movements and the production of postwar African American popular culture, Amy Ongiri shows how the reliance of Black politics on an oppositional image of African Americans was the formative moment in the construction of "authentic blackness" as a cultural identity. While other books have adopted either a literary approach to the language, poetry, and arts of these movements or a historical analysis of them, Ongiri's captures the cultural and political interconnections of the postwar period by using an interdisciplinary methodology drawn from cinema studies and music theory. She traces the emergence of this Black aesthetic from its origin in the Black Power movement's emphasis on the creation of visual icons and the Black Arts movement's celebration of urban vernacular culture.
Amy Abugo Ongiri is Assistant Professor in the English Department and Film and Media Studies Program at the University of Florida.
"Festival dell'eccellenza al femminile"
INCONTRO CON ORLAN
Accademia Ligustica di Belle Arti
Largo Pertini 4 - Genova
domenica 15 novembre ore 16,00
intervengono con l'artista:
Achille Bonito Oliva, critico d'arte
Emilia Marasco, preside Accademia Ligustica
Renato Tortarolo, giornalista Secolo XIX
Un¹artista estrema e trasgressiva. Un percorso artistico all¹insegna della ricerca dell¹identità. Un¹occasione unica d¹incontro con Orlan, mutante contemporanea e sperimentatrice coraggiosa, che ha indagato, letteralmente sulla sua pelle, l¹esigenza della metamorfosi in senso creativo e la possibilità etica del ³riprogettarsi², che ha utilizzato il suo corpo come materia da plasmare per realizzare un progetto artistico.
